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Residências artísticas 2023

Santarém, Portugal, 1986.

Nuno Labau

Suíça, 1996.

Mélanie Ferreira

Sal, Cabo Verde, 1979.

Marlene Monteiro Freitas

Brasil, 1983.

Ricardo Ambrózio

França, 1995.

Beatriz Soares Dias

Lisboa, Portugal, 1976.

Rafael Alvarez

Lisboa, Portugal, 1983.

Marta Cerqueira

Lisboa, Portugal, 1979.

Simão Costa

Lisboa, Portugal.

Pedro Ramos

Maria Antunes

Portugal, 1966.

Vera Mantero

Beira, Moçambique, 1972.

Carla Bolito

Coimbra, Portugal, 1978.

Joana Pupo

Vila Franca de Xira, Portugal. 1999.

Hugo Cabral Mendes

Portugal

Ana Bigotte Vieira

Ana Dinger

Santarém, Portugal, 1980.

Carlos Manuel Oliveira

Póvoa de Santarém, Portugal, 1989.

João dos Santos Martins

Programa de apoio à criação artística independente que acolhe criadores na área da dança e outras áreas de cruzamento artístico, a nível nacional e internacional, por um período máximo de duas semanas. Desde a sua génese, os EVC são um espaço de coabitação de múltiplas linguagens, agindo numa resposta direta às necessidades da comunidade artística.


_Coreografia para uma santificação_ surge a partir de figuras mitológicas e bíblicas, como a Salomé, Maria Madalena, Helena de Tróia. Um espetáculo que questiona a ligação entre o sagrado e o profano, o corpo como lugar de anunciação, milagre, pecado, desejo e aurora. A dança como espaço privilegiado do ritual e da pesquisa do êxtase. O fulgor sexual como oração revolucionária, de resistência e procura de milagres quotidianos. Um bailado de aproximação ao inexplicável, à transcendência.
Desta feita e pelas palavras de Giorgio Agamben, desta colaboração pretende-se uma “obra da salvação que coincide aqui ponto por ponto com a obra da criação, que desfaz e descria no próprio instante em que a transporta e acompanha no ser.” E ao corpo, à performer, pede-se a transcendência, “a criatura, porque se perde, não pode deixar de se perder (...) criação e salvação coincidem no insalvável.” 
 
Direção artística | Mélanie Ferreira e Tiago Vieira
Coreografia e interpretação | Mélanie Ferreira
Coaching | Tiago Vieira
Cenografia, som, luz e figurinos | Tiago Vieira
Registo fotográfico e de vídeo | Bruno Simão
Produção | Mélanie Ferreira e Self-mistake
Apoio a residências artísticas | Latoaria (Lisboa), C.e.m. (Lisboa), Estúdios Vítor Cordon (Lisboa), Teatro Viriato (Viseu), TRUST Collective
(Arganil) e Cisterna da Faculdade das Belas Artes (Lisboa)
Apoio| Self-Mistake

Coreografia para uma santificação

_Lulu_, ópera incompleta de Alban Berg, é a primeira ópera dodecafónica a ser composta. Estreou em 1937 e em 2023, Marlene Monteiro Freitas e o maestro Maxime Pascal, revisitam esta ópera, num juntar de forças entre MusikTheater an der Wien, Wiener Festwochen, Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo e Dgartes.


Um projeto de Wiener Festwochen and Theater an der Wien
_Música_ Alban Berg
_Texto_ Frank Wedekind, baseado nas tragédias Earth Spirit e Pandora’s Box
_Conceito e direção_ Marlene Monteiro Freitas
_Maestro _Maxime Pascal
_Orquestra_ ORF Radio-Symphonieorchester Wien
_Com_ Vera-Lotte Boecker (Lulu), Bo Skovhus (Dr. Schön), Edgaras Montvidas (Alwa), Cameron Becker (Maler), Anne-Sofie von Otter (Gräfin Geschwitz), Kurt Rydl (Schigolch), Katrin Wundsam (Garderobiere / Gymnasiast), Martin Summer (Tierbändiger, Athlet), Paul Kaufmann (Prinz, Kammerdiener)
_Desenho de luz_ Yannick Fouassier
_Cenário_ Marlene Monteiro Freitas, Yannick Fouassier
_Dramaturgia_ Armin Kerber
_Pesquisa_ João Figueira
_Assistente musical_ Cláudio Silva
_Assistente de coreografia_ Andreas Merk, Hsin-Yi Hsiang
_Produção executiva_ Joana Costa Santos, Soraia Gonçalves
_Apoio_ Wiener Festwochen
_Produção_ Wiener Festwochen, Theater an der Wien
_Colaboração _ P.OR.K (Lisboa)
_Residências_ Estúdios Victor Córdon (Lisboa), O Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo), CN D Centre national de la danse (Paris), Fabbrica del Vapore (Milano)

LULU ⎯ Marlene Monteiro Freitas

_NEON 80_ traça o seu labirinto, inspirada nos conceitos de cyberpunk, cyberspace, cyborgbody e video game. Enaltece o lado marginal do ser humano, o lado da sobrevivência, da oposição às regras, da possibilidade de escolha e do lugar da liberdade do indivíduo, anulando o género binário e defendendo uma prótese como um membro integrante do corpo humano.

###### Ficha Artística
Conceito & Performance
Beatriz Dias
Criação Sonora 
Miguel Lucas Mendes
Obra Cenográfica
André de Campos & Miguel Justino
Figurinos
Beatriz Dias & Miguel Justino
Apoio à Dramaturgia & Desenho de Luz 
André de Campos
Produção e Difusão 
Filipe Metelo e Patrícia Soares
Casa de Produção 
Produção d’Fusão
Coprodução 
Centro Cultural de Belém, Cine-Teatro Louletano e Companhia Olga Roriz 
Apoio à criação 
Estúdios Victor Córdon, Fundação GDA, O Espaço do Tempo

NEON 80

_Violência das coisas insensíveis_ é a nova criação do coreógrafo Nuno Labau em residência nos EVC. A peça parte da ideia do cansaço e das rotinas inerentes  às dinâmicas das grandes cidades. Representativo da rotina, o trabalho foca-se na pressa, na impermeabilidade ao próximo, na repetição de gestos e, sobretudo, no cansaço que esta origina. 
Nuno Labau, formou-se na Escola Profissional  de Artes e Ofícios do Espectáculo (Chapitô) e licenciou-se em Dança, na Escola Superior de Dança. Estagiou na Companhia Portuguesa de  Bailado Contemporâneo, onde trabalhou com Benvindo Fonseca, André Mesquita e Vasco Vallencamp. Atualmente é presidente da associação cultural Vaca Magra.

 

Violência das coisas insensíveis

O simbolismo do gigante _Adamastor_, criado por Sidónio Apolinário e famoso por Camões em "Os Lusíadas", é o ponto de partida para a nova criação de Ricardo Ambrozio. Neste trabalho, _Adamastor_ é representativo da luta individual de cada artista que é confrontado com os medos e dúvidas. À medida que cada intérprete luta a sua própria batalha, o público é convidado a mergulhar nas histórias de resistência, vencendo desafios e aceitar a mudança, pois o trabalho encoraja-nos a mudar o curso do navio que navegamos todos os dias.

###### Conceito, direcção
Ricardo Ambrózio & Goncalo Ferreira

###### Interpretação, Performance
António Bollaño, Clémence Peytoureau, Emilio Bagnasco, Francisca Rodrigues, Teodora Vuijkov

###### Dramaturgia
Ali Clarke

###### Desenho de luz
Goncalo Ferreira & Clémence Peytoureau

###### Produção e Administração
Martina R. Ambrózio, Bernarda Bernardo

###### Coprodução
Associação Ilú, Untamed Produções 

###### Apoio
Câmara Municipal de Torres Vedras

Adamastor ⎯ Ricardo Ambrozio

_Chance It_ é um projeto europeu de pesquisa e criação, promovido pela estrutura de dança italiana "e.artES cum panis” (San Benedetto del Tronto) em parceria com o projeto "Dançar com Parkinson/Dance for PD Portugal e com a estrutura de dança contemporânea BODYBUILDERS  com duração artística de Rafael Alvarez. O projeto conta com o apoio do programa europeu Erasmus Plus._ Chance It_ nasce da motivação para oferecer suporte metodológico a artistas das áreas da dança/movimento, afetados por doenças crónicas e autoimunes (PCA), afim de poder contribuir para a sua reinserção profissional no sector artístico.

Chance It

Paralelamente ao percurso artístico individual de cada um, os artistas Marta Cerqueira e Simão Costa são uma dupla de criação desde 2016. Marta Cerqueira é bailarina e coreógrafa e Simão Costa é pianista e compositor.
A sua coleção Dança de Materiais Inertes parte do corpo em palco, abrindo-se ao campo expandido da dança e da música num espetro transdisciplinar, e desdobrando-se também no formato de instalação / exposição. Assim, esta coleção de peças (espetáculos e/ou instalações) propõe um olhar coreográfico, cinético e musical sobre coisas inertes. As peças que a compõem procuram explorar e investigar as dimensões em que o Som é Movimento e o Movimento é Som.

A coleção é composta pelas obras _#1Vento_, _#2PlacasTetónicas_, _#3Movediço_, _#4Ar_, _#5Balancé_, _#6Propagação_ e _#7Untitled_. 


Marta Cerqueira e Simão Costa

O ATLAS deste atlas, o titã que carrega o mundo e os seus mapas, o artista
ATLAS que coleciona cargos. Três performers carregarão todas as funções
cénicas que uma performance envolve, a resistência como fôlego de vida, a
manifestação sociopolítica através da performance. 

Em _ATLAS/DIY_, abordamos o tema da resistência através da saturação da tarefa, o incorporar da pressão sistémica, o desequilíbrio resultante da acumulação de funções cénicas. Propomos um objeto artístico focado na manipulação dos elementos técnicos, como a mesa de luz, projetores de luz e mesa de som, e no malabarismo contínuo inerente.

É a primeira colaboração entre Duarte Valadares e Maria Antunes em processos de criação artística. Ambos formados pela Escola Superior de Dança e com um _background_ em danças de rua e clubbing, os dois artistas desenvolvem a sua carreira nas artes performativas e colaboraram, como  intérpretes, em vários projetos, nomeadamente em _BROTHER_, de Marco da Silva Ferreira.


Duarte Valadares e Maria Antunes

O _Mestrado em Criação Coreográfica e Práticas Profissionais_, da Escola Superior de Dança, proporciona, como o nome indica, o aprofundamento de competências de criação coreográfica. Assim, foca-se nas especialidades de coreografia, interpretação e mediação artística em dança, ampliando e valorizando a formação no âmbito das artes performativas. Promovendo a investigação pela prática, pretende fortalecer a relação desta com a dimensão conceptual da criação e estimular, em termos gerais, a produção de conhecimento.

No ano letivo 2022/2023 o Programa Intensivo 3 decorre nos EVC e conta com a presença da professora Eva Lopez Crevillén em Interpretação de Obras Coreográficas, Victor Hugo Pontes em Métodos e Processos de Criação e Raquel Ribeiro dos Santos em Mediação Artística em Dança. 

Mestrado em Criação Coreográfica e Práticas Profissionais

_Casanova em Lisboa_ é uma adaptação teatral do romance epistolar _Cartas de Casanova Lisboa 1757_, de António Mega Ferreira. 

Dois anos após o terramoto, Casanova visita Lisboa. Descobre uma capital ainda em ruínas e cujos habitantes, estranhamente, parecem acomodados às adversidades causadas pelo terramoto. Surpreendido pela demora das obras de reconstrução e pelas faustosas tendas da corte montadas em Belém, Casanova escreve cartas a vários amigos, amantes e familiares, onde descreve o cenário terrífico que se vive em Lisboa, assim como as idiossincrasias de um povo e de uma burguesia em ascensão. E, inevitavelmente, descreve também as suas aventuras amorosas – que o levaram a Ranholas e ao Convento de Odivelas.

O espectáculo agora em criação assenta no cruzamento de várias linguagens e artes de palco: a música do século XVIII interpretada pela Orquestra Metropolitana de Lisboa e conduzida pelo maestro Marcos Magalhães; o canto, pela voz da inefável Ana Quintans; a dança, com uma coreografia de Kimberley Ribeiro dançada por alunos da Escola Superior de Dança; e o teatro, com os atores André Gomes e Marcello Urgeghe, que conduzem a narrativa da incursão de Casanova à capital portuguesa.

_Rien ne pourra faire que je me sois amusé_ – é a máxima de Casanova e também o mote deste espectáculo. 

**Ficha artística**

**Adaptação e encenação**: Carla Bolito
**A partir de**: _Cartas de Casanova 1757_, de António Mega Ferreira
**Direção musical e cravista**: Marcos Magalhães 
**Com**: Ana Quintans, André Gomes, Marcello Urghege, estudantes da ESD (a selecionar) e Orquestra Metropolitana de Lisboa
**Coreografias**: Kimberley Ribeiro
**Desenho de luz**: Daniel Worm
**Figurinos**: Ricardo Preto
**Fotografia**: Alípio Padilha
**Produtor executivo**: Bernardo Vilhena - Estado Zero 


Casanova em Lisboa ⎯ Carla Bolito

Com formação em teatro, filosofia e movimento, Joana Pupo tem um percurso como atriz e criadora, ligada à investigação do movimento e das novas dramaturgias. Segue o treino com os métodos Suzuki e Viewpoints, com a SITI Company  de Anne Bogart (EUA) e com a Suzuki Company of Toga (Japão), desde 2010, que aplica à criação e à pedagogia. Colabora com diversas companhias em Portugal, Espanha e Itália. Em 2020 criou a Companhia Mente de Cão com Pepa Macua e Catarina Sobral, com as quais desenvolve vários projetos transdisciplinares, com um compromisso de investigação e relação com os públicos.

_O Corpo Inominável_ é uma proposta de investigação a partir de uma leitura coreográfica de _O Inominável_ de Samuel Beckett. Conta com um elenco de dança, teatro e circo contemporâneo e apoia-se na linguagem _Viewpoints_. A residência nos EVC servirá de incubadora para um novo projeto de criação dirigido por Joana Pupo, com a colaboração artística da	
coreógrafa Maria Ramos.

O Inominável pode também ser o próprio espaço e todos os elementos com que o performer	trabalha. Nesta linguagem de resposta, tenta-se	inverter	a ideia de um criador "in control”, mas o criador tenta transformar-se num “médium”, como se através dele o Espaço, o Tempo, uma cadeira, uma folha, ou outro elemento pudessem falar. Tal como o orador do Inominável que parece ser conduzido pela coisa em si, que não se deixa revelar. Abrem-se questões para a pesquisa: pode o espaço ser o criador? Pode o texto de Beckett ser o coreógrafo e o encenador desta peça? Como se exprime a tensão entre a manipulação e a resposta livre?

O Corpo Inominável ⏤ Joana Pupo

Estabelecendo uma relação entre a obra literária mitológica de Ovídio, a dança e a composição sonora eletrónica, Pedro Ramos parte do mito de Orpheu para a criação de uma peça operática. 

Num encontro de diversas personagens órficas, reflete-se sobre a dicotomia entre o tangível e o intangível, o tempo presente e o ausente, o individual e o coletivo, explorando novas contraposições estéticas e linguagens corporais.

Orpheu ⏤ Pedro Ramos

Vera Mantero estudou dança clássica com Anna Mascolo e integrou o Ballet Gulbenkian. Tornou-se um dos nomes centrais da Nova Dança Portuguesa, tendo iniciado a sua carreira coreográfica em 1987 e mostrado o seu trabalho por toda a Europa, Argentina, Uruguai, Brasil, Chile, Canadá, Coreia do Sul, EUA e Singapura.

_Tenho por hábito não fazer peças de maior envergadura todos os anos, como um escritor não escreve um romance todos os anos, como um cineasta não faz um filme todos os anos. Nesta micro-peça pretendo continuar o trabalho das últimas peças de grupo, num formato de “câmara”._

Vera Mantero

MICRO-PEÇA ⎯ Vera Mantero

Seremos em tríptico para que se criem as extremidades e se encontre um núcleo flutuante. Um tríptico onde a construção da beleza é também a alusão do desastre. Este êxtase leva ao desejo pela contemplação, pelo corpo, pela existência por via do desastre. Há, assim, um desejo que se reflete numa tentativa de despojar o corpo dos seus movimentos, das suas vestes «para o fazer existir como pura carne; é uma tentativa de encarnação do corpo do outro» (Giorgio Agamben).

A bailarina e coreógrafa luso-suíça Mélanie Ferreira junta-se ao ator e encenador Tiago Vieira e ao fotógrafo e ator Bruno Simão para a criação de _Do Êxtase_, peça onde se encontram os três corpos em conversação verbal e corporal.

**Ficha técnica**

**Direção artística** | Mélanie Ferreira
**Encenação** | Tiago Vieira
**Interpretação** | Bruno Simão, Mélanie Ferreira e Tiago Vieira
**Cenografia, figurinos, som e luz** | Tiago Vieira
**Registo fotográfico e de vídeo e vídeo de cena** | Bruno Simão
**Produção** | Mélanie Ferreira e Self-Mistake
**Apoio** | Fundação GDA
**Apoio a Residências Artísticas** | Latoaria (Lisboa), c.e.m. (Lisboa), Estúdios Victor Córdon (Lisboa), Oficinas do Convento (Montemor-o-Novo)




Do Êxtase ⏤ Mélanie Ferreira

_O Ser Inumano_ é uma performance para dois corpos, dois animais e dois pedaços de carne, onde se trabalha a morte do Sol como ideia de livro de memórias sobre a humanidade e dos seus _erros_ ou fatalidades.

>A morte, se bem que limite, é  por excelência aquilo que se oculta e se adia e por isso ocupa tantas vezes o pensamento, esta morte que afinal é ́ a vida do espírito. Mas a morte do Sol, implica a morte do espírito, pois é  a morte da morte como vida do espírito. Nada há a substituir nem a diferenciar se nada sobreviver. (Jean-François Lyotard, 1991)

_O Ser Inumano_ é um espaço de desmaterialização infinita do nosso interior e do nosso pensamento, lugar onde se desconstroem ideias e se constroem conceitos à volta da morte física/vida do espírito e morte do espírito/morte da memória e do eco e da desmaterialização do corpo e do pensamento, criando assim a matéria inumana.

O corpo humano é um corpo de luz que carrega o universo consigo e está constantemente numa procura interna pela memória e pelos acidentes/acasos que criam um cordão umbilical emocional e familiar entre dois ou mais corpos. Cria-se o imaginário da passagem de tempo e de como o corpo se transforma em paisagem imaterial e reclama o tempo que nunca foi dele, através do cansaço. 

A performance cria um portal do mundo das formas (realidade) para o mundo Imaterial - um mundo transcendente que deixa em aberto um lugar livre de tudo o que a sociedade nos instala sobre como se deve viver e como se deve morrer, um porto de abrigo empático e solidário para qualquer espécie - um lugar onírico e distópico, que no fim procura dilatar o tempo numa forma de nos obrigar a observar a sentir. 


###### Equipa técnica
##### Direção e conceção artística | Hugo Cabral Mendes 
##### Colaboração Artística | Romeu Runa 
##### Co-Criação e interpretação | Hugo Cabral Mendes e Guilherme Barroso
##### Apoio à dramaturgia | Adriana Xavier
##### Apoio ao texto | Guilherme Filipe
##### Vídeo e Fotografia | Guilherme Gouveia
##### Vídeo promocional | Hugo Pedro e Hugo Cabral Mendes
##### Sonoplastia | David Taylor
##### Figurinos | Samuel Arguinzones
##### Direção Técnica e Desenho de Luz | Jorge Rosado
##### Olhares Externos | Miguel Moreira, Xandro Alvarez, Maria Inês Roque
##### Produção e Difusão | Hugo Cabral Mendes
##### Gestão Administrativa | Teatro Levantado a 2 - Associação Cultural
##### Co-Produção | Teatro Cine Torres Vedras
##### Apoio à residência | Estúdios Victor Córdon, A Bela Associação- Belalab
##### Espaço de Acolhimento | Festival Cumplicidades-Largo das Residências, Instituto da Vinha e do Vinho

O Ser Inumano ⎯ Hugo Cabral Mendes

PARA UMA TIMELINE A HAVER é um exercício coletivo de sinalização de marcos relativos ao desenvolvimento e disseminação da dança como prática artística em Portugal nos séc. XX e XXI. Levado a cabo intermitentemente desde 2016 e assumindo o presente como lugar de enunciação, visa permitir uma sinalização cruzada, relacionando eventos de matriz social, política, cultural, biográfica e artística. Exercício aberto e em processo, a cada edição sofre distintas mutações que levam frequentemente a uma reconfiguração física e metodológica do próprio projecto, que é obrigado a repensar-se.
Assumindo o presente como lugar de enunciação, assenta na construção singular de uma série de cronologias para a dança contemporânea em Portugal - dispondo no mesmo plano visual eventos de matriz social, política, cultural, biográfica e artística. Com este exercício trata-se de sinalizar episódios que - influenciando autores, práticas e instituições-se inserem numa perspetiva alargada tanto das transformações pelas quais a sociedade portuguesa passa como do discurso sobre o coreográfico (e o que é ou pode ser a dança como prática artística), criando uma ferramenta de estudo com ênfase não apenas na possibilidade de acreção, correção e remoção de informação, mas sobretudo na capacidade de multiplicação e desmultiplicação de ligações e narrativas.
Aproximando-se de estudos que procuram entender como disputados e operativos (e não fixos e imutáveis) os adjetivos 'novo', 'velho' e 'clássico' mas também a tríade 'moderno', 'modernização' e 'modernismo' – o dispositivo performativo de PARA UMA TIMELINE A HAVER permite provocar e construir memória, contribuindo para a elaboração de uma historiografia multivocal e descentrada.

Em 2023 realiza-se a edição VII da Timeline e será a última no seu formato de exposição, encerrando um ciclo no projeto iniciado em 2016. Se as edições anteriores se caracterizaram sobretudo por exposições em que foi dada a ver a investigação, esta edição da Timeline tem a particularidade de se focar principalmente nas obras, documentos e arquivos que constituem essa história — e que foram sendo encontrados no decorrer das anteriores edições.

##### Curadoria: Ana Bigotte Vieira, João dos Santos Martins
##### Co-curadoria, investigação e edição: Ana Dinger, Carlos Manuel Oliveira
##### Coordenação editorial do catálogo: Ana Dinger
##### Consultores gerais: André Lepecki, Vera Mantero, Miguel Wandschneider
##### Consultores por década: Daniel Tércio, Alice Samara, Júlia Leitão de Barros, Manuel Deniz Silva, Luís Trindade, Rahul Kumar, Luísa Roubaud, Paula Rocha e Ana Dinger, Stephanie Gonçalves, Luiz Antunes e Fernanda Rollo, José Sasportes, Maria de Assis, Margarida Bettencourt, Rui Horta, António Pinto Ribeiro, André Lepecki, Maria José Fazenda, João Fiadeiro, Sílvia Tengner, Alexandra Balona.
##### Contribuidores (2016-19): Alexandra Balona, Ana Cristina Vicente, Ana Dinger, Ana Mira, André e. Teodósio, António Cascais, Cristiana Rocha, Cristina Grande, Cristina Santos, Daniel Tércio, Duarte Bénard da Costa, Elisabete Paiva, Ezequiel Santos, Gil Mendo, Joclécio Azevedo, Luísa Roubaud, Magda Henriques, Margarida Bettencourt, Maria José Fazenda, Mariana Brandão, Mariana Pinto dos Santos, Mónica Guerreiro, Paula Caspão, Paula Garcia, Pedro Cerejo, Rita Luís, Rita Natálio, Rahul Kumar, Rogério Nuno Costa, Sílvia Pinto Coelho, Tiago Bartolomeu Costa.

##### Produção: Associação Parasita
##### Co-produção: (2019) Alkantara Festival, Centre National de la Danse — Aide à la recherche et au patrimoine en danse (Pantin, FR), Materiais Diversos; (2016) República Portuguesa: Cultura/ DGArtes Direção-Geral das Artes, Fundação Calouste Gulbenkian
##### Apoios: Centro de Estudos de Teatro, Instituto de História Contemporânea, Livraria Tigre de Papel (2016), Teatro Sá da Bandeira (Santarém, 2016), Teatro Viriato (2017).
##### Agradecimentos: ACCCA, Ana Pais, António Laginha/Centro Dança de Oeiras, António Liberato, Bernardino Aranda, Daniel Tércio, David Guéniot, Escola Superior de Dança, Ezequiel Santos, Emília Rosa, Francisco Camacho, Gil Mendo, Joana Patita, João Fiadeiro/RE.AL, José Sasportes, Júlia Bigotte Aranda, Leonor Lopes, Leonor Mendes, Liliana Coutinho, Luísa Roubaud, Madalena Victorino, Maria João Brilhante, Maria Filomena Molder, Maria João Guardão, Maria José Fazenda, Margarida Franco, Peter Schau, Rui Lopes, Sílvia Pinto Coelho, Susana Neves.

Para uma Timeline a Haver : genealogias da dança enquanto prática artística em Portugal

_Call Me Three Times_ é uma peça que explora o erotismo como um território ambíguo através da construção de estados de sonho, fantasia e ilusão. Estes elementos são abordados com a vida ficional de Clarissa Genosis, uma bailarina contemporânea transformada em artista de cabaré cuja história serve como estrutura de base para a peça. A peça é uma acumulação de imagens, fantasias e histórias fragmentadas que levam o público a confrontar os seus próprios mecanismos de desejo e repugnância em relação ao retrato social de Clarissa.
É uma exploração de imagem autoproduzida, dança erótica e a auto-fabricação do desejo através da lente de música-vídeos, pop stars e trabalho em vídeo. Através de segmentos articulados com projecção de vídeo ao vivo, vídeo pré-gravado e acção ao vivo, convido o público a explorar as múltiplas facetas das minhas perguntas individuais, vulnerabilidades e a sua falsificação.
Com uso de poética, alegria e humor, _Call Me Three Times_ pretende ser, em última instância, um encontro entre uma pessoa e uma câmera. Entre as diferentes facetas do corpo dançante. Entre um filme e um palco, uma bailarina e seu cliente. No contexto da dança contemporânea, este trabalho introduz elementos cinematográficos como diálogos simples, ação e decoração para definir uma série de cenas que pintam realidades sociais e também fantasias impossíveis. 

Call Me Three Times

Que som é este que faz uma língua e que tantos sentidos lhe dá? Poderá uma paisagem sonora definir o fundo das nossas vidas? _ÃO_, ditongo nasal específico da língua portuguesa, é um espectáculo que une a coreógrafa Ana Rita Teodoro, o músico João Neves e o performer e escritor André e. Teodósio.
O ponto de partida, na senda de artistas tão diversas como Meredith Monk ou Fátima Miranda, é a construção de uma experiência sensorial onde a narrativa e a estética visual não se sobrepõem à construção sonora. A sonoridade resulta de composições musicais originais que trabalhem com esse ditongo de tão difícil elocução para quem não domine a língua portuguesa. O som e as palavras, que implicam a língua, os pulmões, o esqueleto e a relação com o meio envolvente, materializam-se em ideias, idiomas, impelindo para a ordem e o recreativo. _ÃO_ é um espectáculo coreográfico, musical e, de certa forma etnográfico, que inscreve no presente os sentidos gerados a partir de uma experiência sonora do passado, quando alguém disse: _ÃO_.


###### -ÃO (título provisório)
(terminação latina -o, -onis ou -anus, -a, -um)

###### sufixo
1. Indica valor aumentativo (ex.: mulherão; paredão; salão).
2. Indica valor diminutivo, com uso pouco frequente (ex.:
calção; caravelão; escotilhão).
3. Indica origem ou proveniência (ex.: aldeão; cidadão;
coimbrão).
4. Indica acção ou resultado da acção (ex.: puxão;
rasgão; repelão).
5. Indica agente da acção (ex.: berrão; mandão; saltitão).
6. Indica idade (ex.: quatrocentão; trintão).
7. Indica recipiente (ex.: embalão; papelão; vidrão).
8. Indica instrumento (ex.: esfregão; picão; segão).




-ÃO ⏤ Teatro Praga

This program supports independent artistic creation, welcoming Portuguese and international dance artists and creators from other artistic areas, for a maximum period of two weeks. Since its inception, EVC is a space of cohabitation of multiple languages, acting in direct response to the needs of the artistic community.


Artistic Residencies

Programa de apoio à criação artística independente que acolhe criadores na área da dança e outras áreas de cruzamento artístico, a nível nacional e internacional, por um período máximo de duas semanas. Desde a sua génese, os EVC são um espaço de coabitação de múltiplas linguagens, agindo numa resposta direta às necessidades da comunidade artística.





Residências Artísticas 2022

Residências Artísticas 

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1º Ciclo

_1º Ciclo_ é um programa dedicado a jovens criadores recém-formados, com o objetivo de apoiar a criação das suas primeiras obras. Nesta temporada, os EVC darão apoio à criação a nível nacional, promovendo parcerias com várias estruturas do ensino ligadas às artes performativas, a saber, a Escola Superior de Dança (ESD), a Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), a Faculdade de Motricidade Humana (FMH) e o Fórum Dança.

_1st Stage_ is a program dedicated to young, recently graduated artists, with the aim of supporting the creation of their first works. This season, the EVC will support artistic creation at a national level, promoting partnerships with various educational structures linked to the performing arts, namely, Escola Superior de Dança (ESD), Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), Faculdade de Motricidade Humana (FMH) and Fórum Dança.


1st Stage

_1º Ciclo _é um programa dedicado a jovens criadores recém-formados, com o objetivo de apoiar a criação das suas primeiras obras. Nesta temporada, os EVC darão apoio à criação a nível nacional, promovendo parcerias com várias estruturas do ensino ligadas às artes performativas, a saber, a Escola Superior de Dança (ESD), a Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), a Faculdade de Motricidade Humana (FMH) e o Fórum Dança.


1º Ciclo 2022

Parceiros

large_Josefa Searle ©EVC | 2021

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Josefa Searle ©EVC | 2021

Apoio à criação - residências artísticas

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Apoio às audições

O programa de Apoio a Audições continua a dar condições a artistas para que tenham a oportunidade de participar em processos de seleção para formações ou elencos. Assim, os EVC abrem as portas tanto a intérpretes que precisem de um espaço para ensaiar ou gravar vídeos para audições, quanto a estruturas ou coreógrafos que precisem de levar a cabo um processo de seleção para uma nova criação. 


The _Support for Auditions_ program continues to provide conditions for artists to have the opportunity to participate in selection processes for training or casts. Thus, the EVC opens its doors both to performers who need a space to rehearse or record videos for auditions, and to structures or choreographers who need to carry out a selection process for a new work. 

Support for Auditions

Apoio a Audições

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Área

A entrada dos EVC transformar-se-á num espaço expositivo que receberá exposições e instalações de artistas cujo trabalho tem uma ligação às artes performativas.


###### _POR UMA FELICIDADE ASSIM_ 
VICTOR HUGO PONTES, IMAGENS DE 20 ANOS DE CRIAÇÃO ARTÍSTICA 

###### _3 ANOS DE ITINERÁRIOS_ 
Ágata Xavier, Tamara Seilman e fotógrafo a anunciar 



S. SAND (n.1946) é historiador e Professor Emérito da Universidade de Telavive, onde lecionou História Contemporânea. Filho de pais polacos, de cultura iídiche e sobreviventes do Holocausto, nasceu e passou os dois primeiros anos de vida num «campo para pessoas deslocadas» antes da família emigrar para Israel, onde efetuou o serviço militar obrigatório e combateu na Guerra dos Seis Dias (1967). Doutorou-se em 1982 pela École des hautes études en sciences sociales, em Paris. A sua investigação tem incidido sobre a história cultural moderna, o movimento sionista e a construção de Israel. Com tradução em mais de 30 países, Como o Povo Judeu foi Inventado (2008), Como a «Terra de Israel» foi Inventada (KKYM+P.OR.K, 2021) e Como Deixei de ser Judeu (2013) propiciam-lhe projeção mundial. É ainda autor de Le XXe siècle à l'écran (2002), dedicado ao cinema.

Shlomo Sand encara Israel como fait accompli, mas reclama a transformação do Estado judaico num Estado de todos os seus cidadãos, independentemente das etnias ou religiões.

O livro na base desta conferência - _Como uma Raça foi Imaginada_ - remonta às bases da judeofobia ocidental e desafia a ideia segundo a qual o cristianismo se teria edificado após e em oposição ao judaísmo. Bem pelo contrário, considera que o judaísmo se formou sob pressão do cristianismo, adaptando-se aos termos do processo que ao longo dos séculos foi movido pelos seus inimigos.
O livro torna assim caduca a equívoca querela que assimila antissionismo e antissemitismo, alimentando o centro de certos debates contemporâneos. Até que ponto o sionismo, que emergiu como uma resposta de emergência à moderna judeofobia, se tornou no seu espelho? E, até que ponto herdou os fundamentos ideológicos que desde sempre caracterizaram a perseguição dos judeus?



Conferência ⏤ Antissemitismo e a Imaginação de um Povo-Raça 

A pesquisa histórica que Shlomo Sand apresenta vem refutar a ideia de que a «Terra de Israel» constitui a origem, o centro ou horizonte da existência judaica. Pelo contrário, durante milénios, as grandes figuras do judaísmo encararam Jerusalém como o metafísico lugar da redenção messiânica, não um destino terrestre. Assim, no final do século XVIII habitavam na Palestina menos de 5000 judeus entre 250.000 muçulmanos e cristãos. Mas, em 1881, têm início os grandes pogroms na Europa oriental, e até 1918, 2,5 milhões de judeus tiveram que abandonar o Império Russo, rumando à Europa central, ocidental e EUA, dando um fundamental impulso aos sionismos alemão e britânico. Foram os terríveis golpes que se abateram sobre os judeus durante a Segunda Grande Guerra, o encerramento das fronteiras a Ocidente e, sobretudo, o projecto fundamental do sionismo que acabaram por impulsionar a colonização judaica da Palestina e a criação do Estado de Israel.

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SHLOMO SAND

S. SAND (n.1946) é historiador e Professor Emérito da Universidade de Telavive, onde lecionou História Contemporânea. Filho de pais polacos, de cultura iídiche e sobreviventes do Holocausto, passou os dois primeiros anos de vida num «campo para pessoas deslocadas» antes da família emigrar para Israel, onde efetuou o serviço militar obrigatório e combateu na Guerra dos Seis Dias (1967), experiência de que dá conta neste livro. Doutorou-se em 1982 pela École des hautes études en sciences sociales, em Paris. A sua investigação tem incidido sobre a história cultural moderna, o movimento sionista e a construção de Israel. A sua investigação tem incidido sobre a história cultural moderna, o movimento sionista e a construção de Israel. Com tradução em mais de 30 países, Como o Povo Judeu foi Inventado (2008), Como a «Terra de Israel» foi inventada (2012) e Como Deixei de ser Judeu (2013) propiciam-lhe projeção mundial. É ainda autor de Le XXe siècle à l’écran (2004), dedicado ao cinema. Mais recentemente publicou Como uma Raça foi Inventada (2020), descrevendo o processo de racialização dos judeus, decorrendo entre a Europa judeófoba e o Israel nacionalista, denunciando em ambos os casos a fobia em relação ao «outro», que já foi judeu e com inquietante frequência tende agora a ser árabe.

Shlomo Sand encara Israel como fait accompli, mas reclama a transformação do Estado judaico num Estado de todos os seus cidadãos, independentemente das etnias ou religiões.

Lançamento livro ⏤ Como a "Terra de Israel" foi Inventada

Neste ensaio, o autor descreve as mutações do sentimento «judeófobo» ao longo de milénios – desde o advento da cristandade até Lutero, desde Proudhon até Hitler – considerando-o como uma componente essencial da doxa ocidental. Trata-se afinal de «judeofobia» e não de «antissemitismo», noção recentíssima que, afinal, perpetua o preconceito que pretende denunciar.
A ideia de uma «raça» judaica (agora, entendida como «grupo étnico») continua a ser alimentada, e, com ela, a estrutura que esteve na base da subjugação dos judeus no Ocidente, converte-se em novo preconceito e forma de dominação. O ódio em relação ao «outro» encontra-se agora virado para esses outros «semitas» que são os muçulmanos.

+ info: [www.unground.pt/txt/como-uma-raca-foi-imaginada/](http://www.unground.pt/txt/como-uma-raca-foi-imaginada/)

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Shlomo Sand

S. SAND (n.1946) é historiador e Professor Emérito da Universidade de Telavive, onde lecionou História Contemporânea. Filho de pais polacos, de cultura iídiche e sobreviventes do Holocausto, nasceu e passou os dois primeiros anos de vida num «campo para pessoas deslocadas» antes da família emigrar para Israel, onde efetuou o serviço militar obrigatório e combateu na Guerra dos Seis Dias (1967). Doutorou-se em 1982 pela École des hautes études en sciences sociales, em Paris. A sua investigação tem incidido sobre a história cultural moderna, o movimento sionista e a construção de Israel. Com tradução em mais de 30 países, Como o Povo Judeu foi Inventado (2008), Como a «Terra de Israel» foi Inventada (KKYM+P.OR.K, 2021) e Como Deixei de ser Judeu (2013) propiciam-lhe projeção mundial. É ainda autor de Le XXe siècle à l'écran (2002), dedicado ao cinema.

Shlomo Sand encara Israel como fait accompli, mas reclama a transformação do Estado judaico num Estado de todos os seus cidadãos, independentemente das etnias ou religiões.



Lançamento livro ⏤ Como uma Raça foi Imaginada

_Por uma felicidade assim_
Victor Hugo Pontes, imagens de 20 anos de criação artística

Plástico, camaleónico, impactante: estes são adjetivos comummente usados para descrever as criações de Victor Hugo Pontes, reconhecidas pela sua força visual. O ano de 2023 marca duas décadas de criação artística contínua e desafiadora, na intersecção entre a dança e o teatro, num equilíbrio que não dispensa a articulação total com a cenografia, os figurinos, a luminotecnia e a sonoplastia. Victor Hugo Pontes é um artista das imagens, e reuniu ao longo dos anos um extraordinário arquivo fotográfico – e artístico – das suas criações. Convidou ou foi desafiado por grandes fotógrafos para acompanharem os seus trabalhos, e é uma seleção dessas imagens que agora se mostra pela primeira vez ao público.

Esta exposição insere-se na programação de Em Casa, programa de que Victor Hugo Pontes é o artista convidado este ano. 2023 é o ano de celebração de 20 anos de carreira do coreógrafo português, e este fará dos EVC a sua casa para novas criações e encontros com formatos diversos, através de múltiplos modos de abordar e promover uma reflexão sobre o seu percurso.

###### Entrada livre







Por uma felicidade assim ⎯ Exposição

The entrance to the EVC building will be transformed into an exhibition space that will host exhibitions and installations by artists whose work has a connection to the performing arts.

###### _For a hapiness like this_ 
Victor Hugo Pontes, 20 years of artistic creation through images 

###### _3 anos de Itinerários_ 
Ágata Xavier, Tamara Seilman and an artist to be announced 

 


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