_O mundo está constantemente a escapar-nos. O presente é um lugar de disputa entre o passado vivido e o futuro por vir. Como pensar o corpo e o seu movimento como um rastro e ao mesmo tempo uma projeção? Uma tentativa de curvar o tempo para a frente e para trás em simultâneo, como um processo de memória e de devir. Habitar uma temporalidade espiralar na qual o corpo vibra em escuta profunda, contra a linearidade e o separatismo espacial. Desarmar as categorias de sujeito e de objeto para ser-se movido por algo além de si mesmo. Um esforço de convivência de linguagens entre movimento e voz que ressoam e fazem o corpo transbordar enquanto textura, sensualidade e sensação, expandindo-se a uma condição imanente, movendo-se em direção à carne._ ―  João dos Santos Martins

###### Ficha artística

##### Autoria | João dos Santos Martins 
##### Interpretação | Adriano Vicente, Ana Rita Teodoro, Connor Scott, João dos Santos Martins, Natacha Campos, Noel Quintela, Sofia Kafol e Teresa Silva
##### Figurinos | Constança Entrudo
##### Luz | Filipe Pereira, Joana Mário
##### Música | a partir de _Horse Sings from Cloud_ (1975) de Pauline Oliveros
##### Apoio Vocal | Joana Nascimento
##### Produção e administração | João dos Santos Martins, Lysandra Domingues, Sofia Lopes | Associação Parasita
##### Coprodução | Associação Parasita, Culturgest, Teatro Municipal do Porto
##### Residências | Espaço Parasita, Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo, PRO.DANÇA
##### Agradecimentos | Dani Issler 


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"vida e obra", de João dos Santos Martins

###### Credits
##### Author | João dos Santos Martins
##### Performers | Adriano Vicente, Ana Rita Teodoro, Connor Scott, João dos Santos Martins, Natacha Campos, Noel Quintela, Sofia Kafol, Teresa Silva
##### Costumes | Constança Entrudo
##### Light | Filipe Pereira, Joana Mário
##### Vocal support | Joana Nascimento
##### Music from Horse Sings from Cloud (1975), by Pauline Oliveros
##### Production and management | João dos Santos Martins, Lysandra Domingues, Sofia Lopes | Associação Parasita
##### Coproduction | Associação Parasita, Culturgest, Teatro Municipal do Porto
##### Residencies | Espaço Parasita, Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo, PRO.DANÇA
##### Acknowledgements | Dani Issler 

João dos Santos Martins ― vida e obra

Este programa de apoio à criação artística independente acolhe criadores(as) na área da dança e noutras áreas de cruzamento artístico, a nível nacional e internacional, por um período máximo de duas semanas. 

As candidaturas são recebidas em contínuo e as residências são integradas na agenda dos Estúdios por ordem de chegada das respetivas propostas. Desde a sua génese, os EVC são um espaço de coabitação de múltiplas linguagens, respondendo em proporção direta às necessidades da comunidade artística.

Residências Artísticas

2024

_Este é um projeto que se foca na procura das sensibilidades, é um projeto sobre o corpo trans não binário à procura da sua própria masculinidade. Este é um projeto autobiográfico, é sobre a minha transição da linguagem machista que carrego do hip hop para encontrar uma masculinidade mais saudável dentro de outras danças. Este é um corpo que navega pela memória e pela construção de uma nova memória, uma construção de futuro. Trabalho sobre a fusão de vários estilos. Encontro no waving, no Vogue, nas danças de salão, expressões de género que encaixam numa não binariedade, e que por consequência trazem uma nova proposta de vivência e de recolocar o corpo a nível social, numa tentativa de responder à pergunta: Como dança um corpo não binário? Qual a importância de criar uma transmasculinidade não tóxica e o que é isso? Porque são as transmasculinidades invisíveis? Porque nos escondemos?_

_O nome primarosa vem de primrose. A primeira flor que abre no início da primavera. Significa começo, transformação, cura. Uma despedida, uma morte, que gera um novo, um renascer, um novo corpo. Uma vontade de gerar novos conceitos e ideias._ ― Eríc Amorim dos Santos

###### Ficha artística
##### Criador / intérprete | Eríc Santos
##### Dramaturgia | Maurícia Neves
##### Sonoplastia | Rui Lima e Sérgio Martins
##### Assistente de produção | Catarina Corujeira

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"Prima rosa", de Eríc Santos

###### Credits
##### Creator / performer | Eríc Santos
##### Dramaturgy | Maurícia Neves
##### Sound design | Rui Lima and Sérgio Martins
##### Production assistant | Catarina Corujeira

 Eríc Amorim dos Santos ― Prima rosa

##### IMERSÃO é um projeto anual e interdisciplinar criado pelo QUEER ART LAB que se apresenta como um laboratório de criação artística direcionado a pessoas LGBTQI+. Este ano, os Laboratórios Artísticos IMERSÃO terão mentoria da encenadora, bailarina, atriz e produtora brasileira Gaya de Medeiros. 

##### O Queer Art Lab irá trabalhar com 4 artistas emergentes, e cada um(a) deles(as) irá criar uma peça com uma duração mínima de 20 minutos ao longo de 6 semanas de residência. Esta criação será uma primeira abordagem ao que o(a) artista pretende desenvolver ou uma continuação de processo. A fase 3 do projeto decorre entre 25 de março e 24 de abril de 2024 em Lisboa, e na primeira semana de criação os artistas estarão em residência nos EVC, com a mentora Gaya de Medeiros.


##### As peças criadas serão apresentadas em outubro de 2024, no Festival IMERSÃO.

######  Um projeto do QUEER ART LAB
###### Mentoria 
##### Gaya de Medeiros
###### Artistas
##### Dai, Izabel Nejur, Luan Okun, Suh Pa
###### Direção Criativa 
##### Ary Zara



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"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

##### IMERSÃO is an annual interdisciplinary project created by QUEER ART LAB, which presents itself as an artistic creation laboratory aimed at LGBTQI+ people. This year, the IMERSÃO Art Labs will be mentored by Brazilian director, dancer, actress and producer Gaya de Medeiros. 

##### Queer Art Lab will work with 4 emerging artists, each of whom will create a piece lasting at least 20 minutes over the course of a 6-week residency. This piece will be a first approach to what the artist wants to develop or a continuation of the process. Phase 3 of the project takes place between March 25 and April 24, 2024 in Lisbon, and in the first week of creation the artists will be in residence at the EVC, with mentor Gaya de Medeiros.


##### The pieces created will be presented in October 2024 at the IMERSÃO Festival.


###### A QUEER ART LAB project
###### Mentoring 
##### Gaya de Medeiros
###### Artists
##### Dai, Izabel Nejur, Luan Okun, Suh Pat
###### Creative Direction 
##### Ary Zara


IMERSÃO Art Laboratories ― Queer Art Lab + Gaya de Medeiros

Laboratórios Artísticos IMERSÃO ― Queer Art Lab + Gaya de Medeiros

_A Pedra, a Mágoa parte da observação de pedreiras abandonadas em território nacional, analisando a aceleração de decomposição dos espaços em imagens e comparando-as à ideia social do conceito Família. Posicionando-se na fronteira entre o público e o privado, o coreógrafo procura uma velocidade que conduza o espectador a um espaço mitológico de acolhimento e disrupção, onde a contemplação se proporciona através de milhares de frames por segundo._

_- um Fauno para os meus pais -_

«Observei o meu país de cima. Lá, os meus pais multiplicavam-se entre cidades e vilas, construindo famílias que não eram minhas. Famílias grandes e famílias pequenas, famílias solteiras ou em grupo, com e sem casas. Mesas cheias e bolsos completamente vazios, famílias com bocas calmas e imagens que são apenas familiares no exterior. Olhando para baixo, vi também feridas abertas na terra, escavações sem fim, umas cuidadas e outras abandonadas, umas cheias de água e outras com gargantas escassas, inspeccionadas por animais de ferro a que decidimos chamar de gruas para que o trabalho pesado não fosse confundido com a exploração animal (o meu pai e a minha mãe sempre foram animais de trabalho). As famílias das pessoas e as famílias dos buracos tornaram-se demasiadas para manter a visão clara, perdi os meus pais e as suas novas famílias (que talvez sejam minhas ou então esses pais nunca me tenham pertencido). Percebo que talvez eu não esteja em lado nenhum, que tudo é um enorme buraco de pedra caída. Não há mais país, nem pais, nem família - tudo é tudo e tudo traz o princípio do nada: recomeçar uma escavação a partir de dentro.» 
― Daniel Matos

###### Ficha Artística
##### Direção Artística, Criação e Concepção Plástica | Daniel Matos
##### Performers e Co-criação | Lia Vohlgemuth, Elia Pangaro e Joana Simões
##### Colaboração Artística, Arquivo, Fotografia e Vídeo | João Catarino
##### Banda Sonora Original (a partir de Debussy) | João Galante aka Coolgate e José Cruz
##### Consultoria Artística | Beatriz Marques Dias 
##### Direção Técnica | Ana Carocinho
##### Desenho de Luz | Manuel Abrantes
##### Cenografia | Daniel Matos 
##### Figurinos | Marina Tabuado  
##### Comunicação | Maria Tsukamoto
##### Direção de Produção | Joana Flor Duarte
##### Produção | CAMA a.c.
##### Co.Produção | Teatro das Figuras, Cine-Teatro Louletano, Casa Varela/Cine-Teatro de Pombal - Município de Pombal, Município de Lagos
##### Residência de Co.Produção | O Espaço do Tempo, Teatro Municipal Baltazar Dias / Estúdio de Criação Artística do Funchal 
##### Apoio à residência | OPART|Estúdios Victor Córdon
##### Apoios | Estúdios Vítor Córdon / OPART, Espaço Alkantara, Casa da Dança de Almada, CAMADA - Centro Coreográfico, O Rumo do Fumo, A Piscina, Estúdio CAB

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"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

_"The Stone, the Sorrow"is based on the observation of abandoned quarries in Portugal, analyzing the acceleration of the decomposition of spaces into images and comparing them to the social conception of the notion of Family. Positioning himself on the border between the public and the private, the choreographer seeks a speed that leads the viewer to a mythological space of hospitality and disruption, where contemplation is made possible through thousands of frames per second._

###### Credits
##### Artistic Direction, Creation and Plastic Conception | Daniel Matos
##### Performers and Co-creators | Lia Vohlgemuth, Elia Pangaro and Joana Simões  
##### Artistic Collaboration, Archive, Photography and Video | João Catarino 
##### Original Soundtrack (from Debussy) | João Galante aka Coolgate 
##### Artistic consultancy | Beatriz Marques Dias
##### Technical Direction | Ana Carocinho 
##### Light Design | Manuel Abrantes
##### Stage design | Daniel Matos 
##### Costume design | Marina Tabuado
##### Communication | Maria Tsukamoto
##### Production Direction | Joana Flor Duarte
##### Production | CAMA a.c.
##### Co-Production | Teatro das Figuras, Cine-Teatro Louletano, Casa Varela/Cine-Teatro de Pombal - Município de Pombal, Município de Lagos
##### Co-Production Residency | O Espaço do Tempo, Teatro Municipal Baltazar Dias / Estúdio de Criação Artística do Funchal
##### Support | Estúdios Vítor Córdon / OPART, Espaço Alkantara, Casa da Dança de Almada, CAMADA - Centro Coreográfico, O Rumo do Fumo, A Piscina, Estúdio CAB


THE STONE, THE SORROW ― DANIEL MATOS

2023

A Pedra, A Mágoa ― Daniel Matos

“Corpo do Tempo” é  o primeiro espetáculo da Pulsar - Companhia Do Corpo, companhia centrada no trabalho multidisciplinar que coaduna o diálogo entre Música, Dança e Teatro através de um único instrumento: O Corpo.
Este espetáculo baseia-se no método pedagógico desenvolvido por Marco Santos, que usa a percussão corporal como ferramenta para lapidar a criatividade, a expressão, a consciência do espaço e a relação entre os corpos. Busca explorar e traduzir em performance questões como a efemeridade do corpo e a sua fragilidade, os julgamentos limitantes, bloqueios emocionais e preconceitos sociais relacionados com o corpo humano, os limites físicos do corpo, não como barreira, mas ponte para novas possibilidades, e a relação entre corpo individual e coletivo. O sentido de união na heterogeneidade, as automatizações do corpo, começando por ganhar consciência delas através do foco e presença, a desmistificação do toque, o ritmo como ferramenta elementar na exploração de limites e interseções entre interior e exterior, som e silêncio, presença e ausência.

A percussão corporal é encarada de forma elástica, sem restringir o corpo ao âmbito musical. Por um lado, explora os seus movimentos e as suas relações com o espaço, ou seja, a dança acontece enquanto organiza sons e silêncios. Por outro lado, a percussão corporal expressa uma narrativa, que compõe uma dramaturgia, podendo assim evocar um campo poético. Parte-se do corpo como principal instrumento para elaborar vocabulário e linguagem que, com ou sem palavras, estabelece a comunicação com os aspetos mais subtis da existência humana.

###### Ficha técnica
##### Criação e Direção | Marco Santos
##### Assistência de Movimento | Miguel Oliveira
##### Assistência de dramaturgia | Yola Pinto
##### Produção | Marco Santos, Rui Aires, Margarida Soares
##### Elenco | Ana Sofia Sequeira, André Tasso, Cristina Clara, Denys Stetsenko, Eva Parmenter, Gonçalo Pereira, Marco Santos, Mariana Camacho, Mariana Frazão, Margarida Soares, Miguel Oliveira, Nazaré Pinto, Poliana Tuchia, Rafaela AmoDeo, Rui Aires, Ulisses Ruedas
##### Agradecimentos | Manuel da Luz Santos, Clara Andermatt, Simão Costa, Yola Pinto, Silvia Real
##### Apoios | Antena 2; Real Pelágio, MATT image & design; Menu das Artes; Companhia ACCCA; EVC - Estúdios Victor Cordon; UartM - United Art Movement; Musibéria.

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"Corpo do Tempo", da Companhia do Corpo - Pulsar

"Corpo do Tempo" is the first piece by Pulsar - Companhia Do Corpo, focused on a multidisciplinary approach. The piece combines music, dance and theater through a single instrument: the body.

###### Credits
##### Creation and Direction | Marco Santos
##### Support to movement | Miguel Oliveira
##### Dramaturgy assistance | Yola Pinto
##### Production | Marco Santos, Rui Aires, Margarida Soares
##### Cast | Ana Sofia Sequeira, André Tasso, Cristina Clara, Denys Stetsenko, Eva Parmenter, Gonçalo Pereira, Marco Santos, Mariana Camacho, Mariana Frazão, Margarida Soares, Miguel Oliveira, Nazaré Pinto, Poliana Tuchia, Rafaela AmoDeo, Rui Aires, Ulisses Ruedas
##### Acknowledgements | Manuel da Luz Santos, Clara Andermatt, Simão Costa, Yola Pinto, Silvia Real
##### Support | Antena 2; Real Pelágio, MATT image & design; Menu das Artes; Companhia ACCCA; EVC - Estúdios Victor Cordon; UartM - United Art Movement; Musibéria.

PULSAR ― Corpo do Tempo

##### _Mawaru, Um Corpo Fascinado Flutua sem Pensamento_ é uma peça que mergulha na teoria do caos, explorando o conceito do "efeito borboleta" e sua influência nas interações humanas. Ela é uma das leis mais importantes do Universo, invisível aos nossos olhos, mas presente na matriz de praticamente tudo o que nos rodeia. A peça revela, tal como na teoria, que a mais pequena das mudanças pode desencadear eventos imprevisíveis e transformar o curso de eventos de maneira monumental.

##### Através de movimentos circulares que ecoam a sutileza das asas de uma borboleta, investiga-se a sensibilidade às condições iniciais, permitindo que o fluxo do movimento nos conduza a destinos desconhecidos. Cada frase coreográfica, inicialmente simples, evolui em direções inesperadas, refletindo a imprevisibilidade inerente à vida. _Mawaru_ explora as relações humanas, mostrando como os encontros e desencontros moldam o nosso destino, como se de um cálculo matemático se tratasse, em que a mais ligeira mudança nos surpreende com um resultado diferente. 

##### Inspirada pela poesia dos haikus japoneses, a peça convida o público a explorar um leque infinito de possibilidades interpretativas. Como a flutuação de fatores que impedem a previsibilidade, as relações entre os personagens são influenciadas por uma miríade de fatores, cada um contribuindo para um padrão único e imprevisível. À medida que se desafia as fronteiras das interpretações, a dramaturgia de "Mawaru" segue o mesmo princípio do caos determinístico, oferecendo ao público o poder de moldar sua própria experiência. Como o universo que nos cerca, "Mawaru" é uma reflexão física sobre a imprevisibilidade da vida e a beleza encontrada nas infinitas possibilidades da dança. 


###### Ficha Técnica

##### Conceito e Coreografia | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Interpretação | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Edição Musical | A definir
##### Música | Hiromitsu Agatsuma
##### Figurino | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Desenho de luz | Matilde Barbas e Miguel Santos


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"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

Mawaru ⏤  Matilde Barbas & Miguel Santos

Um espetáculo de dança, com músicos ao vivo, que vive da alteridade entre a presença dos corpos e as
suas imagens projetadas em tempo real e diferido. Um espectro caleidoscópico de realidades, desdobra a própria imagem e presença do corpo em múltiplos lugares, numa analogia que toca os desafios do Corpo _virtual.polifónico.multireferencial_, que todos nós temos vindo a experienciar cada vez mais.

Em parceria com o videasta João Catarino, Yola Pinto e Simão Costa convidam vários artistas a partilhar o palco, transformado num espaço heterotópico comum.

Procura contrapor a hipótese de um corpo como receptáculo e/ou meio de transporte de um intelecto com uma ideia multidimensional desse corpo inserido num sistema de vários reflexos, seguindo várias escolhas de (co) ordenação.

Aqui, a linguagem verbal, premissa basilar que permite catalogar uma visão unívoca e mensurável do mundo, dá espaço a outras formas de percepção e experiência do real circundante, para falar do inefável poder do que está para além das palavras.

Cruza inspirações das mais recentes pesquisas em neurociências (nomeadamente da literatura científica do neurocirurgião português, António Damásio), transduzidas para o modus operandis coreográfico e musical, assim como da filosofia, como é disso exemplo Frederico Campagna (in _Da Técnica à Magia_).


##### ―
##### 
##### Ficha Técnica
##### Direção artística | Yola Pinto e Simão Costa
##### Piano, eletrónica, composição sonora | Simão Costa
##### Coreografia, dramaturgia | Yola Pinto 
##### Vídeo | João Catarino
##### Assistência de criação e técnico de som | Artur Pispalhas
##### Interpretação dança | Miguel Santos
##### Bateria | Marco Santos
##### Dispositivo cénico | Sara Franqueira
##### Direção técnica e desenho de luz | Cristóvão Cunha
##### Produção executiva | YPSC_transduction
##### Apoio administrativo | MãoSimMão – associação cultural
##### Coprodução | MUDAS_Museu de Arte Contemporânea da Madeira, Cineteatro Louletano, Teatro Municipal de Bragança
##### Residências artísticas | Estúdios Vitor Cordon, Teatro Aveirense, CEA - Centro de Experimentação Artística
##### Apoio | DGArtes

medium_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

small_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

thumbnail_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

O meu corpo não é só uma instância ― Yola Pinto & Simão Costa

Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix.

[instalação - performance - ocupação onírico|política do espaço]

_Será que vivemos a falência da utopia ou uma reformulação de distopias anteriormente (mal)sonhadas? Se há uma dimensão temporal é porque só se realiza na vivência, transformando o tempo abstrato na duração real, sendo a harmonia e paragem da vertigem um inimigo da produção capitalista. Podemos sonhar e isso ser realidade concreta?_

_Como se o corpo não fosse fronteira, como se a história não fosse cheia de ausências, com a certeza de que a imaginação é absolutamente essencial. A ancestralidade de um futuro presente. A força pode mesmo estar na capacidade de imaginar. É para questionar mesmo. É poético. E tem prazer. Há confronto, o conforto não sei._ Piny


##### Ficha técnica

##### Criação | Piny
##### Performers | Piny, Violet Scrap, Adrielle Mendes
##### Sonoplastia | Carincur
##### DJ | Leo Soulflow
##### Apoio dramatúrgico | Teresa Coutinho
##### Apoio ao texto | Teresa Coutinho e Chullage
##### Olhares externos / aconselhamento | Patrícia Portela, Rita Diamond, Pedro Coquenão, outres convidades
##### Cenografia e montagem de espaço | a definir
##### Figurinos | a definir
##### Desenho de luz | a definir
##### Aconselhamento sobre perceção da cor e instalação | a confirmar
##### Produção | Produção d’Fusão | Filipe Metelo e Patrícia Soares

large_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

medium_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

small_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

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ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx.

[installation - performance - oniric | political occupation of the space]

_Are we living through the failure of utopia or a reformulation of previously ( mis)dreamed dystopias? If there is a temporal dimension, it's because things happen only in the experience, transforming abstract time into real duration, with harmony and a break from vertigo being an enemy of capitalist production. Can we dream and have it be concrete reality?_

_As if the body were not a border, as if history were not full of absences, with the certainty that imagination is absolutely essential. The ancestry of a present future. Strength may indeed lie in the ability to imagine. It's really about questioning. It's poetic. And there's pleasure. There's confrontation, I don't know about comfort._ Piny


##### Credits

##### Creation | Piny
##### Performers | Piny, Violet Scrap, Adrielle Mendes
##### Sound design | Carincur
##### DJ | Leo Soulflow
##### Dramaturgy support | Teresa Coutinho
##### Text support | Teresa Coutinho and Chullage
##### Outside look / advice | Patrícia Portela, Rita Diamond, Pedro Coquenão, other guests
##### Set design | to be determined
##### Costume design | to be determined
##### Light design | to be defined
##### Advice on color and installation | to be confirmed
##### Production | Produção d'Fusão | Filipe Metelo and Patrícia Soares

ÓNYX 

_Mono-no-aware_ (物の哀れ), o «pathos das coisas», termo japonês dificilmente traduzível por «uma empatia para com as coisas» ou «uma sensibilidade especial sobre as coisas efémeras», está relacionado com a consciência e celebração da inevitável transitoriedade das coisas, assim como uma leve tristeza ou melancolia inerente ao estado de mudança, transformação e efemeridade presente na realidade e na vida quotidiana, manifestando-se também como uma expressão emocional em relação à natureza, uma forma de antecipação nostálgica da impermanência do tempo presente e do derradeiro paradoxo da vida (morte vivida) que é a sua finitude. Na literatura clássica e poesia japonesa, refere-se ao ideal estético do _mono no aware_, que implica uma sensibilidade particular de consciência e capacidade de resposta para alguma coisa, um objeto inanimado ou mesmo um ser vivo, ou uma resposta emocional sobre uma pessoa.

O projeto coreográfico interpela e convoca diferentes materiais imagéticos e poéticos, partindo deste lugar de memória e evocação, e simultaneamente de aceitação e contemplação do tempo presente e da sua transitoriedade, propondo pôr em prática um verdadeiro «laboratório criativo de coisas efêmeras», corporalizando e indagando este estado _mono no aware_. Um corpo nostálgico que se desequilibra entre dois filtros temporais e duas realidades, o passado, o presente e uma ideia de futuro. Corpos, lugares e espaços que funcionam em condições não hegemónicas são os espaços das alteridades, que não estão nem aqui nem lá, que são simultaneamente físicos e mentais. Espaços e corpos que sobrevivem fora das condições não hegemónicas. Corpo(s) da alteridade para lá do espelho da realidade.

_As imagens morrem em palco e são levadas para fora dele?_

_Se um corpo não se dissolvesse, não desaparecesse como nevoeiro, as coisas perderiam o poder de nos mover?_

##### FICHA ARTÍSTICA

##### Direção Artística, Coreografia e Realização Plástica | Rafael Alvarez
##### Cocriação e Interpretação | Mariana Tengner Barros, Noeli Kikuchi e Rafael Alvarez
##### Desenho de Luz e Direção Técnica | Nuno Patinho
##### Fotografia | Elisabeth Vieira Alvarez
##### Design Gráfico | Paulo Guerreiro
##### Produção e Difusão | BODYBUILDERS / Rafael Alvarez
##### Coprodução | Festival Transborda / Casa da Dança - Almada, Festival Citemor, Teatro das Figuras/Teatro Municipal de Faro, FMK International Dance Festival (Laos)
##### Apoio à Criação | Fundação GDA
##### Apoio à Internacionalização | Républica Portuguesa - Cultura/Direcção-Geral das Artes


large_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

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"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

Mono-no-aware ― Rafael Alvarez

_Esteira_ é um dueto de dança contemporânea em que a expressão dos corpos, a esteira e o espaço se alimentam entre si, trazendo à luz uma reflexão sobre vários momentos da história.

Dois corpos numa só história usam dança e movimentos rítmicos, assim como outras formas de expressão corporal, para observar e questionar como o corpo reage e se manifesta a cada desafio e experiência cultural com que se depara.

A ideia é impulsionar conflitos entre os corpos no espaço, resgatando a utilidade primordial da esteira e o seu papel na cultura moçambicana. Através do pensamento arquitetónico (no desenvolvimento da cenografia) e coreográfico, Fernando Machaieie e Martins Tuvanji pretendem questionar a relação entre o ritmo crescente, a utilidade dos objetos em presença, o papel sociocultural dos mesmos e a sua componente estética na vida cotidiana.

"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

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thumbnail_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

_Esteira_ ["straw mat"] is a contemporary dance duet in which the expression of the bodies, the mat and the space feed into each other, bringing to light a reflection on various moments in history.

Two bodies in one story use dance and rhythmic movements, as well as other forms of bodily expression, to observe and question how the body reacts and manifests itself to each challenge and cultural experience it encounters.

The idea is to stimulate conflicts between bodies in space, recovering the primordial utility of the straw mat and its place in Mozambican culture. Through architectural (scenographic) and choreographic thinking, Fernando Machaieie and Martins Tuvanji intend to question the relationship between the increasing rhythm, the usefulness of the objects in question, their socio-cultural role and their aesthetic aspect in everyday life.

Esteira ⏤ Fernando Machaieie & Martins Tuvanji

Esteira ⏤ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

_Borte_ é uma performance poética para crianças dos 4 aos 5 anos e para os adultos que os acompanham. Num universo de pássaros vermelhos, o conjunto abre-se a um questionamento filosófico sobre o que se perde e nunca mais volta, narrado através da dança, da música, da animação e do texto.

large_"Borte", de Siri Dybwick

medium_"Borte", de Siri Dybwick

small_"Borte", de Siri Dybwick

thumbnail_"Borte", de Siri Dybwick

"Borte", de Siri Dybwik

_Borte_ is a poetic performance for children aged 4-5 and their adults. In a universe of red birds, the ensemble opens up for philosophical wonder about what is lost and never returns, narrated through dance, music, animation, and text.

Borte ⎯ Siri Dybwik

_Stabat Mater com Aroma a Pêssego_ será uma performance em formato de Missa que procura cruzar o Coral do compositor Italiano Domenico Scarlatti com os rituais camponeses pagãos associados ao primeiro de Maio que remetem às colheitas agrícolas ligadas à fertilidade e amor, energia vital - fogo e colheita.
_Stabat Mater_ é um Coral do compositor italiano Domenico Scarlatt que se debruça sobre a dor de Maria ao ver Cristo na Cruz. _Stabat Mater_ em latim _Estava a mãe_, é uma prece. Sendo que existem dois hinos associados, _Stabat Mater Dolorosa_ sobre as Dores de Maria e Stabat Mater Speciosa, mais alegre, refere-se ao nascimento de Cristo.

large_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

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"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

Stabat Mater com aroma a pêssego ⎯ Beatriz Garrucho

Como ponto de partida e inspiração desta nova criação da CiM, surge a forte poesia cantada por José Mário Branco, na música _A Noite_, onde levanta questões de fundo, de um estado de alma, que para conseguir responder é preciso humanamente entrar num ponto comum, onde a agitação e a instabilidade produzem uma mudança.

Nesta nova criação, pretende-se repensar as posições de cada intérprete, alterar as narrativas e emancipar o choque e o confronto consigo e com todos. A revolução humana é, no seu sentido mais capital, o primeiro elemento catalisador de uma mudança, capaz de incitar reações e conjunturas altamente refletoras do comportamento humano e coletivo. A natureza de cada um de nós, impregna na sociedade um sentimento de transição.

_Rh_, título provisório da peça que evoca momentos de reação humana, procura o espaço etéreo da causalidade, onde a mudança é determinada no positivo vs. negativo, a causa e o efeito, o ser molecular e o ser coletivo. _Rh_ está ao alcance de qualquer pessoa, procura uma ordem natural nos eventos, mesmo quando estoirados de Rh – revolução humana.



##### FICHA TÉCNICA

##### Direção Artística | Ana Rita Barata, Pedro Sena Nunes
##### Coreografia | Ana Rita Barata
##### Bailarinos | (a confirmar)
##### Dramaturgia | (a confirmar)
##### Música Original | José Mário Branco
##### Figurinos | Mafalda Estácio
##### Realização | Pedro Sena Nunes
##### Edição | João Dias
##### Fotografia | João Pedro Rodrigues
##### Desenho de Luz | (a confirmar)
##### Produção e Comunicação | Inês Baptista, Miguel Loureiro
##### Coordenação executiva CiM | Célia Carmona
##### Direção executiva CiM | A. Barata
##### Apoio à Criação | Espaço Rural de Artes, Pro.Dança
##### Apoios | Associação Paralisia Cerebral de Lisboa, CRPCCG – Centro de Reabilitação de Paralisia Cerebral, Calouste Gulbenkian – SCML

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Residência artística CiM

Rh ― CiM

«Mãe, Mater, aquela que gera. É das palavras mais conhecidas e antigas do mundo, mas que peso carrega esta palavra?

Uma casa, um corpo, uma mulher, uma mãe. 

Quantas vidas cabem dentro de um corpo, quantas identidades pode ter uma mãe? 

Partindo das gravuras de Louise Bourgeois, como a Femme Maison, surgem questões sobre a identidade e qual o papel da mãe, mulher no séc. XXI.»

##### Direção e coreografia, intepretação, edição musical e sonoplastia a cargo de Daniela Andana.


large_"Home.M", de Daniela Andana

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"Home.M", de Daniela Andana

Home.M ⎯ Daniela Andana

_KRUMP Session_ mergulha nas raízes do movimento KRUMP, que tem origem nas comunidades negras e latinas de Los Angeles (EUA) dos finais dos anos 1990. Nascido como resposta às adversidades enfrentadas nessas comunidades, como a guerra entre gangues e a opressão policial, o estilo KRUMP tornou-se uma forma de abstração da realidade, uma celebração da vida e uma expressão de resistência face ao contexto sociopolítico marcado pelo racismo e a discriminação económica. Assim, a necessidade de expressão artística como meio de resistência é central na história do KRUMP.

Em Portugal, este movimento encontrou um lugar próprio nos anos 2006/2007, através de sessões clandestinas em locais como a Gare do Oriente (Lisboa). Apesar do caráter discreto perante o grande público devido à natureza expressiva e energética do movimento, as sessões mantiveram-se ao longo dos anos, preservando a cultura do KRUMP.

A peça _KRUMP Session_, a ser ensaiada nos EVC e apresentada no final de janeiro no Teatro do Bairro Alto (TBA), tem como objetivo homenagear _krumpers_ nacionais de diferentes gerações, trazendo para o palco um estilo que geralmente permanece fora dos espaços institucionais. A peça propõe uma experiência ritualística de libertação, aceitação e resistência, oferecendo uma plataforma para a expressão artística genuína e crua. Pretende-se criar um ambiente de apoio mútuo e partilha, desafiando estigmas e proporcionando um vislumbre autêntico da cultura KRUMP.

######Ficha técnica

######Autoria | Dougie Knight
######Direção artística, coreografia e interpretação | Dougie Knight
######Coreografia, interpretação e _host_ |Carlos Zagalo aka BIG Z
######Assistência de direção artística e apoio à produção | Lúcia Afonso
######Dj | Morf
######Desenho de luz | Pedro Guimarães
######Vídeo |Pedro Jafuno
######Fotografia | Pedro Jafuno
######Interpretação | Aires Lion, Julien Wrestler, Nádia P. Futur, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro, Hélio Sango KAÔ, Vagner Beef, Emerson West, Stevan Bright, Gonçalo Carrapiço Boy KAÔ, Gilberto KAÔ Ujima e Maria Costa Lady KAÔ
######Artistas convocados para residência artística nos EVC | Dougie Knight, Carlos Zagalo, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro.
######Produção | MOSJAM Associação Cultural e Artística

large_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

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thumbnail_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

_KRUMP Session_ delves into the roots of the KRUMP culture, which originated in the African-American and Latin American communities of Los Angeles (USA) in the late 1990s. Born as a response to the adversities faced in these communities, such as gang warfare and police oppression, the KRUMP style became a form of abstraction from reality, a celebration of life and an expression of resistance to the socio-political context marked by racism and economic discrimination. Thus, the need for artistic expression as a means of resistance is central to the history of KRUMP.

In Portugal, this movement found its own space in 2006/2007, through clandestine sessions in places like the Lisbon-Oriente Station. Despite keeping out of the public eye (due to the movement's expressive and energetic nature), the sessions have continued over the years, allowing the KRUMP culture to be kept alive.

The piece _KRUMP Session_, being rehearsed at the EVC and presented at the end of January in Teatro do Bairro Alto (TBA), aims to pay homage to national krumpers from different generations, bringing to the stage a style that usually doesn't find its way into mainstream venues.

The show proposes a ritualistic experience of liberation, acceptance and resistance, providing a space for genuine and raw artistic expression. It aims to create an environment of mutual support and sharing, challenging stigmas and offering an authentic glimpse into KRUMP culture.


######Credits

######Author |  Dougie Knight
######Artistic direction, choreography and performance | Dougie Knight
######Choreography, performance and host |Carlos Zagalo aka BIG Z
######Assistant director and production support | Lúcia Afonso
######Dj | Morf
######Light design | Pedro Guimarães
######Video |Pedro Jafuno
######Photography | Pedro Jafuno
######Performance | Aires Lion, Julien Wrestler, Nádia P. Futur, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro, Hélio Sango KAÔ, Vagner Beef, Emerson West, Stevan Bright, Gonçalo Carrapiço Boy KAÔ, Gilberto KAÔ Ujima and Maria Costa Lady KAÔ
######Artists invited for residency at the EVC | Dougie Knight, Carlos Zagalo, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro
######Production | MOSJAM Associação Cultural e Artística


KRUMP Session ⎯ Dougie Knight

@Estelle Valente

Desenvolvendo-se ao longo de quatro momentos de experimentação e criação, "Jovens Compositores" culmina na apresentação de um espectáculo, resultado dos materiais criados durante esse período de reciprocidades. Na presente edição, o programa conta com a coordenação do compositor Luís Tinoco, do coreógrafo Victor Hugo Pontes e da dupla de artistas Inês Barahona e Miguel Fragata, e participam nele alunos da Escola Superior de Música de Lisboa (ESML) e da Escola Superior de Dança (ESD). 

Descobre mais sobre este programa [aqui](https://youtu.be/5AddJ06Y8ns).
 


Jovens Compositores - Cassandra - EVC 2022

Calendário

Programa que promove o espírito colaborativo e potencia o trabalho entre compositores e criadores de outras áreas artísticas em processos de criação. O percurso de _Jovens Compositores_ desenvolve-se em três momentos de experimentação e criação que culminam com uma apresentação dos materiais criados ao longo do processo.

Em edições anteriores, colaboraram no programa artistas como Joana Craveiro, a dupla Inês Barahona e Miguel Fragata, ou escritores como Gonçalo M. Tavares. 

Em 2023, _Jovens Compositores_ contará com a coordenação do compositor Luís Tinoco, a colaboração do coreógrafo Victor Hugo Pontes, do artista plástico João Penalva e da orquestra Concrete [Lab] Ensemble,  e a participação de alunos da Escola Superior de Música de Lisboa (ESML), da Escola Superior de Dança (ESD), da Escola Superior de Artes e Design (ESAD.CR) e da Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE).


Jovens Compositores 2023

Na sua sétima edição, o Programa Jovens Compositores continua a promover o espírito colaborativo e a potenciar interações entre artistas em processos de criação, focando-se desta vez nas áreas artísticas da Composição, Escrita e Coreografia.

Ao longo da sua existência, passaram pelos EVC inúmeros(as) compositores(as), coreógrafos(as), escritores(as), artistas plásticos(as), realizadores(as), encenadores(as), instrumentistas, cantores(as), bailarinos(as) e atores(atrizes). Daqui nasceram tantas outras colaborações entre estes intervenientes, que, já fora do contexto do programa, iniciaram projetos comuns e consolidaram carreiras profissionais individuais.

Têm também sido inúmeras as parcerias e colaborações com instituições de ensino superior e agrupamentos de profissionais em início de carreira, entre os quais a Escola Superior de Música de Lisboa, a Escola Superior de Dança, a Escola Superior de Artes e Design das Caldas da Rainha, a Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo do Porto, o Concrète [Lab] Ensemble e o Ar.Co - Centro de Arte e Comunicação Visual.


Jovens Compositores

Jovens Compositores 2022

Josefa Searle ©EVC | 2021

_1º Ciclo _é um programa dedicado a jovens criadores recém-formados, com o objetivo de apoiar a criação das suas primeiras obras. Nesta temporada, os EVC darão apoio à criação a nível nacional, promovendo parcerias com várias estruturas do ensino ligadas às artes performativas, a saber, a Escola Superior de Dança (ESD), a Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), a Faculdade de Motricidade Humana (FMH) e o Fórum Dança.


Apoio à criação - residências artísticas

_1º Ciclo_ é um programa dedicado a jovens criadores recém-formados, com o objetivo de apoiar a criação das suas primeiras obras. Nesta temporada, os EVC darão apoio à criação a nível nacional, promovendo parcerias com várias estruturas do ensino ligadas às artes performativas, a saber, a Escola Superior de Dança (ESD), a Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), a Faculdade de Motricidade Humana (FMH) e o Fórum Dança.

1º Ciclo 2023

1º Ciclo é uma modalidade de residências artísticas dedicada exclusivamente a jovens criadores(as) recém-formados(as) em instituições do ensino superior ou equivalentes. A iniciativa propõe apoiar e dinamizar a criação de primeiras obras em contexto profissional. Com este intuito, os EVC promovem parcerias com várias estruturas de ensino ligadas às artes performativas, a saber, a Escola Superior de Dança (ESD), a Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), a Faculdade de Motricidade Humana (FMH) e o Fórum Dança.


1º Ciclo 

1º Ciclo 2022

Prática Diária

Práticas diárias de dança clássica e contemporânea destinadas a intérpretes profissionais ou em vias de profissionalização na área da dança. A diversidade das propostas de formadores pretende espelhar um pensamento acerca do que pode constituir uma prática de dança nos dias de hoje. O calendário mensal da prática diária está disponível na agenda.

###### Dança Clássica
2.ª - 4.ª - 6.ª feiras: 10h00 - 11h15

###### Dança Contemporânea
3.ª - 5.ª feiras: 10h00 - 11h15

###### Preço
3€/aula (seguro obrigatório)



###### Dança Clássica
2ª – 4ª – 6ª feiras
10h00 / 11h15

###### Dança Contemporânea
3ª – 5ª feiras
10h00 / 11h15

###### Preço
3€ / aula (seguro obrigatório)



Prática Diária ⏤ Abril

Prática Diária ⏤ MAIO

Prática Diária ⏤ JUNHO

Prática Diária ⏤ JULHO

Prática Diária ⏤ SETEMBRO

Prática Diária ⏤ Outubro

Prática Diária ⏤ Novembro

Prática Diária ⏤ Dezembro

Prática Diária ⏤ Janeiro

Prática Diária ⏤ Fevereiro

Prática Diária ⏤ Março

Prática Diária ⏤ Maio

Daily classical and contemporary dance practice designed for professional dancers and those in the process of becoming professional dancers. The diversity of the teachers' proposals is intended to mirror our approach to what a dance practice can be today. The monthly schedule of daily practices is available in the schedule.

###### Classical Dance
Mon - Wed - Fri: 10am – 11:15am

###### Contemporary Dance
Tue - Thu: 10am – 11:15am

###### Price
3€ / class (insurance required)


Dance Classes ⏤ Professionals

Aulas de Dança para Profissionais

Aulas de Dança ⏤ Profissionais

_Em Trânsito_ estabelece ligações com vários festivais que têm um papel preponderante no presente e essencial para o futuro da dança em Portugal. Através deste programa, os EVC apoiam a criação artística numa colaboração contínua com os festivais parceiros e contribuem para a sua consolidação enquanto espaços de criação, mediação, promoção e internacionalização artística. 

O programa também convida estruturas promotoras de iniciativas na área da dança a desenvolverem algumas das suas atividades em colaboração com os EVC. 




_ATSUMORI_ é intimamente inspirada na peça Japonesa deteatro Noh, com título homónimo (sec.XV), onde o fantasmade um guerreiro morto em combate, deambula pelo campode batalha na esperança de encontrar vingança, resgatandofinalmente a reconciliação com a sua nova realidade.
A partir desta alusão, a proposta aborda a influência recíproca entre as pulsões individuais e a reprodução de sistemas económicos, refletindo simultaneamente sobre alternativas às construções sociais contemporâneas, bem como às economias libidinais referentes ao controle do afeto, emoção e prazer, típicas das sociedades de consumo.  

Catarina Miranda tem vindo a desenvolver e apresentar projetos de criação maioritariamente para palco, a partir de discursos ficcionais, cujas linguagens intercetam dança, voz, cenografia e luz, abordando o corpo como um veículo de
transformação hipnagógica e de consciência do presente.
Do seu percurso destaca as peças de palco _Cabraqimera_, _Dream is the Dreamer_, _Mazezam_, _Boca Muralha_ e _Reiposto Reimorto_.

ATSUMORI

Em Trânsito estabelece ligações com vários festivais que têm um papel preponderante no presente e essencial para o futuro da dança em Portugal. Através deste programa, os EVC apoiam a criação artística numa colaboração contínua com os festivais parceiros e contribuem para a sua consolidação enquanto espaços de criação, mediação, promoção e internacionalização artística. 

O programa também convida estruturas promotoras de iniciativas na área da dança a desenvolverem algumas das suas atividades em colaboração com os EVC.


Em Trânsito 2023

Através do programa _Em Trânsito_, os EVC estabelecem parcerias com vários festivais cujo papel se mostra fundamental para a criação e o acesso às artes performativas em Portugal. Ao manter uma colaboração contínua com os festivais parceiros, os Estúdios contribuem para a sua consolidação enquanto espaços de criação, mediação, promoção e internacionalização artística, bem como para os movimentos de transformação social estimulados pelas temáticas em destaque nas respetivas programações. 

_Em Trânsito_ também incentiva as estruturas parceiras a desenvolverem algumas das suas iniciativas no campo da dança em colaboração com os EVC.

Em Trânsito

Em Trânsito 2022

Depois de Miguel Moreira, João dos Santos Martins e Jonas&Lander, os EVC acolhem Marlene Monteiro Freitas como artista EM CASA da temporada 2022. 
O programa pretende proporcionar um espaço de trabalho contínuo, dando à artista a liberdade de ação e uso das várias valências dos EVC para criação e outras iniciativas.

###### MARLENE MONTEIRO FREITAS
Nasceu em São Vicente, Cabo Verde, onde cofundou o grupo de dança Compass. Estudou dança na P.A.R.T.S., em Bruxelas, na Escola Superior de Dança e na Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa.  Trabalhou com Emmanuelle Huynh, Loïc Touzé, Tânia Carvalho, Boris Charmatz, entre outros. Criou as peças _ÔSS_ (2022),  _Ri te / Paris Intermission_, em colaboração com Israel Galván (2022), _Bacantes – Prelúdio para uma Purga_ (2017),_ Jaguar_ com a colaboração de Andreas Merk (2015), _de marfim e carne - as estátuas também sofrem_ (2014), _Paraíso - colecção privada_ (2012-13), _(M)imosa_ com Trajal Harrell, François Chaignaud e Cecilia Bengolea (2011), _Guintche_ (2010), _A Seriedade do Animal_ (2009-10), _A Improbabilidade da Certeza_ (2006), _Larvar_ (2006) e _Primeira Impressão_ (2005). Estas peças têm como denominador comum a abertura, a impureza e a intensidade. Em 2017, a Sociedade Portuguesa de Autores (SPA) atribuiu a _Jaguar_ o prémio de melhor coreografia e, no mesmo ano, foi distinguida pelo Governo de Cabo Verde pelas suas realizações culturais. Em 2018, a Bienal de Veneza atribuiu a Marlene o Leão de Prata na categoria de Dança. Recebe o prémio Chanel Next Prize na sua primeira edição, em 2021. Em 2022, no âmbito da Temporada Cruzada Portugal-França, o Festival d'Automne à Paris dedica um ciclo dedicado ao trabalho da artista, apresentando uma vasta retrospectiva e duas novas criações. É cofundadora da P.OR.K, estrutura de produção sediada em Lisboa e tem uma colaboração contínua com O Espaço do Tempo (PT). 


Following Miguel Moreira, João dos Santos Martins and Jonas&Lander, this time EVC welcomes Marlene Monteiro Freitas to be EVC’s 2022 season AT HOME artist.

The program provides a continuous workspace, giving each artist the freedom to use the various facilities of the Estúdios for artistic creation projects and any other initiatives they develop.

###### Marlene Monteiro Freitas 
She was born in São Vicente, Cabo Verde, where she was co-founder of the dance group Compass. She studied at P.A.R.T.S. (Brussels), at E.S.D. and at Fundação Calouste Gulbenkian (Lisbon). She worked with Emmanuelle Huynn, Loic Touzé, Tânia Carvalho, Boris Charmatz, among others. She created the works _ÔSS_ (2022), _Ri te / Paris Intermission_, in collaboration with Israel Galván (2022), _Bacchae - Prelude to a purge_ (2017), _Jaguar_, in collaboration with Andreas Merk (2015), _Of ivory and flesh - statues also suffer_ (2014); _Paradise - private collection_ (2012-13); _(M)imosa_ (2011), a project developed with Trajal Harell, François Chaignaud and Cecilia Bengolea; _Guintche _(2010); _A Seriedade do Animal_ (2009-10); _A Improbabilidade da Certeza_ (2006);_ Larvar_ (2006); and _Primeira Impressão_ (2005). The common denominator of these works is openness, impurity and intensity. In 2017, the Portuguese Society of Authors (SPA) awarded _Jaguar_ the prize for best choreography. In the same year, the artist was honored by the Government of Cape Verde for her cultural achievements. In 2018, the Venice Biennale awarded Marlene Monteiro Freitas the Silver Lion in the Dance category, and, in 2021, the artist was awarded the Chanel Next Prize in its first edition. In 2022, as part of the Portugal-France Crossed Season, the Festival d'Automne à Paris dedicates a cycle to the artist's work, presenting a vast retrospective and two new creations. She is co-founder of P.OR.K, a production structure based in Lisbon, and has an ongoing collaboration with O Espaço do Tempo (PT).



At Home ⏤ Marlene Monteiro Freitas

Programa Em Casa - Marlene Monteiro Freitas

No ano em que comemora 20 anos de criação artística, Victor Hugo Pontes é o artista convidado para estar _Em Casa_. 2023 será um ano de celebração em que o coreógrafo fará dos EVC a sua casa para novas criações e encontros com formatos diversos, através de múltiplos modos de abordar e promover uma reflexão sobre o seu percurso.

###### Exposição ⎯ _Por uma felicidade assim_
Victor Hugo Pontes, imagens de 20 anos de criação artística

###### Conferência - Performance ⎯ _Peças físicas singulares_

###### Edição de livro ⎯ _Por uma felicidade assim_
Victor Hugo Pontes, 20 anos de criação artística
(título provisório)



Em Casa ⏤ Victor Hugo Pontes

_Em Casa_ é um espaço destinado a criadores(as) da área da dança, propondo que ao longo de uma temporada desenvolvam o seu trabalho nos EVC. Depois da presença de Miguel Moreira, João dos Santos Martins, Jonas & Lander, Marlene Monteiro Freitas e Victor Hugo Pontes, em 2024 acolhemos as propostas de Teresa Silva, que nos dará a conhecer o seu trabalho nas suas várias facetas e dimensões.

Durante um ano de intervenção, vários programas da sua autoria ou em colaboração com convidados(as) habitarão os espaços dos EVC.

Teresa Silva (Lisboa, 1988) dedica-se à investigação, criação e interpretação nas áreas da dança contemporânea e da performance desde 2008. Vê a dança como algo que excede o corpo físico, o que se traduz num trabalho de atenção e sensibilidade, bem como numa abordagem multidisciplinar ao movimento.

A artista trará aos EVC um conjunto de propostas muito diferentes entre si, em colaboração com Sara Anjo, David Marques, Kristina Norman, Mathieu Bouvier, Loic Touzé, entre outros(as).

_Oráculo expandido - para uma investigação sobre práticas de cuidado, atenção e relação_
Sara Anjo e Teresa Silva andam desde 2017 interessadas em investigar as potencialidades do corpo enquanto lugar de conhecimento e de revelação, tendo já desenvolvido laboratórios e uma peça a partir da premissa «pode o corpo ser um oráculo?» Há uma grande diversidade de pessoas que partilham esta curiosidade pelo desenvolvimento de práticas que visam uma consciência holística do corpo e _Oráculo expandido_ é um convite a dar continuidade a esta investigação, abrindo-a a outras pessoas e expandindo a pesquisa para outras linguagens, práticas e perspetivas.

_Fazer falar o fazer - dispositivos para criar discurso sobre práticas artísticas_
Este projeto, pensado e desenvolvido por David Marques e Teresa Silva, surge da vontade de que o trabalho da sua geração tenha um lugar onde se inscrever e do desejo de juntar comunidade em torno das questões que os movem e ocupam nas suas práticas artísticas. Nesse sentido, os artistas irão desenvolver diferentes dispositivos para fomentar o pensamento, a palavra e a escuta, e proporcionar o encontro entre artistas e entre artistas e público.

_Carnation_
Depois de terem colaborado em _Orchidelirium - An appetite for Abundance_, projeto apresentado na Bienal de Veneza (2022), a artista visual estoniana Kristina Norman junta-se a Teresa Silva para conceber uma nova criação para palco. Desta vez, as artistas partem do cravo vermelho enquanto símbolo de poder e liberdade, procurando pôr em diálogo a cultura e a história dos respetivos países de origem.

_Ah! - Sessões de experimentação entre práticas artísticas e terapêuticas_
Nesta proposta, liderada por Teresa Silva, a artista pretende evidenciar como a prática artística gera estados de atenção, autoconhecimento e transformação que intensificam as potencialidades do ser humano. Nestas sessões, que serão individuais, cada pessoa será convidada a escutar o que a afeta no momento presente para, a partir daí, trabalharem em conjunto num caminho sensível e experimental, intersectando os campos artístico e terapêutico.

Para preparar estas sessões, Teresa Silva apoia-se na investigação desenvolvida com Sara Anjo em torno da questão «pode o corpo ser um oráculo?» e encontra inspiração no trabalho de artistas como Anna Halprin, Lygia Clark (Objetos relacionais), Alejandro Jodorowsky (Psicomagia) e Valentina Desideri (Fake Art Therapy), que fizeram e fazem da sua prática artística lugares de afeto, ritual e cura.


Em Casa ⏤ Teresa Silva

Em Casa ⏤ Marlene Monteiro Freitas

Programa de apoio à criação artística independente que acolhe criadores na área da dança e outras áreas de cruzamento artístico, a nível nacional e internacional, por um período máximo de duas semanas. Desde a sua génese, os EVC são um espaço de coabitação de múltiplas linguagens, agindo numa resposta direta às necessidades da comunidade artística.





Residências Artísticas 2023

Residências Artísticas 2022

A 5ª edição do programa _Território_ junta o coreógrafo catalão Marcos Morau (La Veronal) e a coreógrafa canadiana Dorotea Saykaly, vencedora da 1ª edição do prémio Emily Molnar Emerging Choreography (2021).
O programa é uma plataforma para artistas em início de carreira, juntando anualmente doze jovens bailarinos vindos de escolas de dança de todo o país. Desta forma, _Território_ põe os seus participantes em contacto com a diversidade estética que caracteriza a dança na atualidade, promovendo a construção de um olhar heterogéneo e inclusivo. Esta experiência, altamente profissionalizante, contribui para que cada participante descubra o seu lugar no mundo da dança.
Este ano voltaremos a contar com a parceria do Festival InShadow Lisbon Screendance, através do Prémio Território | Estúdios Victor Córdon, para a categoria de Melhor Realizador Nacional. 
O programa conta com o apoio do Millennium bcp, mecenas principal do programa.

###### Sunken
Coreografia de Dorotea Saykaly 

###### Dentro
Curta-metragem com realização de Sara Bernardo e Pedro Emes Nogueira 

###### Valse
Coreografia de Marcos Morau

###### Bailarinos
Afonso Nunes, Alef Carvalho, Francisca Santos, António Faustino, Diogo Santana, Filipa Bacelar, Isabel Marques de Aguiar, Joana Gonçalves, Margarida Colaço, Maria Sousa, Rita Salazar, Sofia Santos

###### Escolas de Dança participantes
Dance Spot – Conservatório de Dança
DNA – Dance N’Arts
Escola Artística do Conservatório de
Música de Coimbra
Escola da Companhia de Dança do Algarve
Ent’Artes - Escola de Dança
Escola Domus Dança
Ginasiano Escola de Dança
LP Studio
Pallco Performing Arts School & Conservatory

A 5ª edição do programa _Território_ junta o coreógrafo catalão Marcos Morau (La Veronal) e a coreógrafa canadiana Dorotea Saykaly, vencedora da 1ª edição do prémio Emily Molnar Emerging Choreography (2021).

O programa é uma plataforma para artistas em início de carreira, juntando anualmente doze jovens bailarinos vindos de escolas de dança de todo o país. Desta forma, _Território_ põe os seus participantes em contacto com a diversidade estética que caracteriza a dança na atualidade, promovendo a construção de um olhar heterogéneo e inclusivo. Esta experiência, altamente profissionalizante, contribui para que cada participante descubra o seu lugar no mundo da dança.

O programa conta com o apoio do Millennium bcp, mecenas principal do programa.

Este ano contamos com a parceria do Festival InShadow Lisbon Screendance, Teatro Nacional São João e Teatro José Lúcio da Silva. 




Território V

Já na sua 6ª edição, o programa _Território_, dedicado a jovens bailarinos entre os 14 e os 18 anos, convida coreógrafos de incontestável relevância internacional, dando todos os anos a oportunidade a vários talentosos alunos de dança de trabalhar e aprender com criadores de renome. Ao longo das suas várias edições, _Território_ já acolheu mais de 70 jovens de todo o país, provenientes de cerca de 40 escolas de dança espalhadas por mais de 30 cidades portuguesas. Em 2023, foram selecionados 10 bailarinas e bailarinos através de instituições de ensino de dança em Alcobaça, Braga, Coimbra, Faro, Lisboa, Porto, Vale do Sousa e Vila Nova de Gaia. 

Todos os anos, os EVC convidam um coreógrafo consagrado e um coreógrafo emergente para liderar o programa. Contando com a apresentação de uma nova criação, uma reposição imperdível e ainda a estreia de uma curta-metragem de um jovem realizador promissor, este ano o programa tem a honra de receber a dupla de coreógrafos Sol León & Paul Lightfoot, o coreógrafo Douglas Lee e o realizador Mário J. Negrão.

Os bailarinos selecionados terão a oportunidade de usufruir do conhecimento e da visão estética dos coreógrafos convidados, numa experiência profissionalizante e potenciadora de um olhar diverso e inclusivo. Oferecendo ao público português a possibilidade de assistir, em alguns casos pela primeira vez, a obras internacionais e contemporâneas, em edições anteriores o programa já contou com nomes como Wayne McGregor, Marco Goecke, Marcos Morau ou Alexander Ekman. 

Com um passado profissional como bailarinos, León & Lightfoot são uma reconhecida dupla de criadores no ativo há mais de 30 anos. A trabalhar juntos desde 1989, criaram mais de 60 espetáculos para o Nederlands Dans Theater. 

No _Território VI_, a dupla, que estará em Portugal pela primeira vez, irá ensaiar e apresentar uma reposição da peça de referência _Sad Case_, interpretada pelos participantes. Criada em 1998, quando Sol estava grávida da sua filha, _Sad Case_ celebra agora 25 anos e é um dos principais pilares da obra dos coreógrafos.

Já Douglas Lee, que irá conceber e apresentar uma nova criação com os jovens bailarinos, formou-se na Royal Ballet School e foi bailarino principal no Stuttgart Ballet, onde começou a coreografar, tendo depois desenvolvido uma carreira enquanto criador _freelancer_. 

_Território VI_ contará ainda com a colaboração de Mário J. Negrão, vencedor do prémio Território | Estúdios Victor Córdon na categoria de Melhor Realizador Português do InShadow – Lisbon ScreenDance Festival 2022. Com uma identidade visual própria, o artista irá apresentar-nos a sua visão do programa através de uma nova curta-metragem a ser projetada no espetáculo. 

Depois da estreia no Teatro Nacional S. João (Porto), o espetáculo do _Território VI_ irá encerrar o Millennium Festival ao Largo (Lisboa) e seguirá depois para Leiria, onde se fará a última apresentação desta edição.

Território VI

_Território_ é um programa dedicado a jovens bailarinos(as) com idade compreendida entre os 14 e os 18 anos, provenientes de escolas de dança de todo o país. O programa acolhe anualmente coreógrafos de relevância internacional que partilham as suas obras e processos de criação com o grupo de jovens selecionados(as) em cada edição.  

Ao longo das suas várias temporadas,_Território_ já acolheu mais de 80 jovens de todo o país, provenientes de cerca de 40 escolas de dança espalhadas por mais de 30 cidades portuguesas.

Em 2024, e em linha com a restante programação da temporada, propomos um espetáculo que traz pistas de caminhos possíveis para a dança na contemporaneidade. Por um lado, convidámos o coreógrafo consagrado britânico-bangladechiano Akram Khan, que, ao transportar elementos da dança clássica indiana Kathak para as suas criações, contribui para uma redefinição da nossa ideia do que é dançar. E, por outro lado, receberemos nos EVC Jermaine Spivey, coreógrafo norte-americano em clara ascensão, que, a par de uma brilhante carreira enquanto intérprete, convoca ativamente a ideia de uma prática colaborativa nos seus processos de criação.

_Território VII_ contará ainda com uma curta-metragem do realizador João Sanchez, vencedor do prémio Território | Estúdios Victor Córdon na categoria de Melhor Realizador Português do InShadow – Lisbon ScreenDance Festival 2023. 


Território VII

Mecenas Principal

Parceiros

@Josefa Searle | EVC

_Identidade Profissional em Transição_ tem como foco a transição de carreiras de profissionais das artes performativas, através de ferramentas inovadoras e significativas. O programa, que decorre ao longo de três meses, inclui práticas, seminários e uma conferência, através dos quais se promove e impulsiona o planeamento de carreiras. Por meio das várias ações que constituem este programa,  possibilita-se o contacto direto com especialistas de diversas áreas do conhecimento que se relacionam com o tema e com as suas diferentes realidades, tanto a nível nacional quanto internacional. 
Com _Identidade Profissional em Transição_, os EVC pretendem criar um espaço de diálogo, intercâmbio e partilha de experiências entre profissionais que planeiem transformar e/ou reorganizar as suas carreiras, ou aqueles que pretendam melhorar as suas capacidades de liderança e renovar o seu potencial criativo. No despertar para uma nova perceção da gestão da carreira pessoal, o programa promove, por um lado, o bem-estar e a diversidade, e, por outro lado, a justiça e a solidariedade. 
Esta experiência-piloto proporciona um espaço íntimo e seguro para a pesquisa e descoberta do “corpo psicofísico”, tornando-o uma valiosa ferramenta neste processo. É um convite à descoberta individual através de uma abordagem lúdica que permitirá a exploração das dimensões do sentir, pensar e agir. A prática da criatividade, do conhecimento, da atenção e da comunicação são, neste contexto, ferramentas para a mudança.
Propõe-se, assim, uma visão analítica dos sistemas de apoio à transição de carreiras que já existem fora de Portugal, para uma reflexão sobre o papel fundamental das instituições artísticas do nosso país nesta mudança.


###### _Shaping changes_ transformar as carreiras nas artes performativas

Com elevado nível de exigência e dotados de um conhecimento amplo com base numa formação contínua, as pessoas profissionais das artes performativas podem ter carreiras de curta duração e são frequentemente confrontadas com uma perda da sua identidade profissional em idade relativamente precoce. Os sistemas de apoio existentes, largamente questionados e tendencialmente mais discutidos, evidenciam uma divergência entre as necessidades do sector e a prática. Assim, acreditamos que é necessário um questionamento sagaz dos atuais sistemas de apoio, e que este origine uma reflexão profunda sobre o tema e nos permita, como coletivo, atualizar e melhorar a resposta dada nos dias de hoje à situação em que se encontram estas pessoas.
Face a esta situação, o que propomos é uma experiência-piloto de capacitação de profissionais confrontados com a necessidade de atravessar uma transição de carreira, bem como das pessoas que pretendam planear antecipadamente o seu futuro profissional como um todo. A criação de um espaço de pesquisa, descoberta e aquisição de ferramentas inovadoras que facilitam a mudança, através de uma abordagem lúdica, simultaneamente prática e teórica. Desdobrado ao longo de três meses, o programa desenvolve-se através de práticas semanais, seminários e uma conferência, contando com formadores nacionais e internacionais especializados no tema e que, por isso, contribuirão para a capacitação dos participantes.
Começaram já a ser estabelecidos diálogos com estruturas internacionais especializadas na transição de carreiras de profissionais desta área, com o objetivo de caracterizar o _modus operandi_ vigente e tomá-lo como exemplo para uma reflexão sobre o papel das instituições nesta mudança. Acreditamos que uma visão assim, macro, poderá contribuir para tornar tangíveis os futuros possíveis, permitindo desenvolver e estabelecer a nível nacional práticas tão desejadas neste âmbito.
O projeto visa também gerar contributos e estudar possibilidades para futuros sistemas de apoio, bem como estimular a consciencialização sobre o tema e a convicção de que uma estratégia de planeamento de carreiras duplas pode emergir do conhecimento interno do sector.
Cientes de que os programas de transição de carreiras devem abranger várias componentes – _workshops_, aconselhamento, bolsas e _networking_ – optamos nesta experiência-piloto por focar a nossa atenção numa estrutura maioritariamente prática, mas que, mesmo assim, engloba as três restantes. Certo será que no final do programa proposto, e através das práticas semanais, dos seminários e da conferência teremos coberto os aspetos mais relevantes para a capacitação de cada participante.

###### PRÁTICAS SEMANAIS   ⏤   SEMINÁRIOS   ⏤   CONFERÊNCIA

###### Documentos
[Programa completo](https://issuu.com/estudiosvictorcordon/docs/ipet_dossier_resume)




Parceiros Institucionais

Identidade Profissional em Transição

Itinerários EVC 2023

_Itinerários_ é um programa de incentivo à criação artística, dirigido a criadores moçambicanos na área da dança, numa parceria entre o OPART E.P.E. | Estúdios Victor Córdon e o Camões – Instituto da Cooperação e da Língua, através do Centro Cultural Português em Maputo.
Pretendendo criar uma rede entre Moçambique, Portugal e outros parceiros na Europa, o projeto desenvolve iniciativas que correlacionam os países associados com o intuito de promover a internacionalização de artistas.  
 
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>“Como facilitador deste programa - tão importante para a materialização (e criação) de discursos sobre a necessidade de colaboração entre artistas e instituições culturais de Portugal e de artistas de países outrora colonizados por Portugal -, gostava que pudéssemos, juntos, receber este projeto com curiosidade e sentido de responsabilidade. Para que a rede cresça e se expanda, e para que nestes itinerários haja tantos sentidos quantas as histórias individuais e coletivas.”
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> David Marques



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