_KRUMP Session_ delves into the roots of the KRUMP culture, which originated in the African-American and Latin American communities of Los Angeles (USA) in the late 1990s. Born as a response to the adversities faced in these communities, such as gang warfare and police oppression, the KRUMP style became a form of abstraction from reality, a celebration of life and an expression of resistance to the socio-political context marked by racism and economic discrimination. Thus, the need for artistic expression as a means of resistance is central to the history of KRUMP.

In Portugal, this movement found its own space in 2006/2007, through clandestine sessions in places like the Lisbon-Oriente Station. Despite keeping out of the public eye (due to the movement's expressive and energetic nature), the sessions have continued over the years, allowing the KRUMP culture to be kept alive.

The piece _KRUMP Session_, being rehearsed at the EVC and presented at the end of January in Teatro do Bairro Alto (TBA), aims to pay homage to national krumpers from different generations, bringing to the stage a style that usually doesn't find its way into mainstream venues.

The show proposes a ritualistic experience of liberation, acceptance and resistance, providing a space for genuine and raw artistic expression. It aims to create an environment of mutual support and sharing, challenging stigmas and offering an authentic glimpse into KRUMP culture.


######Credits

######Author |  Dougie Knight
######Artistic direction, choreography and performance | Dougie Knight
######Choreography, performance and host |Carlos Zagalo aka BIG Z
######Assistant director and production support | Lúcia Afonso
######Dj | Morf
######Light design | Pedro Guimarães
######Video |Pedro Jafuno
######Photography | Pedro Jafuno
######Performance | Aires Lion, Julien Wrestler, Nádia P. Futur, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro, Hélio Sango KAÔ, Vagner Beef, Emerson West, Stevan Bright, Gonçalo Carrapiço Boy KAÔ, Gilberto KAÔ Ujima and Maria Costa Lady KAÔ
######Artists invited for residency at the EVC | Dougie Knight, Carlos Zagalo, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro
######Production | MOSJAM Associação Cultural e Artística


large_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

medium_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

small_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

thumbnail_KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

KRUMP Session ⎯ Dougie Knight 

_KRUMP Session_ mergulha nas raízes do movimento KRUMP, que tem origem nas comunidades negras e latinas de Los Angeles (EUA) dos finais dos anos 1990. Nascido como resposta às adversidades enfrentadas nessas comunidades, como a guerra entre gangues e a opressão policial, o estilo KRUMP tornou-se uma forma de abstração da realidade, uma celebração da vida e uma expressão de resistência face ao contexto sociopolítico marcado pelo racismo e a discriminação económica. Assim, a necessidade de expressão artística como meio de resistência é central na história do KRUMP.

Em Portugal, este movimento encontrou um lugar próprio nos anos 2006/2007, através de sessões clandestinas em locais como a Gare do Oriente (Lisboa). Apesar do caráter discreto perante o grande público devido à natureza expressiva e energética do movimento, as sessões mantiveram-se ao longo dos anos, preservando a cultura do KRUMP.

A peça _KRUMP Session_, a ser ensaiada nos EVC e apresentada no final de janeiro no Teatro do Bairro Alto (TBA), tem como objetivo homenagear _krumpers_ nacionais de diferentes gerações, trazendo para o palco um estilo que geralmente permanece fora dos espaços institucionais. A peça propõe uma experiência ritualística de libertação, aceitação e resistência, oferecendo uma plataforma para a expressão artística genuína e crua. Pretende-se criar um ambiente de apoio mútuo e partilha, desafiando estigmas e proporcionando um vislumbre autêntico da cultura KRUMP.

######Ficha técnica

######Autoria | Dougie Knight
######Direção artística, coreografia e interpretação | Dougie Knight
######Coreografia, interpretação e _host_ |Carlos Zagalo aka BIG Z
######Assistência de direção artística e apoio à produção | Lúcia Afonso
######Dj | Morf
######Desenho de luz | Pedro Guimarães
######Vídeo |Pedro Jafuno
######Fotografia | Pedro Jafuno
######Interpretação | Aires Lion, Julien Wrestler, Nádia P. Futur, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro, Hélio Sango KAÔ, Vagner Beef, Emerson West, Stevan Bright, Gonçalo Carrapiço Boy KAÔ, Gilberto KAÔ Ujima e Maria Costa Lady KAÔ
######Artistas convocados para residência artística nos EVC | Dougie Knight, Carlos Zagalo, Inês Martins, Jéssica Costa, Inês Bernardo, Maria Ribeiro.
######Produção | MOSJAM Associação Cultural e Artística

KRUMP Session ⎯ Dougie Knight

With the aim of supporting independent artistic creation, this program welcomes creators in the field of dance and other areas of artistic intersection, at national and international level, for a maximum period of two weeks.

Applications are accepted continuously and residencies are scheduled in our calendar on a first-come, first-served basis. Since their beginnings, the EVC have been a space where multiple languages coexist, responding in direct proportion to the needs of the artistic community.

Artist Residencies 2024

2024

Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx, Onyx.

[installation - performance - oniric | political occupation of the space]

_Are we living through the failure of utopia or a reformulation of previously ( mis)dreamed dystopias? If there is a temporal dimension, it's because things happen only in the experience, transforming abstract time into real duration, with harmony and a break from vertigo being an enemy of capitalist production. Can we dream and have it be concrete reality?_

_As if the body were not a border, as if history were not full of absences, with the certainty that imagination is absolutely essential. The ancestry of a present future. Strength may indeed lie in the ability to imagine. It's really about questioning. It's poetic. And there's pleasure. There's confrontation, I don't know about comfort._ Piny


##### Credits

##### Creation | Piny
##### Performers | Piny, Violet Scrap, Adrielle Mendes
##### Sound design | Carincur
##### DJ | Leo Soulflow
##### Dramaturgy support | Teresa Coutinho
##### Text support | Teresa Coutinho and Chullage
##### Outside look / advice | Patrícia Portela, Rita Diamond, Pedro Coquenão, other guests
##### Set design | to be determined
##### Costume design | to be determined
##### Light design | to be defined
##### Advice on color and installation | to be confirmed
##### Production | Produção d'Fusão | Filipe Metelo and Patrícia Soares

large_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

medium_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

small_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

thumbnail_ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

ÓNIX e a inércia azul do sonho destituído de realidade absoluta ⎯ PINY

Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix, Ónix.

[instalação - performance - ocupação onírico|política do espaço]

_Será que vivemos a falência da utopia ou uma reformulação de distopias anteriormente (mal)sonhadas? Se há uma dimensão temporal é porque só se realiza na vivência, transformando o tempo abstrato na duração real, sendo a harmonia e paragem da vertigem um inimigo da produção capitalista. Podemos sonhar e isso ser realidade concreta?_

_Como se o corpo não fosse fronteira, como se a história não fosse cheia de ausências, com a certeza de que a imaginação é absolutamente essencial. A ancestralidade de um futuro presente. A força pode mesmo estar na capacidade de imaginar. É para questionar mesmo. É poético. E tem prazer. Há confronto, o conforto não sei._ Piny


##### Ficha técnica

##### Criação | Piny
##### Performers | Piny, Violet Scrap, Adrielle Mendes
##### Sonoplastia | Carincur
##### DJ | Leo Soulflow
##### Apoio dramatúrgico | Teresa Coutinho
##### Apoio ao texto | Teresa Coutinho e Chullage
##### Olhares externos / aconselhamento | Patrícia Portela, Rita Diamond, Pedro Coquenão, outres convidades
##### Cenografia e montagem de espaço | a definir
##### Figurinos | a definir
##### Desenho de luz | a definir
##### Aconselhamento sobre perceção da cor e instalação | a confirmar
##### Produção | Produção d’Fusão | Filipe Metelo e Patrícia Soares

ÓNYX

large_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

medium_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

small_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

thumbnail_"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

"Stabat Mater com aroma a pêssego" ⎯ Beatriz Garrucho

_Stabat Mater com Aroma a Pêssego_ será uma performance em formato de Missa que procura cruzar o Coral do compositor Italiano Domenico Scarlatti com os rituais camponeses pagãos associados ao primeiro de Maio que remetem às colheitas agrícolas ligadas à fertilidade e amor, energia vital - fogo e colheita.
_Stabat Mater_ é um Coral do compositor italiano Domenico Scarlatt que se debruça sobre a dor de Maria ao ver Cristo na Cruz. _Stabat Mater_ em latim _Estava a mãe_, é uma prece. Sendo que existem dois hinos associados, _Stabat Mater Dolorosa_ sobre as Dores de Maria e Stabat Mater Speciosa, mais alegre, refere-se ao nascimento de Cristo.

Stabat Mater com aroma a pêssego ⎯ Beatriz Garrucho

large_"Home.M", de Daniela Andana

medium_"Home.M", de Daniela Andana

small_"Home.M", de Daniela Andana

thumbnail_"Home.M", de Daniela Andana

"Home.M", de Daniela Andana

«Mãe, Mater, aquela que gera. É das palavras mais conhecidas e antigas do mundo, mas que peso carrega esta palavra?

Uma casa, um corpo, uma mulher, uma mãe. 

Quantas vidas cabem dentro de um corpo, quantas identidades pode ter uma mãe? 

Partindo das gravuras de Louise Bourgeois, como a Femme Maison, surgem questões sobre a identidade e qual o papel da mãe, mulher no séc. XXI.»

##### Direção e coreografia, intepretação, edição musical e sonoplastia a cargo de Daniela Andana.


Home.M ⎯ Daniela Andana

medium_Residência artística CiM

small_Residência artística CiM

thumbnail_Residência artística CiM

Residência artística CiM

Como ponto de partida e inspiração desta nova criação da CiM, surge a forte poesia cantada por José Mário Branco, na música _A Noite_, onde levanta questões de fundo, de um estado de alma, que para conseguir responder é preciso humanamente entrar num ponto comum, onde a agitação e a instabilidade produzem uma mudança.

Nesta nova criação, pretende-se repensar as posições de cada intérprete, alterar as narrativas e emancipar o choque e o confronto consigo e com todos. A revolução humana é, no seu sentido mais capital, o primeiro elemento catalisador de uma mudança, capaz de incitar reações e conjunturas altamente refletoras do comportamento humano e coletivo. A natureza de cada um de nós, impregna na sociedade um sentimento de transição.

_Rh_, título provisório da peça que evoca momentos de reação humana, procura o espaço etéreo da causalidade, onde a mudança é determinada no positivo vs. negativo, a causa e o efeito, o ser molecular e o ser coletivo. _Rh_ está ao alcance de qualquer pessoa, procura uma ordem natural nos eventos, mesmo quando estoirados de Rh – revolução humana.



##### FICHA TÉCNICA

##### Direção Artística | Ana Rita Barata, Pedro Sena Nunes
##### Coreografia | Ana Rita Barata
##### Bailarinos | (a confirmar)
##### Dramaturgia | (a confirmar)
##### Música Original | José Mário Branco
##### Figurinos | Mafalda Estácio
##### Realização | Pedro Sena Nunes
##### Edição | João Dias
##### Fotografia | João Pedro Rodrigues
##### Desenho de Luz | (a confirmar)
##### Produção e Comunicação | Inês Baptista, Miguel Loureiro
##### Coordenação executiva CiM | Célia Carmona
##### Direção executiva CiM | A. Barata
##### Apoio à Criação | Espaço Rural de Artes, Pro.Dança
##### Apoios | Associação Paralisia Cerebral de Lisboa, CRPCCG – Centro de Reabilitação de Paralisia Cerebral, Calouste Gulbenkian – SCML

Rh ― CiM

_Esteira_ ["straw mat"] is a contemporary dance duet in which the expression of the bodies, the mat and the space feed into each other, bringing to light a reflection on various moments in history.

Two bodies in one story use dance and rhythmic movements, as well as other forms of bodily expression, to observe and question how the body reacts and manifests itself to each challenge and cultural experience it encounters.

The idea is to stimulate conflicts between bodies in space, recovering the primordial utility of the straw mat and its place in Mozambican culture. Through architectural (scenographic) and choreographic thinking, Fernando Machaieie and Martins Tuvanji intend to question the relationship between the increasing rhythm, the usefulness of the objects in question, their socio-cultural role and their aesthetic aspect in everyday life.

"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

large_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

medium_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

small_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

thumbnail_"Esteira" ⎯ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

_Esteira_ é um dueto de dança contemporânea em que a expressão dos corpos, a esteira e o espaço se alimentam entre si, trazendo à luz uma reflexão sobre vários momentos da história.

Dois corpos numa só história usam dança e movimentos rítmicos, assim como outras formas de expressão corporal, para observar e questionar como o corpo reage e se manifesta a cada desafio e experiência cultural com que se depara.

A ideia é impulsionar conflitos entre os corpos no espaço, resgatando a utilidade primordial da esteira e o seu papel na cultura moçambicana. Através do pensamento arquitetónico (no desenvolvimento da cenografia) e coreográfico, Fernando Machaieie e Martins Tuvanji pretendem questionar a relação entre o ritmo crescente, a utilidade dos objetos em presença, o papel sociocultural dos mesmos e a sua componente estética na vida cotidiana.

Esteira ⏤ Fernando Machaieie e Martins Tuvanji

Esteira ⏤ Fernando Machaieie & Martins Tuvanji

_Borte_ is a poetic performance for children aged 4-5 and their adults. In a universe of red birds, the ensemble opens up for philosophical wonder about what is lost and never returns, narrated through dance, music, animation, and text.

large_"Borte", de Siri Dybwick

medium_"Borte", de Siri Dybwick

small_"Borte", de Siri Dybwick

thumbnail_"Borte", de Siri Dybwick

"Borte", de Siri Dybwik

_Borte_ é uma performance poética para crianças dos 4 aos 5 anos e para os adultos que os acompanham. Num universo de pássaros vermelhos, o conjunto abre-se a um questionamento filosófico sobre o que se perde e nunca mais volta, narrado através da dança, da música, da animação e do texto.

Borte ⎯ Siri Dybwik

medium_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

small_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

thumbnail_"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

"O meu corpo não é só uma instância", de Yola Pinto & Simão Costa

Um espetáculo de dança, com músicos ao vivo, que vive da alteridade entre a presença dos corpos e as
suas imagens projetadas em tempo real e diferido. Um espectro caleidoscópico de realidades, desdobra a própria imagem e presença do corpo em múltiplos lugares, numa analogia que toca os desafios do Corpo _virtual.polifónico.multireferencial_, que todos nós temos vindo a experienciar cada vez mais.

Em parceria com o videasta João Catarino, Yola Pinto e Simão Costa convidam vários artistas a partilhar o palco, transformado num espaço heterotópico comum.

Procura contrapor a hipótese de um corpo como receptáculo e/ou meio de transporte de um intelecto com uma ideia multidimensional desse corpo inserido num sistema de vários reflexos, seguindo várias escolhas de (co) ordenação.

Aqui, a linguagem verbal, premissa basilar que permite catalogar uma visão unívoca e mensurável do mundo, dá espaço a outras formas de percepção e experiência do real circundante, para falar do inefável poder do que está para além das palavras.

Cruza inspirações das mais recentes pesquisas em neurociências (nomeadamente da literatura científica do neurocirurgião português, António Damásio), transduzidas para o modus operandis coreográfico e musical, assim como da filosofia, como é disso exemplo Frederico Campagna (in _Da Técnica à Magia_).


##### ―
##### 
##### Ficha Técnica
##### Direção artística | Yola Pinto e Simão Costa
##### Piano, eletrónica, composição sonora | Simão Costa
##### Coreografia, dramaturgia | Yola Pinto 
##### Vídeo | João Catarino
##### Assistência de criação e técnico de som | Artur Pispalhas
##### Interpretação dança | Miguel Santos
##### Bateria | Marco Santos
##### Dispositivo cénico | Sara Franqueira
##### Direção técnica e desenho de luz | Cristóvão Cunha
##### Produção executiva | YPSC_transduction
##### Apoio administrativo | MãoSimMão – associação cultural
##### Coprodução | MUDAS_Museu de Arte Contemporânea da Madeira, Cineteatro Louletano, Teatro Municipal de Bragança
##### Residências artísticas | Estúdios Vitor Cordon, Teatro Aveirense, CEA - Centro de Experimentação Artística
##### Apoio | DGArtes

O meu corpo não é só uma instância ― Yola Pinto & Simão Costa

large_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

medium_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

small_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

thumbnail_"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

"MONO-NO-AWARE", de Rafael Alvarez

_Mono-no-aware_ (物の哀れ), o «pathos das coisas», termo japonês dificilmente traduzível por «uma empatia para com as coisas» ou «uma sensibilidade especial sobre as coisas efémeras», está relacionado com a consciência e celebração da inevitável transitoriedade das coisas, assim como uma leve tristeza ou melancolia inerente ao estado de mudança, transformação e efemeridade presente na realidade e na vida quotidiana, manifestando-se também como uma expressão emocional em relação à natureza, uma forma de antecipação nostálgica da impermanência do tempo presente e do derradeiro paradoxo da vida (morte vivida) que é a sua finitude. Na literatura clássica e poesia japonesa, refere-se ao ideal estético do _mono no aware_, que implica uma sensibilidade particular de consciência e capacidade de resposta para alguma coisa, um objeto inanimado ou mesmo um ser vivo, ou uma resposta emocional sobre uma pessoa.

O projeto coreográfico interpela e convoca diferentes materiais imagéticos e poéticos, partindo deste lugar de memória e evocação, e simultaneamente de aceitação e contemplação do tempo presente e da sua transitoriedade, propondo pôr em prática um verdadeiro «laboratório criativo de coisas efêmeras», corporalizando e indagando este estado _mono no aware_. Um corpo nostálgico que se desequilibra entre dois filtros temporais e duas realidades, o passado, o presente e uma ideia de futuro. Corpos, lugares e espaços que funcionam em condições não hegemónicas são os espaços das alteridades, que não estão nem aqui nem lá, que são simultaneamente físicos e mentais. Espaços e corpos que sobrevivem fora das condições não hegemónicas. Corpo(s) da alteridade para lá do espelho da realidade.

_As imagens morrem em palco e são levadas para fora dele?_

_Se um corpo não se dissolvesse, não desaparecesse como nevoeiro, as coisas perderiam o poder de nos mover?_

##### FICHA ARTÍSTICA

##### Direção Artística, Coreografia e Realização Plástica | Rafael Alvarez
##### Cocriação e Interpretação | Mariana Tengner Barros, Noeli Kikuchi e Rafael Alvarez
##### Desenho de Luz e Direção Técnica | Nuno Patinho
##### Fotografia | Elisabeth Vieira Alvarez
##### Design Gráfico | Paulo Guerreiro
##### Produção e Difusão | BODYBUILDERS / Rafael Alvarez
##### Coprodução | Festival Transborda / Casa da Dança - Almada, Festival Citemor, Teatro das Figuras/Teatro Municipal de Faro, FMK International Dance Festival (Laos)
##### Apoio à Criação | Fundação GDA
##### Apoio à Internacionalização | Républica Portuguesa - Cultura/Direcção-Geral das Artes


Mono-no-aware ― Rafael Alvarez

"Corpo do Tempo" is the first piece by Pulsar - Companhia Do Corpo, focused on a multidisciplinary approach. The piece combines music, dance and theater through a single instrument: the body.

###### Credits
##### Creation and Direction | Marco Santos
##### Support to movement | Miguel Oliveira
##### Dramaturgy assistance | Yola Pinto
##### Production | Marco Santos, Rui Aires, Margarida Soares
##### Cast | Ana Sofia Sequeira, André Tasso, Cristina Clara, Denys Stetsenko, Eva Parmenter, Gonçalo Pereira, Marco Santos, Mariana Camacho, Mariana Frazão, Margarida Soares, Miguel Oliveira, Nazaré Pinto, Poliana Tuchia, Rafaela AmoDeo, Rui Aires, Ulisses Ruedas
##### Acknowledgements | Manuel da Luz Santos, Clara Andermatt, Simão Costa, Yola Pinto, Silvia Real
##### Support | Antena 2; Real Pelágio, MATT image & design; Menu das Artes; Companhia ACCCA; EVC - Estúdios Victor Cordon; UartM - United Art Movement; Musibéria.

large_"Corpo do Tempo", da Companhia do Corpo - Pulsar

medium_"Corpo do Tempo", da Companhia do Corpo - Pulsar

small_"Corpo do Tempo", da Companhia do Corpo - Pulsar

thumbnail_"Corpo do Tempo", da Companhia do Corpo - Pulsar

"Corpo do Tempo", da Companhia do Corpo - Pulsar

“Corpo do Tempo” é  o primeiro espetáculo da Pulsar - Companhia Do Corpo, companhia centrada no trabalho multidisciplinar que coaduna o diálogo entre Música, Dança e Teatro através de um único instrumento: O Corpo.
Este espetáculo baseia-se no método pedagógico desenvolvido por Marco Santos, que usa a percussão corporal como ferramenta para lapidar a criatividade, a expressão, a consciência do espaço e a relação entre os corpos. Busca explorar e traduzir em performance questões como a efemeridade do corpo e a sua fragilidade, os julgamentos limitantes, bloqueios emocionais e preconceitos sociais relacionados com o corpo humano, os limites físicos do corpo, não como barreira, mas ponte para novas possibilidades, e a relação entre corpo individual e coletivo. O sentido de união na heterogeneidade, as automatizações do corpo, começando por ganhar consciência delas através do foco e presença, a desmistificação do toque, o ritmo como ferramenta elementar na exploração de limites e interseções entre interior e exterior, som e silêncio, presença e ausência.

A percussão corporal é encarada de forma elástica, sem restringir o corpo ao âmbito musical. Por um lado, explora os seus movimentos e as suas relações com o espaço, ou seja, a dança acontece enquanto organiza sons e silêncios. Por outro lado, a percussão corporal expressa uma narrativa, que compõe uma dramaturgia, podendo assim evocar um campo poético. Parte-se do corpo como principal instrumento para elaborar vocabulário e linguagem que, com ou sem palavras, estabelece a comunicação com os aspetos mais subtis da existência humana.

###### Ficha técnica
##### Criação e Direção | Marco Santos
##### Assistência de Movimento | Miguel Oliveira
##### Assistência de dramaturgia | Yola Pinto
##### Produção | Marco Santos, Rui Aires, Margarida Soares
##### Elenco | Ana Sofia Sequeira, André Tasso, Cristina Clara, Denys Stetsenko, Eva Parmenter, Gonçalo Pereira, Marco Santos, Mariana Camacho, Mariana Frazão, Margarida Soares, Miguel Oliveira, Nazaré Pinto, Poliana Tuchia, Rafaela AmoDeo, Rui Aires, Ulisses Ruedas
##### Agradecimentos | Manuel da Luz Santos, Clara Andermatt, Simão Costa, Yola Pinto, Silvia Real
##### Apoios | Antena 2; Real Pelágio, MATT image & design; Menu das Artes; Companhia ACCCA; EVC - Estúdios Victor Cordon; UartM - United Art Movement; Musibéria.

PULSAR ― Corpo do Tempo

_"The Stone, the Sorrow"is based on the observation of abandoned quarries in Portugal, analyzing the acceleration of the decomposition of spaces into images and comparing them to the social conception of the notion of Family. Positioning himself on the border between the public and the private, the choreographer seeks a speed that leads the viewer to a mythological space of hospitality and disruption, where contemplation is made possible through thousands of frames per second._

###### Credits
##### Artistic Direction, Creation and Plastic Conception | Daniel Matos
##### Performers and Co-creators | Lia Vohlgemuth, Elia Pangaro and Joana Simões  
##### Artistic Collaboration, Archive, Photography and Video | João Catarino 
##### Original Soundtrack (from Debussy) | João Galante aka Coolgate 
##### Artistic consultancy | Beatriz Marques Dias
##### Technical Direction | Ana Carocinho 
##### Light Design | Manuel Abrantes
##### Stage design | Daniel Matos 
##### Costume design | Marina Tabuado
##### Communication | Maria Tsukamoto
##### Production Direction | Joana Flor Duarte
##### Production | CAMA a.c.
##### Co-Production | Teatro das Figuras, Cine-Teatro Louletano, Casa Varela/Cine-Teatro de Pombal - Município de Pombal, Município de Lagos
##### Co-Production Residency | O Espaço do Tempo, Teatro Municipal Baltazar Dias / Estúdio de Criação Artística do Funchal
##### Support | Estúdios Vítor Córdon / OPART, Espaço Alkantara, Casa da Dança de Almada, CAMADA - Centro Coreográfico, O Rumo do Fumo, A Piscina, Estúdio CAB


large_"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

medium_"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

small_"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

thumbnail_"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

"A Pedra, a Mágoa", de Daniel Matos

_A Pedra, a Mágoa parte da observação de pedreiras abandonadas em território nacional, analisando a aceleração de decomposição dos espaços em imagens e comparando-as à ideia social do conceito Família. Posicionando-se na fronteira entre o público e o privado, o coreógrafo procura uma velocidade que conduza o espectador a um espaço mitológico de acolhimento e disrupção, onde a contemplação se proporciona através de milhares de frames por segundo._

_- um Fauno para os meus pais -_

«Observei o meu país de cima. Lá, os meus pais multiplicavam-se entre cidades e vilas, construindo famílias que não eram minhas. Famílias grandes e famílias pequenas, famílias solteiras ou em grupo, com e sem casas. Mesas cheias e bolsos completamente vazios, famílias com bocas calmas e imagens que são apenas familiares no exterior. Olhando para baixo, vi também feridas abertas na terra, escavações sem fim, umas cuidadas e outras abandonadas, umas cheias de água e outras com gargantas escassas, inspeccionadas por animais de ferro a que decidimos chamar de gruas para que o trabalho pesado não fosse confundido com a exploração animal (o meu pai e a minha mãe sempre foram animais de trabalho). As famílias das pessoas e as famílias dos buracos tornaram-se demasiadas para manter a visão clara, perdi os meus pais e as suas novas famílias (que talvez sejam minhas ou então esses pais nunca me tenham pertencido). Percebo que talvez eu não esteja em lado nenhum, que tudo é um enorme buraco de pedra caída. Não há mais país, nem pais, nem família - tudo é tudo e tudo traz o princípio do nada: recomeçar uma escavação a partir de dentro.» 
― Daniel Matos

###### Ficha Artística
##### Direção Artística, Criação e Concepção Plástica | Daniel Matos
##### Performers e Co-criação | Lia Vohlgemuth, Elia Pangaro e Joana Simões
##### Colaboração Artística, Arquivo, Fotografia e Vídeo | João Catarino
##### Banda Sonora Original (a partir de Debussy) | João Galante aka Coolgate e José Cruz
##### Consultoria Artística | Beatriz Marques Dias 
##### Direção Técnica | Ana Carocinho
##### Desenho de Luz | Manuel Abrantes
##### Cenografia | Daniel Matos 
##### Figurinos | Marina Tabuado  
##### Comunicação | Maria Tsukamoto
##### Direção de Produção | Joana Flor Duarte
##### Produção | CAMA a.c.
##### Co.Produção | Teatro das Figuras, Cine-Teatro Louletano, Casa Varela/Cine-Teatro de Pombal - Município de Pombal, Município de Lagos
##### Residência de Co.Produção | O Espaço do Tempo, Teatro Municipal Baltazar Dias / Estúdio de Criação Artística do Funchal 
##### Apoio à residência | OPART|Estúdios Victor Córdon
##### Apoios | Estúdios Vítor Córdon / OPART, Espaço Alkantara, Casa da Dança de Almada, CAMADA - Centro Coreográfico, O Rumo do Fumo, A Piscina, Estúdio CAB

A Pedra, A Mágoa ― Daniel Matos

THE STONE, THE SORROW ― DANIEL MATOS

large_"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

medium_"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

small_"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

thumbnail_"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

"Mawaru", de Matilde Barbas e Miguel Santos

##### _Mawaru, Um Corpo Fascinado Flutua sem Pensamento_ é uma peça que mergulha na teoria do caos, explorando o conceito do "efeito borboleta" e sua influência nas interações humanas. Ela é uma das leis mais importantes do Universo, invisível aos nossos olhos, mas presente na matriz de praticamente tudo o que nos rodeia. A peça revela, tal como na teoria, que a mais pequena das mudanças pode desencadear eventos imprevisíveis e transformar o curso de eventos de maneira monumental.

##### Através de movimentos circulares que ecoam a sutileza das asas de uma borboleta, investiga-se a sensibilidade às condições iniciais, permitindo que o fluxo do movimento nos conduza a destinos desconhecidos. Cada frase coreográfica, inicialmente simples, evolui em direções inesperadas, refletindo a imprevisibilidade inerente à vida. _Mawaru_ explora as relações humanas, mostrando como os encontros e desencontros moldam o nosso destino, como se de um cálculo matemático se tratasse, em que a mais ligeira mudança nos surpreende com um resultado diferente. 

##### Inspirada pela poesia dos haikus japoneses, a peça convida o público a explorar um leque infinito de possibilidades interpretativas. Como a flutuação de fatores que impedem a previsibilidade, as relações entre os personagens são influenciadas por uma miríade de fatores, cada um contribuindo para um padrão único e imprevisível. À medida que se desafia as fronteiras das interpretações, a dramaturgia de "Mawaru" segue o mesmo princípio do caos determinístico, oferecendo ao público o poder de moldar sua própria experiência. Como o universo que nos cerca, "Mawaru" é uma reflexão física sobre a imprevisibilidade da vida e a beleza encontrada nas infinitas possibilidades da dança. 


###### Ficha Técnica

##### Conceito e Coreografia | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Interpretação | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Edição Musical | A definir
##### Música | Hiromitsu Agatsuma
##### Figurino | Matilde Barbas e Miguel Santos
##### Desenho de luz | Matilde Barbas e Miguel Santos


Mawaru ⏤  Matilde Barbas & Miguel Santos

##### IMERSÃO is an annual interdisciplinary project created by QUEER ART LAB, which presents itself as an artistic creation laboratory aimed at LGBTQI+ people. This year, the IMERSÃO Art Labs will be mentored by Brazilian director, dancer, actress and producer Gaya de Medeiros. 

##### Queer Art Lab will work with 4 emerging artists, each of whom will create a piece lasting at least 20 minutes over the course of a 6-week residency. This piece will be a first approach to what the artist wants to develop or a continuation of the process. Phase 3 of the project takes place between March 25 and April 24, 2024 in Lisbon, and in the first week of creation the artists will be in residence at the EVC, with mentor Gaya de Medeiros.


##### The pieces created will be presented in October 2024 at the IMERSÃO Festival.


###### A QUEER ART LAB project
###### Mentoring 
##### Gaya de Medeiros
###### Artists
##### Dai, Izabel Nejur, Luan Okun, Suh Pat
###### Creative Direction 
##### Ary Zara


large_"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

medium_"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

small_"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

thumbnail_"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

"Imersão", de Gaya de Medeiros, Queer Art Lab

##### IMERSÃO é um projeto anual e interdisciplinar criado pelo QUEER ART LAB que se apresenta como um laboratório de criação artística direcionado a pessoas LGBTQI+. Este ano, os Laboratórios Artísticos IMERSÃO terão mentoria da encenadora, bailarina, atriz e produtora brasileira Gaya de Medeiros. 

##### O Queer Art Lab irá trabalhar com 4 artistas emergentes, e cada um(a) deles(as) irá criar uma peça com uma duração mínima de 20 minutos ao longo de 6 semanas de residência. Esta criação será uma primeira abordagem ao que o(a) artista pretende desenvolver ou uma continuação de processo. A fase 3 do projeto decorre entre 25 de março e 24 de abril de 2024 em Lisboa, e na primeira semana de criação os artistas estarão em residência nos EVC, com a mentora Gaya de Medeiros.


##### As peças criadas serão apresentadas em outubro de 2024, no Festival IMERSÃO.

######  Um projeto do QUEER ART LAB
###### Mentoria 
##### Gaya de Medeiros
###### Artistas
##### Dai, Izabel Nejur, Luan Okun, Suh Pa
###### Direção Criativa 
##### Ary Zara



Laboratórios Artísticos IMERSÃO ― Queer Art Lab + Gaya de Medeiros

IMERSÃO Art Laboratories ― Queer Art Lab + Gaya de Medeiros

###### Credits
##### Author | João dos Santos Martins
##### Performers | Adriano Vicente, Ana Rita Teodoro, Connor Scott, João dos Santos Martins, Natacha Campos, Noel Quintela, Sofia Kafol, Teresa Silva
##### Costumes | Constança Entrudo
##### Light | Filipe Pereira, Joana Mário
##### Vocal support | Joana Nascimento
##### Music from Horse Sings from Cloud (1975), by Pauline Oliveros
##### Production and management | João dos Santos Martins, Lysandra Domingues, Sofia Lopes | Associação Parasita
##### Coproduction | Associação Parasita, Culturgest, Teatro Municipal do Porto
##### Residencies | Espaço Parasita, Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo, PRO.DANÇA
##### Acknowledgements | Dani Issler 

large_"vida e obra", de João dos Santos Martins

medium_"vida e obra", de João dos Santos Martins

small_"vida e obra", de João dos Santos Martins

thumbnail_"vida e obra", de João dos Santos Martins

"vida e obra", de João dos Santos Martins

_O mundo está constantemente a escapar-nos. O presente é um lugar de disputa entre o passado vivido e o futuro por vir. Como pensar o corpo e o seu movimento como um rastro e ao mesmo tempo uma projeção? Uma tentativa de curvar o tempo para a frente e para trás em simultâneo, como um processo de memória e de devir. Habitar uma temporalidade espiralar na qual o corpo vibra em escuta profunda, contra a linearidade e o separatismo espacial. Desarmar as categorias de sujeito e de objeto para ser-se movido por algo além de si mesmo. Um esforço de convivência de linguagens entre movimento e voz que ressoam e fazem o corpo transbordar enquanto textura, sensualidade e sensação, expandindo-se a uma condição imanente, movendo-se em direção à carne._ ―  João dos Santos Martins

###### Ficha artística

##### Autoria | João dos Santos Martins 
##### Interpretação | Adriano Vicente, Ana Rita Teodoro, Connor Scott, João dos Santos Martins, Natacha Campos, Noel Quintela, Sofia Kafol e Teresa Silva
##### Figurinos | Constança Entrudo
##### Luz | Filipe Pereira, Joana Mário
##### Música | a partir de _Horse Sings from Cloud_ (1975) de Pauline Oliveros
##### Apoio Vocal | Joana Nascimento
##### Produção e administração | João dos Santos Martins, Lysandra Domingues, Sofia Lopes | Associação Parasita
##### Coprodução | Associação Parasita, Culturgest, Teatro Municipal do Porto
##### Residências | Espaço Parasita, Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo, PRO.DANÇA
##### Agradecimentos | Dani Issler 


João dos Santos Martins ― vida e obra

_Traces of memory, traces of blue. How do we create traces with dance, the most ephemeral of arts? How is it possible for blue to be linked to forgetfulness, memory and nostalgia? What traces has the color blue left in history? A performance around traces and memory, and the color blue._

###### Public event
## open rehearsal
###### APRIL 29
###### 8.30pm

large_"Vestígios de Azul", de Helena Dawin

medium_"Vestígios de Azul", de Helena Dawin

small_"Vestígios de Azul", de Helena Dawin

thumbnail_"Vestígios de Azul", de Helena Dawin

"Vestígios de Azul", de Helena Dawin

_Vestígios da memória, vestígios de azul. Como criamos vestígios com a dança, a arte mais efémera? Como é possível o azul estar ligado tanto ao esquecimento como à memória e às saudades? Quais os vestígios que a cor azul deixou na história? Uma performance à volta dos vestígios e da memória, e da cor azul._

Helena Dawin está em residência artística nos EVC no contexto do programa _Em Trânsito_, através do qual os EVC mantêm uma colaboração contínua com vários festivais. _Vestígios de Azul_ foi o trabalho selecionado para integrar o programa SPRING!, da Rede MORE, na edição de 2023/2024. SPRING! oferece ferramentas de apoio à criação e produção artísticas nas suas diferentes fases, com o intuito de apoiar e realçar a importância dos processos como espaço de experimentação, reflexão e partilha e cumplicidade em carreiras artísticas sustentáveis e autónomas. 

Além de três períodos de residência (nos Estúdios Victor Córdon, Forum Dança, Polo Cultural Gaivotas e Espaço Alkantara), foi atribuída ao projeto de Helena Dawin uma bolsa de criação e este será apresentado na 5ª edição do Encontro Bienal de Artes Performativas - (Re)union.

###### REDE MORE
##### A Rede More é uma associação cultural sem fins lucrativos que atua no contexto nacional e internacional no campo das artes performativas e tem como objetivos promover a criação, investigação e capacitação artísticas através do desenvolvimento e fortalecimento de ligações entre todos aqueles que fazem das artes performativas o seu universo artístico.

###### SOBRE A ARTISTA
##### Helena Dawin estudou Literatura, Psicologia e Estudos Latino-Americanos e formou-se pela Dance Intensive na Tanzfabrik Berlin. Frequentou também o Programa de Estudo, Pesquisa e Criação Coreográfica (PEPCC) do Fórum Dança e foi bolseira do Danceweb Programme em 2015. Atualmente, continua a desenvolver o seu trabalho de pesquisa coreográfica de forma independente. Inspirada pelo livro _Blue: In Search of Nature's Rarest Color_, em _Vestígios de Azul_ a artista revisita os temas do vestígios e da memória - e recentemente da cor azul - como conceitos inextricavelmente ligados.

###### Evento público
## ensaio aberto
###### 29 ABRIL
###### 20H30

Vestígios de Azul  ⎯ Helena Dawin

Traces of Blue  ⎯ Helena Dawin

_This quartet, is a choreographic explora8on that goes beyond tradi8onal boundaries, blending the technical precision of point work with the expressive freedom of contemporary dance. The choreography is a testament to the idea that, despite our diverse backgrounds, we dancers share a common ground._

_The choreography goes into the notion that despite external differences, we are united by our shared experiences and emotions. (...) Through the language of movement, my goal is to take apart preconceived notions and societal biases, creating a sense of shared humanity among performers and audience alike._

###### CREDITS
##### Performers | Beatriz Mira, Gonçalo Andrade, Lucas Ribeiro, Rita Ferreira
##### Music | TBD
##### Lights | Ana Isabel Casquilho
##### Costumes | TBD

large_"TBD", de Ana Isabel Casquilho

medium_"TBD", de Ana Isabel Casquilho

small_"TBD", de Ana Isabel Casquilho

thumbnail_"TBD", de Ana Isabel Casquilho

"TBD", de Ana Isabel Casquilho

_Este quarteto é uma exploração coreográfica que ultrapassa as fronteiras tradicionais, misturando a precisão técnica do trabalho de pontas com a liberdade expressiva da dança contemporânea. A coreografia será um testemunho da ideia de que, apesar das nossas origens diversas, nós, bailarinos, partilhamos uma base comum._

_A coreografia aborda a noção de que, apesar das diferenças externas, estamos unidos pelas nossas experiências e emoções. (...) Através da linguagem do movimento, o meu objetivo é desmontar noções preconcebidas e preconceitos sociais, criando um sentimento de
humanidade partilhada entre os intérpretes e o público._

###### Ficha artística
##### Intérpretes | Beatriz Mira, Gonçalo Andrade, Lucas Ribeiro, Rita Ferreira
##### Música | TBD
##### Luzes | Ana Isabel Casquilho
##### Figurinos | TBD

Ana Isabel Casquilho — TBD

_NORMA_ ["norm"] is a dance, circus and performance piece that is site-specific and under constant construction. 
The spectator is invited to be part of the work, and the body acts as a discourse of intersection between art and life. The body is observed as a unique experience, in the duality of a gravitational space and a space without gravity. Witnesses to a game of resistance and risk, where limits are relative, in that they will always be restricted, but not restrained. 

The work is inspired by Heinrich Von Kleist's text _On the Marionette Theatre_ and reflects on the context of Portuguese eugenics, in which the Mitra asylum (abolished in 1960) served to institutionalize people who fell out of the norm. A piece that encourages us to look at history and reflect on the place of social violence that contributed to exclusion practices and the marginalization of communities that were not within the norm.


###### Credits

##### Artistic direction | Diana Niepce
##### Performers | Diana Niepce, Eric Santos, Lucas Damiani, Sara Garcia, Tarlie Lumby, Rebeca Mateus
##### Sound: Diogo Melo
##### Costumes | Silvana Ivaldi
##### Technical direction | Roger Madureira
##### Illustration | Maria Abrantes
##### Production | Joana Costa Santos
##### Pre-production | Produção d'Fusão
##### Co-production | As Niepce's, Teatro Nacional D.Maria II
##### Co-production in residence | O Espaço do Tempo, Estúdios Victor Córdon
##### Support | Directorate General for the Arts

large_"Norma", de Diana Niepce

medium_"Norma", de Diana Niepce

small_"Norma", de Diana Niepce

thumbnail_"Norma", de Diana Niepce

"Norma", de Diana Niepce

_NORMA_ é uma peça de dança, circo, performance em _site-specific_  e em constante construção. 
O espectador é convidado a fazer parte da obra, e o corpo atua enquanto discurso de intersecção entre a arte e a vida. O corpo é observado enquanto experiência única, na dualidade de um espaço gravitacional e de um espaço sem gravidade. Testemunhas de um jogo de resistência e risco, onde os limites são relativos, na medida em que serão sempre restringidos, mas não coibidos. 

A obra inspira-se no texto _Sobre o Teatro de Marionetes_, de Heinrich Von Kleist e faz uma reflexão sobre o contexto de eugenia portuguesa, em que o albergue da Mitra (extinto em 1960), deu resposta à institucionalização de pessoas fora da norma. Uma criação que incita a observar a história e refletir sobre o lugar de violência social que contribuiu para práticas de exclusão e para a marginalização de comunidades fora da norma.


###### Ficha Técnica

##### Direção artística | Diana Niepce
##### Interpretação | Diana Niepce, Eric Santos, Lucas Damiani, Sara Garcia, Tarlie Lumby, Rebeca Mateus
##### Som: Diogo Melo
##### Figurinos | Silvana Ivaldi
##### Direção técnica | Roger Madureira
##### Ilustração | Maria Abrantes
##### Produção | Joana Costa Santos
##### Pré-produção | Produção d’Fusão
##### Coprodução | As Niepce’s, Teatro Nacional D.Maria II
##### Coprodução em residência | O Espaço do Tempo, Estúdios Victor Córdon
##### Apoio | Direção Geral das Artes



NORMA ⎯ Diana Niepce 

_We often experience a quiver in the nose. The chin trembling. The bladder in our eyes filling up. 
The urge to cry. 
Because we're sad, because shampoo gets in our eyes, 
because we've been given good news or because laughing also makes us cry. 
As we grow up, we create a unique relationship with this urge._


###### Credits
##### Creation | Maria Abrantes
##### Performers | Pedro Matias, Ana de Oliveira e Silva, Laura Boque
##### Music | Noiserv
##### Artistic assistance | Sara Anjo
##### Artistic consultant |  Vânia Rovisco
##### Costumes and set design | Maria Abrantes and Rafael Dos Santos 
##### Light design | Tomé Ferreira
##### Audiovisual recording | João Sanchez
##### Support | Opart | Estúdios Victor Córdon
##### Hosting venues | ADDK Portugal,  Armazém 22

###### Bio note 
Maria Abrantes (Ereira, 1998) is a performer, creator and artist. She expresses her work through the body, choreography, illustration, writing, tattooing and sculpture. She is now developing her first piece for children, entitled _Que Vontade de Chorar_ [What an Urge to Cry].


large_"Que Vontade de Chorar", de Maria Abrantes

medium_"Que Vontade de Chorar", de Maria Abrantes

small_"Que Vontade de Chorar", de Maria Abrantes

thumbnail_"Que Vontade de Chorar", de Maria Abrantes

"Que Vontade de Chorar", de Maria Abrantes

_Muitas vezes sentimos um arrepio no nariz. O queixo a tremer. A bexiga dos olhos a encher. 
É uma vontade de chorar. 
Porque estamos tristes, porque entra champô para os olhos, 
Porque recebemos boas notícias ou porque rir também nos faz chorar. 
À medida que crescemos criamos uma relação única com essa vontade._


###### Ficha artística
##### Criação | Maria Abrantes
##### Performers | Pedro Matias, Ana de Oliveira e Silva, Laura Boque
##### Música | Noiserv
##### Assistência artística | Sara Anjo
##### Consultoria | Vânia Rovisco
##### Figurinos e cenografia | Maria Abrantes e Rafael Dos Santos 
##### Desenho de luz |Tomé Ferreira
##### Registo audiovisual | João Sanchez
##### Apoio à criação | Opart | Estúdios Victor Córdon
##### Acolhimento | ADDK Portugal ; Armazém 22

###### Nota biográfica 
Maria Abrantes (Ereira, 1998) é performer, criadora e artista plástica. Manifesta o seu trabalho através do corpo, da coreografia, da ilustração, da escrita, da tatuagem e da escultura. Desenvolve agora a sua primeira criação para a infância, intitulada _Que Vontade de Chorar_.


Que Vontade de Chorar ⎯ Maria Abrantes

_"OVNI – unidentified visible object" is a disciplinary cross between image, dance and sound environment.Through the performer's body and its relationship with a tent, the piece/performance constructs through the notions of dwelling, living, sheltering and being born in the contemporary world. A desire to reflect cities, their territorial contours and ways of living on Earth and beyond, in which visual narratives are inspired from the poetic and political images of: folds, house, space, uterus, ufo and migrations._

###### Credits

##### Project conception | Dally Schwarz
##### Artistic direction | Dally Schwarz and Marcos Aganju
##### Choreographic creation, text and performance | Dally Schwarz
##### Sound creation and performance | Marcos Aganju
##### Costume Design | Erika Schwarz
##### Costume maker | Judite de Lima
##### Support - Studios for rehearsals and creation | c.e.m - centro em movimento/ Lisboa (2023/2024), CPBC / Lisboa (2023)
##### Support - work-in-progress open studio | Movement Research/ New York (2023), Festival Pedras 2023/ Lisbon (2023), Rede More Associação Cultural/ Lisbon, Festival Reunion 2022/ Lisbon
##### Support - Artist Residencies | Dansverkstæði/ Reykjavik (2024), Teatro Viriato/ Viseu (2024), Casa Cronópios / Salvador (2024), Oficinas do Convento/ Lisbon (2024), Devir Capa/ Faro (2024), Estúdios Victor Córdon (2024)

large_"OVNI", de Dally Schwarz & Marcos Aganju

medium_"OVNI", de Dally Schwarz & Marcos Aganju

small_"OVNI", de Dally Schwarz & Marcos Aganju

thumbnail_"OVNI", de Dally Schwarz & Marcos Aganju

"OVNI", de Dally Schwarz & Marcos Aganju

_"OVNI – objeto visível não identificado"_ é um cruzamento disciplinar entre imagem, dança e ambiente sonoro. Através do corpo da performer e sua relação com uma tenda, constrói-se uma peça acerca das noções de habitar, viver, abrigar e nascer no mundo contemporâneo. Um desejo de refletir cidades, seus contornos territoriais e formas de viver na Terra e fora dela, em que narrativas visuais são desenhadas a partir das imagens poéticas e políticas de: dobras, casa, espaço, útero, ufo e migrações.


###### Ficha técnica

##### Concepção do projeto | Dally Schwarz
##### Direção artística | Dally Schwarz e Marcos Aganju
##### Criação coreográfica, texto e performance | Dally Schwarz
##### Criação e performance sonora | Marcos Aganju
##### Figurino | Erika Schwarz
##### Modelista/Costureira | Judite de Lima
##### Apoios - Estúdios para ensaios e criação |  c.e.m – centro em movimento/ Lisboa (2023/2024), CPBC / Lisboa (2023)
##### Apoios - Mostras de Partilha de Processo | Movement Research/ New York (2023), Festival Pedras 2023/ Lisboa (2023), Rede More Associação Cultural/ Lisboa, Festival Reunion 2022/ Lisboa
##### Apoios - Residências Artísticas | Dansverkstæði/ Reykjavik (2024), Teatro Viriato/ Viseu (2024), Casa Cronópios / Salvador (2024), Oficinas do Convento/ Lisboa (2024), Devir Capa/ Faro (2024), Estúdios Victor Córdon (2024)

OVNI — Dally Schwarz & Marcos Aganju

A body that listens. What can a body do? What can a listening body do? It listens to Prokofiev and listens to itself. A fleeing body. A body having fugitive visions. Phantasmagoria. The flight of bodies. What’s the point of fleeing? Where to search. Where to listen from. From the fog. A body of gas.

large_"Escuta fugitiva", de Abel Rojo e Edgar Ariel

medium_"Escuta fugitiva", de Abel Rojo e Edgar Ariel

small_"Escuta fugitiva", de Abel Rojo e Edgar Ariel

thumbnail_"Escuta fugitiva", de Abel Rojo e Edgar Ariel

"Escuta fugitiva", de Abel Rojo e Edgar Ariel

Um corpo que escuta. O que um corpo pode fazer? O que um corpo ouvinte pode fazer? Ele ouve Prokofiev e ouve a si mesmo. Um corpo em fuga. Um corpo que tem visões fugitivas. Phantasmagoria. A fuga dos corpos. Qual é o ponto de fuga? Onde procurar. De onde ouvir. Do nevoeiro. Um corpo de gás.

Escuta fugitiva ― Abel Rojo e Edgar Ariel

Escuta fugitiva ― Abel Rojo and Edgar Ariel

_This is a project that focuses on the search for sensibilities, a project about the non-binary trans body in search of its own masculinity. This is an autobiographical project, about my transition from the macho language I absorbed through hip-hop to finding a healthier masculinity within other forms of dance. This is a body that navigates memory and the construction of a new memory, the construction of a future. I work on blending various dancing styles. In waving, in Vogue, in ballroom dance, I find gender expressions that fit into a non-binary framework, and which consequently put forth a new way of living and of socially repositioning the body, in an attempt to answer the question: “How does a non-binary body dance? Why is it important to create a non-toxic transmasculinity, and what does that mean? Why are transmasculinities invisible? Why do we hide?_

##### _The name “primarosa” comes from “primrose”. The first flower to bloom in early spring. It means beginning, transformation, cure. A goodbye, a death, which brings forth something new, a rebirth, a new body. A desire to create new concepts and ideas._ — Eríc Amorim dos Santos

###### Credits
##### Creator / performer | Eríc Santos
##### Dramaturgy | Maurícia Neves
##### Sound design | Rui Lima and Sérgio Martins
##### Production assistant | Catarina Corujeira

large_Eric Santos.jpg

medium_Eric Santos.jpg

small_Eric Santos.jpg

thumbnail_Eric Santos.jpg

"Prima rosa", de Eríc Santos

_Este é um projeto que se foca na procura das sensibilidades, é um projeto sobre o corpo trans não binário à procura da sua própria masculinidade. Este é um projeto autobiográfico, é sobre a minha transição da linguagem machista que carrego do hip hop para encontrar uma masculinidade mais saudável dentro de outras danças. Este é um corpo que navega pela memória e pela construção de uma nova memória, uma construção de futuro. Trabalho sobre a fusão de vários estilos. Encontro no waving, no Vogue, nas danças de salão, expressões de género que encaixam numa não-binariedade, e que por consequência trazem uma nova proposta de vivência e de recolocação do corpo a nível social, numa tentativa de responder à pergunta: Como dança um corpo não-binário? Qual a importância de criar uma transmasculinidade não-tóxica, e o que é isso? Porque são as transmasculinidades invisíveis? Porque nos escondemos?_

##### _O nome "primarosa" vem de "primrose". A primeira flor que abre no início da primavera. Significa começo, transformação, cura. Uma despedida, uma morte, que gera um novo, um renascer, um novo corpo. Uma vontade de gerar novos conceitos e ideias._ ― Eríc Amorim dos Santos

###### Ficha artística
##### Criador / Intérprete | Eríc Santos
##### Dramaturgia | Maurícia Neves
##### Sonoplastia | Rui Lima e Sérgio Martins
##### Assistente de produção | Catarina Corujeira

 Eríc Amorim dos Santos ― Prima rosa

_Andar para trás_ ("Moving Backwards") builds a fable, a possible history of movement, moving backwards, from front to back. It outlines a path towards the future by looking at the past and reflecting on the invasive and infesting nature of the human race, which explores earth materials as capital, exhausting the ecosystem. 

This danced fable thus evokes an ecosystem inhabited by hybrid and symbiotic creatures whose allegorical and pictorial character reflects and creates possible points of view for the future. It also raises questions like: What is your environment? What is your horizon? What do you find out when you walk? What does the future tell you?

###### Credits

##### Staging: Sara Anjo
##### Performers: Sara Anjo, Mickaella Dantas
##### Sound design: Artur Pispalhas
##### Set design: Martina Manyà
##### Costume design: Marisa Escaleira
##### Technical direction and lighting design: Carin Geada
##### Outside perspective and voice training: Flora Détraz
##### Production: Sara Anjo and Agência 25 | Vítor Alves Brotas
##### Distribution: Pia Krämer | Cliff Catalyst
##### Residences: Opart | Estúdios Victor Córdon, Teatro Viriato, O Espaço do Tempo
##### Support: LU.CA, Teatro Viriato

large_Andar para trás ⎯ Sara Anjo

medium_Andar para trás ⎯ Sara Anjo

small_Andar para trás ⎯ Sara Anjo

thumbnail_Andar para trás ⎯ Sara Anjo

Andar para trás ⎯ Sara Anjo

_Andar para trás_ constrói uma fábula, uma possível história do movimento, fazendo uma caminhada em sentido inverso e de reverso. Traça um caminho em direção ao futuro olhando o passado e refletindo sobre a natureza invasiva e infestante da espécie humana, natureza essa que explora as matérias da terra enquanto capital, levando ao esgotamento do ecossistema.

Esta fábula dançada evoca, assim, um ecossistema habitado por seres híbridos e simbióticos, cujo caráter alegórico e imagético reflete e cria possíveis pontos de vista para o futuro. Coloca também perguntas como: Qual é o teu meio? Qual é o teu horizonte? O que descobres quando caminhas? O que te diz o futuro?

###### Ficha técnica

##### Direção: Sara Anjo
##### Interpretação: Sara Anjo, Mickaella Dantas, 1 intérprete a definir
##### Sonoplastia: Artur Pispalhas
##### Cenário: Martina Manyà
##### Figurinos: Marisa Escaleira
##### Direção técnica e desenho de luz: Carin Geada
##### Olhar externo e trabalho de voz: Flora Détraz
##### Produção: Sara Anjo e Agência 25 | Vítor Alves Brotas
##### Difusão: Pia Krämer | Cliff Catalyst
##### Residências: Opart | Estúdios Victor Córdon, Teatro Viriato, O Espaço do Tempo (por confirmar)
##### Apoio: LU.CA, Teatro Viriato



Prática Diária

Daily classical and contemporary dance practice designed for professional dancers and those in the process of becoming professional dancers. The diversity of the teachers' proposals is intended to mirror our approach to what a dance practice can be today. The monthly schedule of daily practices is available in the schedule.

###### Classical Dance
Mon - Wed - Fri: 10am – 11:15am

###### Contemporary Dance
Tue - Thu: 10am – 11:15am

###### Price
3€ / class (insurance required)


###### Classical Dance
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

###### Contemporary Dance
Tue – Thu: 10am – 11:15am

###### Price
3€ / class (insurance required)


Daily Practice

##### CLASSICAL DANCE
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

##### CONTEMPORARY DANCE
Tue – Thu: 10am – 11:15am

##### PRICE
3€ / class (insurance required)

DAILY CLASSES ⏤ March

###### CLASSICAL DANCE
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am 

###### CONTEMPORARY DANCE
Tue – Thu: 10am – 11:15am 

###### PRICE
3€ / class (insurance required)

DAILY CLASSES ⏤ APRIL

###### CLASSICAL DANCE
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

###### CONTEMPORARY DANCE
Tue – Thu: 10am – 11:15am

###### PRICE
3€ / class (insurance required)

DAILY CLASSES ⏤ MAY

Daily Classes ⎯ July

###### CLASSICAL DANCE
##### Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

###### CONTEMPORARY DANCE
##### Tue – Thu: 10am – 11:15am

###### PRICE
##### 3€ / class (insurance required)

DAILY CLASSES ⏤ JUNE

###### CLASSICAL DANCE
##### Mon – Wed – Fri
##### 10am – 11:15am

###### CONTEMPORARY DANCE
##### Tue – Thu
##### 10am – 11:15am

###### PRICE
3€ / class (insurance required)

Daily Classes ⎯ October

Daily Classes ⎯ November

Daily Classes ⎯ December

###### Classical Dance
Mon – Wed – Fri: 10am – 11:15am

###### Contemporary Dance
Tue – Thu: 10am – 11:15am

###### Price
3€ / class (insurance required)

Daily Classes ⏤ February

Daily Classes ⏤ March

Daily Classes ⏤ April

Daily Classes ⏤ May

DAILY CLASSES ⏤ July

Daily Classes ⏤ September

Práticas diárias de dança clássica e contemporânea destinadas a intérpretes profissionais ou em vias de profissionalização na área da dança. A diversidade das propostas de formadores pretende espelhar um pensamento acerca do que pode constituir uma prática de dança nos dias de hoje. O calendário mensal da prática diária está disponível na agenda.

###### Dança Clássica
2.ª - 4.ª - 6.ª feiras: 10h00 - 11h15

###### Dança Contemporânea
3.ª - 5.ª feiras: 10h00 - 11h15

###### Preço
3€/aula (seguro obrigatório)



Schedule