_This quartet, is a choreographic explora8on that goes beyond tradi8onal boundaries, blending the technical precision of point work with the expressive freedom of contemporary dance. The choreography is a testament to the idea that, despite our diverse backgrounds, we dancers share a common ground._

_The choreography goes into the notion that despite external differences, we are united by our shared experiences and emotions. (...) Through the language of movement, my goal is to take apart preconceived notions and societal biases, creating a sense of shared humanity among performers and audience alike._

###### CREDITS
##### Performers | Beatriz Mira, Gonçalo Andrade, Lucas Ribeiro, Rita Ferreira
##### Music | TBD
##### Lights | Ana Isabel Casquilho
##### Costumes | TBD

large_"TBD", de Ana Isabel Casquilho

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thumbnail_"TBD", de Ana Isabel Casquilho

"TBD", de Ana Isabel Casquilho

_Este quarteto é uma exploração coreográfica que ultrapassa as fronteiras tradicionais, misturando a precisão técnica do trabalho de pontas com a liberdade expressiva da dança contemporânea. A coreografia será um testemunho da ideia de que, apesar das nossas origens diversas, nós, bailarinos, partilhamos uma base comum._

_A coreografia aborda a noção de que, apesar das diferenças externas, estamos unidos pelas nossas experiências e emoções. (...) Através da linguagem do movimento, o meu objetivo é desmontar noções preconcebidas e preconceitos sociais, criando um sentimento de
humanidade partilhada entre os intérpretes e o público._

###### Ficha artística
##### Intérpretes | Beatriz Mira, Gonçalo Andrade, Lucas Ribeiro, Rita Ferreira
##### Música | TBD
##### Luzes | Ana Isabel Casquilho
##### Figurinos | TBD

Ana Isabel Casquilho — TBD

With the aim of supporting independent artistic creation, this program welcomes creators in the field of dance and other areas of artistic intersection, at national and international level, for a maximum period of two weeks.

Applications are accepted continuously and residencies are scheduled in our calendar on a first-come, first-served basis. Since their beginnings, the EVC have been a space where multiple languages coexist, responding in direct proportion to the needs of the artistic community.

Artist Residencies

2024

_Traces of memory, traces of blue. How do we create traces with dance, the most ephemeral of arts? How is it possible for blue to be linked to forgetfulness, memory and nostalgia? What traces has the color blue left in history? A performance around traces and memory, and the color blue._

###### Public event
## open rehearsal
###### APRIL 29
###### 8.30pm

large_"Vestígios de Azul", de Helena Dawin

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thumbnail_"Vestígios de Azul", de Helena Dawin

"Vestígios de Azul", de Helena Dawin

_Vestígios da memória, vestígios de azul. Como criamos vestígios com a dança, a arte mais efémera? Como é possível o azul estar ligado tanto ao esquecimento como à memória e às saudades? Quais os vestígios que a cor azul deixou na história? Uma performance à volta dos vestígios e da memória, e da cor azul._

Helena Dawin está em residência artística nos EVC no contexto do programa _Em Trânsito_, através do qual os EVC mantêm uma colaboração contínua com vários festivais. _Vestígios de Azul_ foi o trabalho selecionado para integrar o programa SPRING!, da Rede MORE, na edição de 2023/2024. SPRING! oferece ferramentas de apoio à criação e produção artísticas nas suas diferentes fases, com o intuito de apoiar e realçar a importância dos processos como espaço de experimentação, reflexão e partilha e cumplicidade em carreiras artísticas sustentáveis e autónomas. 

Além de três períodos de residência (nos Estúdios Victor Córdon, Forum Dança, Polo Cultural Gaivotas e Espaço Alkantara), foi atribuída ao projeto de Helena Dawin uma bolsa de criação e este será apresentado na 5ª edição do Encontro Bienal de Artes Performativas - (Re)union.

###### REDE MORE
##### A Rede More é uma associação cultural sem fins lucrativos que atua no contexto nacional e internacional no campo das artes performativas e tem como objetivos promover a criação, investigação e capacitação artísticas através do desenvolvimento e fortalecimento de ligações entre todos aqueles que fazem das artes performativas o seu universo artístico.

###### SOBRE A ARTISTA
##### Helena Dawin estudou Literatura, Psicologia e Estudos Latino-Americanos e formou-se pela Dance Intensive na Tanzfabrik Berlin. Frequentou também o Programa de Estudo, Pesquisa e Criação Coreográfica (PEPCC) do Fórum Dança e foi bolseira do Danceweb Programme em 2015. Atualmente, continua a desenvolver o seu trabalho de pesquisa coreográfica de forma independente. Inspirada pelo livro _Blue: In Search of Nature's Rarest Color_, em _Vestígios de Azul_ a artista revisita os temas do vestígios e da memória - e recentemente da cor azul - como conceitos inextricavelmente ligados.

###### Evento público
## ensaio aberto
###### 29 ABRIL
###### 20H30

Vestígios de Azul  ⎯ Helena Dawin

Traces of Blue  ⎯ Helena Dawin

###### Credits
##### Author | João dos Santos Martins
##### Performers | Adriano Vicente, Ana Rita Teodoro, Connor Scott, João dos Santos Martins, Natacha Campos, Noel Quintela, Sofia Kafol, Teresa Silva
##### Costumes | Constança Entrudo
##### Light | Filipe Pereira, Joana Mário
##### Vocal support | Joana Nascimento
##### Music from Horse Sings from Cloud (1975), by Pauline Oliveros
##### Production and management | João dos Santos Martins, Lysandra Domingues, Sofia Lopes | Associação Parasita
##### Coproduction | Associação Parasita, Culturgest, Teatro Municipal do Porto
##### Residencies | Espaço Parasita, Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo, PRO.DANÇA
##### Acknowledgements | Dani Issler 

large_"vida e obra", de João dos Santos Martins

medium_"vida e obra", de João dos Santos Martins

small_"vida e obra", de João dos Santos Martins

thumbnail_"vida e obra", de João dos Santos Martins

"vida e obra", de João dos Santos Martins

_O mundo está constantemente a escapar-nos. O presente é um lugar de disputa entre o passado vivido e o futuro por vir. Como pensar o corpo e o seu movimento como um rastro e ao mesmo tempo uma projeção? Uma tentativa de curvar o tempo para a frente e para trás em simultâneo, como um processo de memória e de devir. Habitar uma temporalidade espiralar na qual o corpo vibra em escuta profunda, contra a linearidade e o separatismo espacial. Desarmar as categorias de sujeito e de objeto para ser-se movido por algo além de si mesmo. Um esforço de convivência de linguagens entre movimento e voz que ressoam e fazem o corpo transbordar enquanto textura, sensualidade e sensação, expandindo-se a uma condição imanente, movendo-se em direção à carne._ ―  João dos Santos Martins

###### Ficha artística

##### Autoria | João dos Santos Martins 
##### Interpretação | Adriano Vicente, Ana Rita Teodoro, Connor Scott, João dos Santos Martins, Natacha Campos, Noel Quintela, Sofia Kafol e Teresa Silva
##### Figurinos | Constança Entrudo
##### Luz | Filipe Pereira, Joana Mário
##### Música | a partir de _Horse Sings from Cloud_ (1975) de Pauline Oliveros
##### Apoio Vocal | Joana Nascimento
##### Produção e administração | João dos Santos Martins, Lysandra Domingues, Sofia Lopes | Associação Parasita
##### Coprodução | Associação Parasita, Culturgest, Teatro Municipal do Porto
##### Residências | Espaço Parasita, Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo, PRO.DANÇA
##### Agradecimentos | Dani Issler 


João dos Santos Martins ― vida e obra

##### IMERSÃO is an annual interdisciplinary project created by QUEER ART LAB, which presents itself as an artistic creation laboratory aimed at LGBTQI+ people. This year, the IMERSÃO Art Labs will be mentored by Brazilian director, dancer, actress and producer Gaya de Medeiros. 

##### Queer Art Lab will work with 4 emerging artists, each of whom will create a piece lasting at least 20 minutes over the course of a 6-week residency. This piece will be a first approach to what the artist wants to develop or a continuation of the process. Phase 3 of the project takes place between March 25 and April 24, 2024 in Lisbon, and in the first week of creation the artists will be in residence at the EVC, with mentor Gaya de Medeiros.


##### The pieces created will be presented in October 2024 at the IMERSÃO Festival.


###### A QUEER ART LAB project
###### Mentoring 
##### Gaya de Medeiros
###### Artists
##### Dai, Izabel Nejur, Luan Okun, Suh Pat
###### Creative Direction 
##### Ary Zara


large_"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

medium_"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

small_"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

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"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

##### IMERSÃO é um projeto anual e interdisciplinar criado pelo QUEER ART LAB que se apresenta como um laboratório de criação artística direcionado a pessoas LGBTQI+. Este ano, os Laboratórios Artísticos IMERSÃO terão mentoria da encenadora, bailarina, atriz e produtora brasileira Gaya de Medeiros. 

##### O Queer Art Lab irá trabalhar com 4 artistas emergentes, e cada um(a) deles(as) irá criar uma peça com uma duração mínima de 20 minutos ao longo de 6 semanas de residência. Esta criação será uma primeira abordagem ao que o(a) artista pretende desenvolver ou uma continuação de processo. A fase 3 do projeto decorre entre 25 de março e 24 de abril de 2024 em Lisboa, e na primeira semana de criação os artistas estarão em residência nos EVC, com a mentora Gaya de Medeiros.


##### As peças criadas serão apresentadas em outubro de 2024, no Festival IMERSÃO.

######  Um projeto do QUEER ART LAB
###### Mentoria 
##### Gaya de Medeiros
###### Artistas
##### Dai, Izabel Nejur, Luan Okun, Suh Pa
###### Direção Criativa 
##### Ary Zara



Laboratórios Artísticos IMERSÃO ― Queer Art Lab + Gaya de Medeiros

IMERSÃO Art Laboratories ― Queer Art Lab + Gaya de Medeiros

_"The Stone, the Sorrow"is based on the observation of abandoned quarries in Portugal, analyzing the acceleration of the decomposition of spaces into images and comparing them to the social conception of the notion of Family. Positioning himself on the border between the public and the private, the choreographer seeks a speed that leads the viewer to a mythological space of hospitality and disruption, where contemplation is made possible through thousands of frames per second._

###### Credits
##### Artistic Direction, Creation and Plastic Conception | Daniel Matos
##### Performers and Co-creators | Lia Vohlgemuth, Elia Pangaro and Joana Simões  
##### Artistic Collaboration, Archive, Photography and Video | João Catarino 
##### Original Soundtrack (from Debussy) | João Galante aka Coolgate 
##### Artistic consultancy | Beatriz Marques Dias
##### Technical Direction | Ana Carocinho 
##### Light Design | Manuel Abrantes
##### Stage design | Daniel Matos 
##### Costume design | Marina Tabuado
##### Communication | Maria Tsukamoto
##### Production Direction | Joana Flor Duarte
##### Production | CAMA a.c.
##### Co-Production | Teatro das Figuras, Cine-Teatro Louletano, Casa Varela/Cine-Teatro de Pombal - Município de Pombal, Município de Lagos
##### Co-Production Residency | O Espaço do Tempo, Teatro Municipal Baltazar Dias / Estúdio de Criação Artística do Funchal
##### Support | Estúdios Vítor Córdon / OPART, Espaço Alkantara, Casa da Dança de Almada, CAMADA - Centro Coreográfico, O Rumo do Fumo, A Piscina, Estúdio CAB


large_"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

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thumbnail_"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

_A Pedra, a Mágoa parte da observação de pedreiras abandonadas em território nacional, analisando a aceleração de decomposição dos espaços em imagens e comparando-as à ideia social do conceito Família. Posicionando-se na fronteira entre o público e o privado, o coreógrafo procura uma velocidade que conduza o espectador a um espaço mitológico de acolhimento e disrupção, onde a contemplação se proporciona através de milhares de frames por segundo._

_- um Fauno para os meus pais -_

«Observei o meu país de cima. Lá, os meus pais multiplicavam-se entre cidades e vilas, construindo famílias que não eram minhas. Famílias grandes e famílias pequenas, famílias solteiras ou em grupo, com e sem casas. Mesas cheias e bolsos completamente vazios, famílias com bocas calmas e imagens que são apenas familiares no exterior. Olhando para baixo, vi também feridas abertas na terra, escavações sem fim, umas cuidadas e outras abandonadas, umas cheias de água e outras com gargantas escassas, inspeccionadas por animais de ferro a que decidimos chamar de gruas para que o trabalho pesado não fosse confundido com a exploração animal (o meu pai e a minha mãe sempre foram animais de trabalho). As famílias das pessoas e as famílias dos buracos tornaram-se demasiadas para manter a visão clara, perdi os meus pais e as suas novas famílias (que talvez sejam minhas ou então esses pais nunca me tenham pertencido). Percebo que talvez eu não esteja em lado nenhum, que tudo é um enorme buraco de pedra caída. Não há mais país, nem pais, nem família - tudo é tudo e tudo traz o princípio do nada: recomeçar uma escavação a partir de dentro.» 
― Daniel Matos

###### Ficha Artística
##### Direção Artística, Criação e Concepção Plástica | Daniel Matos
##### Performers e Co-criação | Lia Vohlgemuth, Elia Pangaro e Joana Simões
##### Colaboração Artística, Arquivo, Fotografia e Vídeo | João Catarino
##### Banda Sonora Original (a partir de Debussy) | João Galante aka Coolgate e José Cruz
##### Consultoria Artística | Beatriz Marques Dias 
##### Direção Técnica | Ana Carocinho
##### Desenho de Luz | Manuel Abrantes
##### Cenografia | Daniel Matos 
##### Figurinos | Marina Tabuado  
##### Comunicação | Maria Tsukamoto
##### Direção de Produção | Joana Flor Duarte
##### Produção | CAMA a.c.
##### Co.Produção | Teatro das Figuras, Cine-Teatro Louletano, Casa Varela/Cine-Teatro de Pombal - Município de Pombal, Município de Lagos
##### Residência de Co.Produção | O Espaço do Tempo, Teatro Municipal Baltazar Dias / Estúdio de Criação Artística do Funchal 
##### Apoio à residência | OPART|Estúdios Victor Córdon
##### Apoios | Estúdios Vítor Córdon / OPART, Espaço Alkantara, Casa da Dança de Almada, CAMADA - Centro Coreográfico, O Rumo do Fumo, A Piscina, Estúdio CAB

A Pedra, A Mágoa ― Daniel Matos

THE STONE, THE SORROW ― DANIEL MATOS

"Corpo do Tempo" is the first piece by Pulsar - Companhia Do Corpo, focused on a multidisciplinary approach. The piece combines music, dance and theater through a single instrument: the body.

###### Credits
##### Creation and Direction | Marco Santos
##### Support to movement | Miguel Oliveira
##### Dramaturgy assistance | Yola Pinto
##### Production | Marco Santos, Rui Aires, Margarida Soares
##### Cast | Ana Sofia Sequeira, André Tasso, Cristina Clara, Denys Stetsenko, Eva Parmenter, Gonçalo Pereira, Marco Santos, Mariana Camacho, Mariana Frazão, Margarida Soares, Miguel Oliveira, Nazaré Pinto, Poliana Tuchia, Rafaela AmoDeo, Rui Aires, Ulisses Ruedas
##### Acknowledgements | Manuel da Luz Santos, Clara Andermatt, Simão Costa, Yola Pinto, Silvia Real
##### Support | Antena 2; Real Pelágio, MATT image & design; Menu das Artes; Companhia ACCCA; EVC - Estúdios Victor Cordon; UartM - United Art Movement; Musibéria.

large_"Corpo do Tempo", da Companhia do Corpo - Pulsar

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"Corpo do Tempo", da Companhia do Corpo - Pulsar

“Corpo do Tempo” é  o primeiro espetáculo da Pulsar - Companhia Do Corpo, companhia centrada no trabalho multidisciplinar que coaduna o diálogo entre Música, Dança e Teatro através de um único instrumento: O Corpo.
Este espetáculo baseia-se no método pedagógico desenvolvido por Marco Santos, que usa a percussão corporal como ferramenta para lapidar a criatividade, a expressão, a consciência do espaço e a relação entre os corpos. Busca explorar e traduzir em performance questões como a efemeridade do corpo e a sua fragilidade, os julgamentos limitantes, bloqueios emocionais e preconceitos sociais relacionados com o corpo humano, os limites físicos do corpo, não como barreira, mas ponte para novas possibilidades, e a relação entre corpo individual e coletivo. O sentido de união na heterogeneidade, as automatizações do corpo, começando por ganhar consciência delas através do foco e presença, a desmistificação do toque, o ritmo como ferramenta elementar na exploração de limites e interseções entre interior e exterior, som e silêncio, presença e ausência.

A percussão corporal é encarada de forma elástica, sem restringir o corpo ao âmbito musical. Por um lado, explora os seus movimentos e as suas relações com o espaço, ou seja, a dança acontece enquanto organiza sons e silêncios. Por outro lado, a percussão corporal expressa uma narrativa, que compõe uma dramaturgia, podendo assim evocar um campo poético. Parte-se do corpo como principal instrumento para elaborar vocabulário e linguagem que, com ou sem palavras, estabelece a comunicação com os aspetos mais subtis da existência humana.

###### Ficha técnica
##### Criação e Direção | Marco Santos
##### Assistência de Movimento | Miguel Oliveira
##### Assistência de dramaturgia | Yola Pinto
##### Produção | Marco Santos, Rui Aires, Margarida Soares
##### Elenco | Ana Sofia Sequeira, André Tasso, Cristina Clara, Denys Stetsenko, Eva Parmenter, Gonçalo Pereira, Marco Santos, Mariana Camacho, Mariana Frazão, Margarida Soares, Miguel Oliveira, Nazaré Pinto, Poliana Tuchia, Rafaela AmoDeo, Rui Aires, Ulisses Ruedas
##### Agradecimentos | Manuel da Luz Santos, Clara Andermatt, Simão Costa, Yola Pinto, Silvia Real
##### Apoios | Antena 2; Real Pelágio, MATT image & design; Menu das Artes; Companhia ACCCA; EVC - Estúdios Victor Cordon; UartM - United Art Movement; Musibéria.

PULSAR ― Corpo do Tempo

large_"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

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thumbnail_"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

##### _Mawaru, Um Corpo Fascinado Flutua sem Pensamento_ é uma peça que mergulha na teoria do caos, explorando o conceito do "efeito borboleta" e sua influência nas interações humanas. Ela é uma das leis mais importantes do Universo, invisível aos nossos olhos, mas presente na matriz de praticamente tudo o que nos rodeia. A peça revela, tal como na teoria, que a mais pequena das mudanças pode desencadear eventos imprevisíveis e transformar o curso de eventos de maneira monumental.

##### Através de movimentos circulares que ecoam a sutileza das asas de uma borboleta, investiga-se a sensibilidade às condições iniciais, permitindo que o fluxo do movimento nos conduza a destinos desconhecidos. Cada frase coreográfica, inicialmente simples, evolui em direções inesperadas, refletindo a imprevisibilidade inerente à vida. _Mawaru_ explora as relações humanas, mostrando como os encontros e desencontros moldam o nosso destino, como se de um cálculo matemático se tratasse, em que a mais ligeira mudança nos surpreende com um resultado diferente. 

##### Inspirada pela poesia dos haikus japoneses, a peça convida o público a explorar um leque infinito de possibilidades interpretativas. Como a flutuação de fatores que impedem a previsibilidade, as relações entre os personagens são influenciadas por uma miríade de fatores, cada um contribuindo para um padrão único e imprevisível. À medida que se desafia as fronteiras das interpretações, a dramaturgia de "Mawaru" segue o mesmo princípio do caos determinístico, oferecendo ao público o poder de moldar sua própria experiência. Como o universo que nos cerca, "Mawaru" é uma reflexão física sobre a imprevisibilidade da vida e a beleza encontrada nas infinitas possibilidades da dança. 


###### Ficha Técnica

##### Conceito e Coreografia | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Interpretação | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Edição Musical | A definir
##### Música | Hiromitsu Agatsuma
##### Figurino | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Desenho de luz | Matilde Barbas e Miguel Santos


Mawaru ⏤  Matilde Barbas & Miguel Santos

medium_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

small_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

thumbnail_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

Um espetáculo de dança, com músicos ao vivo, que vive da alteridade entre a presença dos corpos e as
suas imagens projetadas em tempo real e diferido. Um espectro caleidoscópico de realidades, desdobra a própria imagem e presença do corpo em múltiplos lugares, numa analogia que toca os desafios do Corpo _virtual.polifónico.multireferencial_, que todos nós temos vindo a experienciar cada vez mais.

Em parceria com o videasta João Catarino, Yola Pinto e Simão Costa convidam vários artistas a partilhar o palco, transformado num espaço heterotópico comum.

Procura contrapor a hipótese de um corpo como receptáculo e/ou meio de transporte de um intelecto com uma ideia multidimensional desse corpo inserido num sistema de vários reflexos, seguindo várias escolhas de (co) ordenação.

Aqui, a linguagem verbal, premissa basilar que permite catalogar uma visão unívoca e mensurável do mundo, dá espaço a outras formas de percepção e experiência do real circundante, para falar do inefável poder do que está para além das palavras.

Cruza inspirações das mais recentes pesquisas em neurociências (nomeadamente da literatura científica do neurocirurgião português, António Damásio), transduzidas para o modus operandis coreográfico e musical, assim como da filosofia, como é disso exemplo Frederico Campagna (in _Da Técnica à Magia_).


##### ―
##### 
##### Ficha Técnica
##### Direção artística | Yola Pinto e Simão Costa
##### Piano, eletrónica, composição sonora | Simão Costa
##### Coreografia, dramaturgia | Yola Pinto 
##### Vídeo | João Catarino
##### Assistência de criação e técnico de som | Artur Pispalhas
##### Interpretação dança | Miguel Santos
##### Bateria | Marco Santos
##### Dispositivo cénico | Sara Franqueira
##### Direção técnica e desenho de luz | Cristóvão Cunha
##### Produção executiva | YPSC_transduction
##### Apoio administrativo | MãoSimMão – associação cultural
##### Coprodução | MUDAS_Museu de Arte Contemporânea da Madeira, Cineteatro Louletano, Teatro Municipal de Bragança
##### Residências artísticas | Estúdios Vitor Cordon, Teatro Aveirense, CEA - Centro de Experimentação Artística
##### Apoio | DGArtes

O meu corpo não é só uma instância ― Yola Pinto & Simão Costa

Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx.

[installation - performance - oniric | political occupation of the space]

_Are we living through the failure of utopia or a reformulation of previously ( mis)dreamed dystopias? If there is a temporal dimension, it's because things happen only in the experience, transforming abstract time into real duration, with harmony and a break from vertigo being an enemy of capitalist production. Can we dream and have it be concrete reality?_

_As if the body were not a border, as if history were not full of absences, with the certainty that imagination is absolutely essential. The ancestry of a present future. Strength may indeed lie in the ability to imagine. It's really about questioning. It's poetic. And there's pleasure. There's confrontation, I don't know about comfort._ Piny


##### Credits

##### Creation | Piny
##### Performers | Piny, Violet Scrap, Adrielle Mendes
##### Sound design | Carincur
##### DJ | Leo Soulflow
##### Dramaturgy support | Teresa Coutinho
##### Text support | Teresa Coutinho and Chullage
##### Outside look / advice | Patrícia Portela, Rita Diamond, Pedro Coquenão, other guests
##### Set design | to be determined
##### Costume design | to be determined
##### Light design | to be defined
##### Advice on color and installation | to be confirmed
##### Production | Produção d'Fusão | Filipe Metelo and Patrícia Soares

large_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

medium_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

small_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

thumbnail_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix.

[instalação - performance - ocupação onírico|política do espaço]

_Será que vivemos a falência da utopia ou uma reformulação de distopias anteriormente (mal)sonhadas? Se há uma dimensão temporal é porque só se realiza na vivência, transformando o tempo abstrato na duração real, sendo a harmonia e paragem da vertigem um inimigo da produção capitalista. Podemos sonhar e isso ser realidade concreta?_

_Como se o corpo não fosse fronteira, como se a história não fosse cheia de ausências, com a certeza de que a imaginação é absolutamente essencial. A ancestralidade de um futuro presente. A força pode mesmo estar na capacidade de imaginar. É para questionar mesmo. É poético. E tem prazer. Há confronto, o conforto não sei._ Piny


##### Ficha técnica

##### Criação | Piny
##### Performers | Piny, Violet Scrap, Adrielle Mendes
##### Sonoplastia | Carincur
##### DJ | Leo Soulflow
##### Apoio dramatúrgico | Teresa Coutinho
##### Apoio ao texto | Teresa Coutinho e Chullage
##### Olhares externos / aconselhamento | Patrícia Portela, Rita Diamond, Pedro Coquenão, outres convidades
##### Cenografia e montagem de espaço | a definir
##### Figurinos | a definir
##### Desenho de luz | a definir
##### Aconselhamento sobre perceção da cor e instalação | a confirmar
##### Produção | Produção d’Fusão | Filipe Metelo e Patrícia Soares

ÓNYX

_Esteira_ ["straw mat"] is a contemporary dance duet in which the expression of the bodies, the mat and the space feed into each other, bringing to light a reflection on various moments in history.

Two bodies in one story use dance and rhythmic movements, as well as other forms of bodily expression, to observe and question how the body reacts and manifests itself to each challenge and cultural experience it encounters.

The idea is to stimulate conflicts between bodies in space, recovering the primordial utility of the straw mat and its place in Mozambican culture. Through architectural (scenographic) and choreographic thinking, Fernando Machaieie and Martins Tuvanji intend to question the relationship between the increasing rhythm, the usefulness of the objects in question, their socio-cultural role and their aesthetic aspect in everyday life.

"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

large_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

medium_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

small_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

thumbnail_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

_Esteira_ é um dueto de dança contemporânea em que a expressão dos corpos, a esteira e o espaço se alimentam entre si, trazendo à luz uma reflexão sobre vários momentos da história.

Dois corpos numa só história usam dança e movimentos rítmicos, assim como outras formas de expressão corporal, para observar e questionar como o corpo reage e se manifesta a cada desafio e experiência cultural com que se depara.

A ideia é impulsionar conflitos entre os corpos no espaço, resgatando a utilidade primordial da esteira e o seu papel na cultura moçambicana. Através do pensamento arquitetónico (no desenvolvimento da cenografia) e coreográfico, Fernando Machaieie e Martins Tuvanji pretendem questionar a relação entre o ritmo crescente, a utilidade dos objetos em presença, o papel sociocultural dos mesmos e a sua componente estética na vida cotidiana.

Esteira ⏤ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

Esteira ⏤ Fernando Machaieie & Martins Tuvanji

large_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

medium_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

small_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

thumbnail_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

_Mono-no-aware_ (物の哀れ), o «pathos das coisas», termo japonês dificilmente traduzível por «uma empatia para com as coisas» ou «uma sensibilidade especial sobre as coisas efémeras», está relacionado com a consciência e celebração da inevitável transitoriedade das coisas, assim como uma leve tristeza ou melancolia inerente ao estado de mudança, transformação e efemeridade presente na realidade e na vida quotidiana, manifestando-se também como uma expressão emocional em relação à natureza, uma forma de antecipação nostálgica da impermanência do tempo presente e do derradeiro paradoxo da vida (morte vivida) que é a sua finitude. Na literatura clássica e poesia japonesa, refere-se ao ideal estético do _mono no aware_, que implica uma sensibilidade particular de consciência e capacidade de resposta para alguma coisa, um objeto inanimado ou mesmo um ser vivo, ou uma resposta emocional sobre uma pessoa.

O projeto coreográfico interpela e convoca diferentes materiais imagéticos e poéticos, partindo deste lugar de memória e evocação, e simultaneamente de aceitação e contemplação do tempo presente e da sua transitoriedade, propondo pôr em prática um verdadeiro «laboratório criativo de coisas efêmeras», corporalizando e indagando este estado _mono no aware_. Um corpo nostálgico que se desequilibra entre dois filtros temporais e duas realidades, o passado, o presente e uma ideia de futuro. Corpos, lugares e espaços que funcionam em condições não hegemónicas são os espaços das alteridades, que não estão nem aqui nem lá, que são simultaneamente físicos e mentais. Espaços e corpos que sobrevivem fora das condições não hegemónicas. Corpo(s) da alteridade para lá do espelho da realidade.

_As imagens morrem em palco e são levadas para fora dele?_

_Se um corpo não se dissolvesse, não desaparecesse como nevoeiro, as coisas perderiam o poder de nos mover?_

##### FICHA ARTÍSTICA

##### Direção Artística, Coreografia e Realização Plástica | Rafael Alvarez
##### Cocriação e Interpretação | Mariana Tengner Barros, Noeli Kikuchi e Rafael Alvarez
##### Desenho de Luz e Direção Técnica | Nuno Patinho
##### Fotografia | Elisabeth Vieira Alvarez
##### Design Gráfico | Paulo Guerreiro
##### Produção e Difusão | BODYBUILDERS / Rafael Alvarez
##### Coprodução | Festival Transborda / Casa da Dança - Almada, Festival Citemor, Teatro das Figuras/Teatro Municipal de Faro, FMK International Dance Festival (Laos)
##### Apoio à Criação | Fundação GDA
##### Apoio à Internacionalização | Républica Portuguesa - Cultura/Direcção-Geral das Artes


Mono-no-aware ― Rafael Alvarez

_Borte_ is a poetic performance for children aged 4-5 and their adults. In a universe of red birds, the ensemble opens up for philosophical wonder about what is lost and never returns, narrated through dance, music, animation, and text.

large_"Borte", de Siri Dybwick

medium_"Borte", de Siri Dybwick

small_"Borte", de Siri Dybwick

thumbnail_"Borte", de Siri Dybwick

"Borte", de Siri Dybwik

_Borte_ é uma performance poética para crianças dos 4 aos 5 anos e para os adultos que os acompanham. Num universo de pássaros vermelhos, o conjunto abre-se a um questionamento filosófico sobre o que se perde e nunca mais volta, narrado através da dança, da música, da animação e do texto.

Borte ⎯ Siri Dybwik

large_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

medium_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

small_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

thumbnail_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

_Stabat Mater com Aroma a Pêssego_ será uma performance em formato de Missa que procura cruzar o Coral do compositor Italiano Domenico Scarlatti com os rituais camponeses pagãos associados ao primeiro de Maio que remetem às colheitas agrícolas ligadas à fertilidade e amor, energia vital - fogo e colheita.
_Stabat Mater_ é um Coral do compositor italiano Domenico Scarlatt que se debruça sobre a dor de Maria ao ver Cristo na Cruz. _Stabat Mater_ em latim _Estava a mãe_, é uma prece. Sendo que existem dois hinos associados, _Stabat Mater Dolorosa_ sobre as Dores de Maria e Stabat Mater Speciosa, mais alegre, refere-se ao nascimento de Cristo.

Stabat Mater com aroma a pêssego ⎯ Beatriz Garrucho

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Residência artística CiM

Como ponto de partida e inspiração desta nova criação da CiM, surge a forte poesia cantada por José Mário Branco, na música _A Noite_, onde levanta questões de fundo, de um estado de alma, que para conseguir responder é preciso humanamente entrar num ponto comum, onde a agitação e a instabilidade produzem uma mudança.

Nesta nova criação, pretende-se repensar as posições de cada intérprete, alterar as narrativas e emancipar o choque e o confronto consigo e com todos. A revolução humana é, no seu sentido mais capital, o primeiro elemento catalisador de uma mudança, capaz de incitar reações e conjunturas altamente refletoras do comportamento humano e coletivo. A natureza de cada um de nós, impregna na sociedade um sentimento de transição.

_Rh_, título provisório da peça que evoca momentos de reação humana, procura o espaço etéreo da causalidade, onde a mudança é determinada no positivo vs. negativo, a causa e o efeito, o ser molecular e o ser coletivo. _Rh_ está ao alcance de qualquer pessoa, procura uma ordem natural nos eventos, mesmo quando estoirados de Rh – revolução humana.



##### FICHA TÉCNICA

##### Direção Artística | Ana Rita Barata, Pedro Sena Nunes
##### Coreografia | Ana Rita Barata
##### Bailarinos | (a confirmar)
##### Dramaturgia | (a confirmar)
##### Música Original | José Mário Branco
##### Figurinos | Mafalda Estácio
##### Realização | Pedro Sena Nunes
##### Edição | João Dias
##### Fotografia | João Pedro Rodrigues
##### Desenho de Luz | (a confirmar)
##### Produção e Comunicação | Inês Baptista, Miguel Loureiro
##### Coordenação executiva CiM | Célia Carmona
##### Direção executiva CiM | A. Barata
##### Apoio à Criação | Espaço Rural de Artes, Pro.Dança
##### Apoios | Associação Paralisia Cerebral de Lisboa, CRPCCG – Centro de Reabilitação de Paralisia Cerebral, Calouste Gulbenkian – SCML

Rh ― CiM

large_"Home.M", de Daniela Andana

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"Home.M", de Daniela Andana

«Mãe, Mater, aquela que gera. É das palavras mais conhecidas e antigas do mundo, mas que peso carrega esta palavra?

Uma casa, um corpo, uma mulher, uma mãe. 

Quantas vidas cabem dentro de um corpo, quantas identidades pode ter uma mãe? 

Partindo das gravuras de Louise Bourgeois, como a Femme Maison, surgem questões sobre a identidade e qual o papel da mãe, mulher no séc. XXI.»

##### Direção e coreografia, intepretação, edição musical e sonoplastia a cargo de Daniela Andana.


Home.M ⎯ Daniela Andana

_KRUMP Session_ delves into the roots of the KRUMP culture, which originated in the African-American and Latin American communities of Los Angeles (USA) in the late 1990s. Born as a response to the adversities faced in these communities, such as gang warfare and police oppression, the KRUMP style became a form of abstraction from reality, a celebration of life and an expression of resistance to the socio-political context marked by racism and economic discrimination. Thus, the need for artistic expression as a means of resistance is central to the history of KRUMP.

In Portugal, this movement found its own space in 2006/2007, through clandestine sessions in places like the Lisbon-Oriente Station. Despite keeping out of the public eye (due to the movement's expressive and energetic nature), the sessions have continued over the years, allowing the KRUMP culture to be kept alive.

The piece _KRUMP Session_, being rehearsed at the EVC and presented at the end of January in Teatro do Bairro Alto (TBA), aims to pay homage to national krumpers from different generations, bringing to the stage a style that usually doesn't find its way into mainstream venues.

The show proposes a ritualistic experience of liberation, acceptance and resistance, providing a space for genuine and raw artistic expression. It aims to create an environment of mutual support and sharing, challenging stigmas and offering an authentic glimpse into KRUMP culture.


######Credits

######Author |  Dougie Knight
######Artistic direction, choreography and performance | Dougie Knight
######Choreography, performance and host |Carlos Zagalo aka BIG Z
######Assistant director and production support | Lúcia Afonso
######Dj | Morf
######Light design | Pedro Guimarães
######Video |Pedro Jafuno
######Photography | Pedro Jafuno
######Performance | Aires Lion, Julien Wrestler, Nádia P. Futur, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro, Hélio Sango KAÔ, Vagner Beef, Emerson West, Stevan Bright, Gonçalo Carrapiço Boy KAÔ, Gilberto KAÔ Ujima and Maria Costa Lady KAÔ
######Artists invited for residency at the EVC | Dougie Knight, Carlos Zagalo, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro
######Production | MOSJAM Associação Cultural e Artística


large_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

medium_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

small_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

thumbnail_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

_KRUMP Session_ mergulha nas raízes do movimento KRUMP, que tem origem nas comunidades negras e latinas de Los Angeles (EUA) dos finais dos anos 1990. Nascido como resposta às adversidades enfrentadas nessas comunidades, como a guerra entre gangues e a opressão policial, o estilo KRUMP tornou-se uma forma de abstração da realidade, uma celebração da vida e uma expressão de resistência face ao contexto sociopolítico marcado pelo racismo e a discriminação económica. Assim, a necessidade de expressão artística como meio de resistência é central na história do KRUMP.

Em Portugal, este movimento encontrou um lugar próprio nos anos 2006/2007, através de sessões clandestinas em locais como a Gare do Oriente (Lisboa). Apesar do caráter discreto perante o grande público devido à natureza expressiva e energética do movimento, as sessões mantiveram-se ao longo dos anos, preservando a cultura do KRUMP.

A peça _KRUMP Session_, a ser ensaiada nos EVC e apresentada no final de janeiro no Teatro do Bairro Alto (TBA), tem como objetivo homenagear _krumpers_ nacionais de diferentes gerações, trazendo para o palco um estilo que geralmente permanece fora dos espaços institucionais. A peça propõe uma experiência ritualística de libertação, aceitação e resistência, oferecendo uma plataforma para a expressão artística genuína e crua. Pretende-se criar um ambiente de apoio mútuo e partilha, desafiando estigmas e proporcionando um vislumbre autêntico da cultura KRUMP.

######Ficha técnica

######Autoria | Dougie Knight
######Direção artística, coreografia e interpretação | Dougie Knight
######Coreografia, interpretação e _host_ |Carlos Zagalo aka BIG Z
######Assistência de direção artística e apoio à produção | Lúcia Afonso
######Dj | Morf
######Desenho de luz | Pedro Guimarães
######Vídeo |Pedro Jafuno
######Fotografia | Pedro Jafuno
######Interpretação | Aires Lion, Julien Wrestler, Nádia P. Futur, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro, Hélio Sango KAÔ, Vagner Beef, Emerson West, Stevan Bright, Gonçalo Carrapiço Boy KAÔ, Gilberto KAÔ Ujima e Maria Costa Lady KAÔ
######Artistas convocados para residência artística nos EVC | Dougie Knight, Carlos Zagalo, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro.
######Produção | MOSJAM Associação Cultural e Artística

KRUMP Session ⎯ Dougie Knight

###### Credits
##### Creator / performer | Eríc Santos
##### Dramaturgy | Maurícia Neves
##### Sound design | Rui Lima and Sérgio Martins
##### Production assistant | Catarina Corujeira

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"Prima rosa", de Eríc Santos

_Este é um projeto que se foca na procura das sensibilidades, é um projeto sobre o corpo trans não binário à procura da sua própria masculinidade. Este é um projeto autobiográfico, é sobre a minha transição da linguagem machista que carrego do hip hop para encontrar uma masculinidade mais saudável dentro de outras danças. Este é um corpo que navega pela memória e pela construção de uma nova memória, uma construção de futuro. Trabalho sobre a fusão de vários estilos. Encontro no waving, no Vogue, nas danças de salão, expressões de género que encaixam numa não binariedade, e que por consequência trazem uma nova proposta de vivência e de recolocar o corpo a nível social, numa tentativa de responder à pergunta: Como dança um corpo não binário? Qual a importância de criar uma transmasculinidade não tóxica e o que é isso? Porque são as transmasculinidades invisíveis? Porque nos escondemos?_

_O nome primarosa vem de primrose. A primeira flor que abre no início da primavera. Significa começo, transformação, cura. Uma despedida, uma morte, que gera um novo, um renascer, um novo corpo. Uma vontade de gerar novos conceitos e ideias._ ― Eríc Amorim dos Santos

###### Ficha artística
##### Criador / intérprete | Eríc Santos
##### Dramaturgia | Maurícia Neves
##### Sonoplastia | Rui Lima e Sérgio Martins
##### Assistente de produção | Catarina Corujeira

 Eríc Amorim dos Santos ― Prima rosa

Prática Diária

Daily classical and contemporary dance practice designed for professional dancers and those in the process of becoming professional dancers. The diversity of the teachers' proposals is intended to mirror our approach to what a dance practice can be today. The monthly schedule of daily practices is available in the schedule.

###### Classical Dance
Mon - Wed - Fri: 10am – 11:15am

###### Contemporary Dance
Tue - Thu: 10am – 11:15am

###### Price
3€ / class (insurance required)


###### Classical Dance
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

###### Contemporary Dance
Tue – Thu: 10am – 11:15am

###### Price
3€ / class (insurance required)


Daily Practice

##### CLASSICAL DANCE
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

##### CONTEMPORARY DANCE
Tue – Thu: 10am – 11:15am

##### PRICE
3€ / class (insurance required)

DAILY CLASSES ⏤ March

###### CLASSICAL DANCE
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am 

###### CONTEMPORARY DANCE
Tue – Thu: 10am – 11:15am 

###### PRICE
3€ / class (insurance required)

DAILY CLASSES ⏤ APRIL

###### CLASSICAL DANCE
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

###### CONTEMPORARY DANCE
Tue – Thu: 10am – 11:15am

###### PRICE
3€ / class (insurance required)

DAILY CLASSES ⏤ MAY

Daily Classes ⎯ July

###### CLASSICAL DANCE
##### Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

###### CONTEMPORARY DANCE
##### Tue – Thu: 10am – 11:15am

###### PRICE
##### 3€ / class (insurance required)

DAILY CLASSES ⏤ JUNE

Daily Classes ⎯ September

###### CLASSICAL DANCE
##### Mon – Wed – Fri
##### 10am – 11:15am

###### CONTEMPORARY DANCE
##### Tue – Thu
##### 10am – 11:15am

###### PRICE
3€ / class (insurance required)

Daily Classes ⎯ October

Daily Classes ⎯ November

Daily Classes ⎯ December

###### Classical Dance
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

###### Contemporary Dance
Tue – Thu: 10am – 11:15am

###### Price
3€ / class (insurance required)

Daily Classes ⏤ February

Daily Classes ⏤ March

Daily Classes ⏤ April

Daily Classes ⏤ May

Práticas diárias de dança clássica e contemporânea destinadas a intérpretes profissionais ou em vias de profissionalização na área da dança. A diversidade das propostas de formadores pretende espelhar um pensamento acerca do que pode constituir uma prática de dança nos dias de hoje. O calendário mensal da prática diária está disponível na agenda.

###### Dança Clássica
2.ª - 4.ª - 6.ª feiras: 10h00 - 11h15

###### Dança Contemporânea
3.ª - 5.ª feiras: 10h00 - 11h15

###### Preço
3€/aula (seguro obrigatório)



Aulas de Dança ⏤ Profissionais

Daily practice for professionals dancers

Dance Classes ⏤ Professionals

Following Miguel Moreira, João dos Santos Martins and Jonas&Lander, this time EVC welcomes Marlene Monteiro Freitas to be EVC’s 2022 season AT HOME artist.

The program provides a continuous workspace, giving each artist the freedom to use the various facilities of the Estúdios for artistic creation projects and any other initiatives they develop.

###### Marlene Monteiro Freitas 
She was born in São Vicente, Cabo Verde, where she was co-founder of the dance group Compass. She studied at P.A.R.T.S. (Brussels), at E.S.D. and at Fundação Calouste Gulbenkian (Lisbon). She worked with Emmanuelle Huynn, Loic Touzé, Tânia Carvalho, Boris Charmatz, among others. She created the works _ÔSS_ (2022), _Ri te / Paris Intermission_, in collaboration with Israel Galván (2022), _Bacchae - Prelude to a purge_ (2017), _Jaguar_, in collaboration with Andreas Merk (2015), _Of ivory and flesh - statues also suffer_ (2014); _Paradise - private collection_ (2012-13); _(M)imosa_ (2011), a project developed with Trajal Harell, François Chaignaud and Cecilia Bengolea; _Guintche _(2010); _A Seriedade do Animal_ (2009-10); _A Improbabilidade da Certeza_ (2006);_ Larvar_ (2006); and _Primeira Impressão_ (2005). The common denominator of these works is openness, impurity and intensity. In 2017, the Portuguese Society of Authors (SPA) awarded _Jaguar_ the prize for best choreography. In the same year, the artist was honored by the Government of Cape Verde for her cultural achievements. In 2018, the Venice Biennale awarded Marlene Monteiro Freitas the Silver Lion in the Dance category, and, in 2021, the artist was awarded the Chanel Next Prize in its first edition. In 2022, as part of the Portugal-France Crossed Season, the Festival d'Automne à Paris dedicates a cycle to the artist's work, presenting a vast retrospective and two new creations. She is co-founder of P.OR.K, a production structure based in Lisbon, and has an ongoing collaboration with O Espaço do Tempo (PT).



Depois de Miguel Moreira, João dos Santos Martins e Jonas&Lander, os EVC acolhem Marlene Monteiro Freitas como artista EM CASA da temporada 2022. 
O programa pretende proporcionar um espaço de trabalho contínuo, dando à artista a liberdade de ação e uso das várias valências dos EVC para criação e outras iniciativas.

###### MARLENE MONTEIRO FREITAS
Nasceu em São Vicente, Cabo Verde, onde cofundou o grupo de dança Compass. Estudou dança na P.A.R.T.S., em Bruxelas, na Escola Superior de Dança e na Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa.  Trabalhou com Emmanuelle Huynh, Loïc Touzé, Tânia Carvalho, Boris Charmatz, entre outros. Criou as peças _ÔSS_ (2022),  _Ri te / Paris Intermission_, em colaboração com Israel Galván (2022), _Bacantes – Prelúdio para uma Purga_ (2017),_ Jaguar_ com a colaboração de Andreas Merk (2015), _de marfim e carne - as estátuas também sofrem_ (2014), _Paraíso - colecção privada_ (2012-13), _(M)imosa_ com Trajal Harrell, François Chaignaud e Cecilia Bengolea (2011), _Guintche_ (2010), _A Seriedade do Animal_ (2009-10), _A Improbabilidade da Certeza_ (2006), _Larvar_ (2006) e _Primeira Impressão_ (2005). Estas peças têm como denominador comum a abertura, a impureza e a intensidade. Em 2017, a Sociedade Portuguesa de Autores (SPA) atribuiu a _Jaguar_ o prémio de melhor coreografia e, no mesmo ano, foi distinguida pelo Governo de Cabo Verde pelas suas realizações culturais. Em 2018, a Bienal de Veneza atribuiu a Marlene o Leão de Prata na categoria de Dança. Recebe o prémio Chanel Next Prize na sua primeira edição, em 2021. Em 2022, no âmbito da Temporada Cruzada Portugal-França, o Festival d'Automne à Paris dedica um ciclo dedicado ao trabalho da artista, apresentando uma vasta retrospectiva e duas novas criações. É cofundadora da P.OR.K, estrutura de produção sediada em Lisboa e tem uma colaboração contínua com O Espaço do Tempo (PT). 


Em Casa ⏤ Marlene Monteiro Freitas

Marlene Monteiro Freitas

Celebrating 20 years since he began his artistic path, Victor Hugo Pontes is the artist invited to be _At Home_ in 2023. It will be a year of commemoration in which EVC will be the choreographer's temporary home. Here, new works of his will be conceived, and encounters with various formats will be held, through various ways of approaching and promoting a meaningful reflection about his path. 

###### Exhibition ⎯ _For a happiness like this_
Victor Hugo Pontes,  20 years of artistic creation through images

###### Performance lecture ⎯ _Unique physical parts_

###### Book edition ⎯ _For a happiness like this_ 
Victor Hugo Pontes, 20 years of artistic creation
(provisional title)




At Home ⏤ Victor Hugo Pontes

At Home is a space dedicated to dance artists who, throughout the year, are invited to develop their projects at the EVC and make them their creative home. After having been introduced to the work of Miguel Moreira, João dos Santos Martins, Jonas & Lander, Marlene Monteiro Freitas and Victor Hugo Pontes in previous years, in 2024 we welcome Teresa Silva, who will show us her work in all its facets and different formats.

Over the course of a year, various projects by her or in collaboration with others will be developed at the EVC.

Teresa Silva (Lisbon, 1988) has dedicated herself to research, creation and performing in the fields of contemporary dance and performance since 2008. She sees dance as something that goes beyond the physical body, resulting in a work of attentiveness and sensitivity, as well as a multidisciplinary approach to movement.

The artist will bring to the EVC a series of very different proposals, in collaboration with Sara Anjo, David Marques, Kristina Norman, Mathieu Bouvier and Loic Touzé, among others.

_Oráculo expandido [“Expanded oracle”] - towards an investigation into practices of care, attention and connection_
Since 2017, Sara Anjo and Teresa Silva have been researching the potential of the body as a place of knowledge and revelation, and have designed workshops and created a piece based on the premise “can the body be an oracle?” There is a great diversity of people who share a curiosity for practices aimed at a holistic awareness of the body and _Oráculo expandido_ is an invitation to continue this research, opening it up to other people and expanding the research to other languages, practices and perspectives. 

_Fazer falar o fazer [“Making the doing speak”] - tools for creating speech about artistic practices_
This project, conceived and developed by David Marques and Teresa Silva, arises from the desire to make the work of their generation more visible and to bring the community together around the issues that move and engage them in their artistic practices. In this sense, the artists will develop different tools to encourage thinking, speaking and listening, and provide encounters between artists and between the artists and the audience.

_Carnation_
After collaborating on _Orchidelirium - An appetite for Abundance_, a project presented at the Venice Biennale (2022), Estonian visual artist Kristina Norman has partnered with Teresa Silva to conceive a new piece. This time, the artists use the red carnation as a symbol of power and freedom, seeking to bring into dialogue the culture and history of their respective countries.

_Ah! - Experimental sessions relating artistic to therapeutic practices_
In this project led by Teresa Silva, the artist aims to show how artistic practice generates states of attention, self-knowledge and transformation that intensify the human being’s potential. In these individual sessions, each person will be invited to look at what affects them in the present moment and, from there, work together on a sensitive and experimental path, intersecting the artistic and therapeutic fields.

To prepare the sessions, Teresa Silva draws on her research with Sara Anjo around the question "can the body be an oracle?" and finds inspiration in the work of artists such as Anna Halprin, Lygia Clark (Relational Objects), Alejandro Jodorowsky (Psychomagic) and Valentina Desideri (Fake Art Therapy), who have made and continue to make their artistic practice into places of affection, ritual and healing.


At Home ⏤ Teresa Silva

At Home ⏤ Marlene Monteiro Freitas

Itinerários EVC 2023

_Itineraries_ is a program that encourages artistic creation, aimed at Mozambican creators in the field of dance, in a partnership between OPART E.P.E. | Estúdios Victor Córdon and Camões – Instituto da Cooperação e da Língua, through the Portuguese Cultural Center in Maputo. 
Intending to create a network that links Mozambique, Portugal, and other partners in Europe, the project develops initiatives that connect the associated countries to promote the internationalization of artists. 
 
 ⏤

>"As a facilitator of this program, which is so important for the materialization (and creation) of perspectives about the need for collaboration between artists and cultural institutions in Portugal and artists from countries once colonized by Portugal, I wish we could, together, look at this project with curiosity and a sense of responsibility. So that the network can grow and expand, and these itineraries have as many meanings as there are individual and collective stories."  
> 
> David Marques


_Itinerários_ é um programa de incentivo à criação artística, dirigido a criadores moçambicanos na área da dança, numa parceria entre o OPART E.P.E. | Estúdios Victor Córdon e o Camões – Instituto da Cooperação e da Língua, através do Centro Cultural Português em Maputo.
Pretendendo criar uma rede entre Moçambique, Portugal e outros parceiros na Europa, o projeto desenvolve iniciativas que correlacionam os países associados com o intuito de promover a internacionalização de artistas.  
 
 ⏤

>“Como facilitador deste programa - tão importante para a materialização (e criação) de discursos sobre a necessidade de colaboração entre artistas e instituições culturais de Portugal e de artistas de países outrora colonizados por Portugal -, gostava que pudéssemos, juntos, receber este projeto com curiosidade e sentido de responsabilidade. Para que a rede cresça e se expanda, e para que nestes itinerários haja tantos sentidos quantas as histórias individuais e coletivas.”
>
> David Marques



Itinerários 2022

Schedule

The incentive program for artistic creation _Itineraries_, aimed at Mozambican dance artists, will be held for the 3rd consecutive year. This is a partnership between Estúdios Victor Córdon and Camões - Institute for Cooperation and Language, through the Portuguese Cultural Center in Maputo. 

The project aims to create a network between Mozambique, Portugal and other partners in Europe, developing initiatives that relate the various territories to each other, in order to promote internationalization in artistic creation. 

⎯ 

>_As a facilitator of this program - so important for the materialization (and creation) of a reflection on the need for collaboration between artists and cultural institutions in Portugal and artists from countries once colonized by Portugal - I wish that we could, together, welcome this project with curiosity and a sense of responsibility. For the network to grow and expand, and for these itineraries to have as many meanings as there are individual and collective stories._
>
##### David Marques


Itineraries 2023

Support

Itineraries 2022

An intensive week targeting dance professionals, with workshops led by the João Cardoso and Edivaldo Ernesto. 
 
###### Target Audience
Dance professionals


Formação de uma semana intensiva dedicada à prática de dança para profissionais com João Cardoso e Edivaldo Ernesto. 

###### Público
Profissionais da dança





KICK OFF'22

A one-week program dedicated to dance practice for professionals that proposes an intensive training in the restart of activities after the summer season. 

This year we will welcome the prestigious Belgian company Peeping Tom, founded by Gabriela Carrizo (Argentina) and Franck Chartier (France).

Brandon Lagaert joined Peeping Tom in 2013 for the creation of _Vader_, and has also created _Moeder_, _Kind_, _Dido & Aeneas_ and _La Visita_. It is at the company that he has crafted his signature style as a multidisciplinary performer.

In his work, Brandon combines elements from different disciplines, such as urban and contemporary dance, theatre, and film. As a director, he often starts from the perspective of a performer to lay down a certain foundation, before tackling the overall structure. He does this under the name of his company KAIHO of which the award-winning performances Subdued and Mondo Fuso have been an integral part.


###### Target Audience
Dance professionals

###### Price
220€

###### GDA Scholarships
GDA Cooperators ⎯ 70€ (amount to be paid by the cooperator) 
> Non GDA Cooperators ⎯ 130€ (amount to be paid by the non cooperator)

> _(GDA Grants are assigned in order of registration confirmation)_

###### Limit of 20 participants

###### Personal accident insurance is required

KICK OFF'23 

One-week program for dance professionals proposing intensive dance training at the "rentrée" right after summer holidays, this year diving into the artistic universe of Akram Khan.

###### Target Audience
Dance professionals

###### Price
220€

###### Online registration

###### Personal accident insurance is required








KICK OFF'24

KICK OFF’22 

Intensive training week for dance professionals, with Belgian choreographer Wim Vandekeybus.  

###### Target Audience
Dance professionals

