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Residências artísticas 2023

Santarém, Portugal, 1986.

Nuno Labau

Suíça, 1996.

Mélanie Ferreira

Sal, Cabo Verde, 1979.

Marlene Monteiro Freitas

Brasil, 1983.

Ricardo Ambrozio

França, 1995.

Beatriz Soares Dias

Lisboa, Portugal, 1976.

Rafael Alvarez

Lisboa, Portugal, 1983.

Marta Cerqueira

Lisboa, Portugal, 1979.

Simão Costa

Lisboa, Portugal.

Pedro Ramos

Maria Antunes

Portugal, 1966.

Vera Mantero

Beira, Moçambique, 1972.

Carla Bolito

Coimbra, Portugal, 1978.

Joana Pupo

Vila Franca de Xira, Portugal. 1999.

Hugo Cabral Mendes

Portugal

Ana Bigotte Vieira

Ana Dinger

Santarém, Portugal, 1980.

Carlos Manuel Oliveira

Póvoa de Santarém, Portugal, 1989.

João dos Santos Martins

Bósnia.

Katarina Lanier

Portugal, 1977.

André e. Teodósio

Barreiro, Portugal, 1982.

Ana Rita Teodoro

Brasil

Nilsen Jorge

Carolina do Norte, EUA

Rachael Mauney

Lisboa, Portugal, 1988.

Francisca Pinto

Fortaleza, Brasil, 1984.

Francisco Thiago Cavalcanti

Vila Nova de Cerveira, Portugal

Amélia Caldas

Setúbal, Portugal, 2000.

Ana P. Silva

Leiria, Portugal.

Francisca Poças

Ovar, Portugal, 1996.

Luís de Oliveira

Viseu, Portugal, 2001.

Mariana Tiago

Japão

Mary Sano

Alexandra Zeidan

Jonas&Lander

Lisboa, Portugal, 1966.

Claúdia Nóvoa

Funchal, 1999.

Marco Olival

Santa Maria da Feira, Portugal, 1986.

Marco da Silva Ferreira

Amadora, Portugal, 1997.

Natacha Campos

Argentina.

Alina Ruiz Folini

Évora, Portugal, 1998.

Beatriz Mira

Lisboa, Portugal, 1997.

Tiago Barreiros

Faro, Portugal. 

Miguel Santos

Israel, Reino Unido.

Yael Karavan

Programa de apoio à criação artística independente que acolhe criadores na área da dança e outras áreas de cruzamento artístico, a nível nacional e internacional, por um período máximo de duas semanas. Desde a sua génese, os EVC são um espaço de coabitação de múltiplas linguagens, agindo numa resposta direta às necessidades da comunidade artística.


_Coreografia para uma santificação_ surge a partir de figuras mitológicas e bíblicas, como a Salomé, Maria Madalena, Helena de Tróia. Um espetáculo que questiona a ligação entre o sagrado e o profano, o corpo como lugar de anunciação, milagre, pecado, desejo e aurora. A dança como espaço privilegiado do ritual e da pesquisa do êxtase. O fulgor sexual como oração revolucionária, de resistência e procura de milagres quotidianos. Um bailado de aproximação ao inexplicável, à transcendência.
Desta feita e pelas palavras de Giorgio Agamben, desta colaboração pretende-se uma “obra da salvação que coincide aqui ponto por ponto com a obra da criação, que desfaz e descria no próprio instante em que a transporta e acompanha no ser.” E ao corpo, à performer, pede-se a transcendência, “a criatura, porque se perde, não pode deixar de se perder (...) criação e salvação coincidem no insalvável.” 
 
Direção artística | Mélanie Ferreira e Tiago Vieira
Coreografia e interpretação | Mélanie Ferreira
Coaching | Tiago Vieira
Cenografia, som, luz e figurinos | Tiago Vieira
Registo fotográfico e de vídeo | Bruno Simão
Produção | Mélanie Ferreira e Self-mistake
Apoio a residências artísticas | Latoaria (Lisboa), C.e.m. (Lisboa), Estúdios Vítor Cordon (Lisboa), Teatro Viriato (Viseu), TRUST Collective
(Arganil) e Cisterna da Faculdade das Belas Artes (Lisboa)
Apoio| Self-Mistake

Coreografia para uma santificação

_Lulu_, ópera incompleta de Alban Berg, é a primeira ópera dodecafónica a ser composta. Estreou em 1937 e em 2023, Marlene Monteiro Freitas e o maestro Maxime Pascal, revisitam esta ópera, num juntar de forças entre MusikTheater an der Wien, Wiener Festwochen, Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo e Dgartes.


Um projeto de Wiener Festwochen and Theater an der Wien
_Música_ Alban Berg
_Texto_ Frank Wedekind, baseado nas tragédias Earth Spirit e Pandora’s Box
_Conceito e direção_ Marlene Monteiro Freitas
_Maestro _Maxime Pascal
_Orquestra_ ORF Radio-Symphonieorchester Wien
_Com_ Vera-Lotte Boecker (Lulu), Bo Skovhus (Dr. Schön), Edgaras Montvidas (Alwa), Cameron Becker (Maler), Anne-Sofie von Otter (Gräfin Geschwitz), Kurt Rydl (Schigolch), Katrin Wundsam (Garderobiere / Gymnasiast), Martin Summer (Tierbändiger, Athlet), Paul Kaufmann (Prinz, Kammerdiener)
_Desenho de luz_ Yannick Fouassier
_Cenário_ Marlene Monteiro Freitas, Yannick Fouassier
_Dramaturgia_ Armin Kerber
_Pesquisa_ João Figueira
_Assistente musical_ Cláudio Silva
_Assistente de coreografia_ Andreas Merk, Hsin-Yi Hsiang
_Produção executiva_ Joana Costa Santos, Soraia Gonçalves
_Apoio_ Wiener Festwochen
_Produção_ Wiener Festwochen, Theater an der Wien
_Colaboração _ P.OR.K (Lisboa)
_Residências_ Estúdios Victor Córdon (Lisboa), O Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo), CN D Centre national de la danse (Paris), Fabbrica del Vapore (Milano)

LULU ⎯ Marlene Monteiro Freitas

_NEON 80_ traça o seu labirinto, inspirada nos conceitos de cyberpunk, cyberspace, cyborgbody e video game. Enaltece o lado marginal do ser humano, o lado da sobrevivência, da oposição às regras, da possibilidade de escolha e do lugar da liberdade do indivíduo, anulando o género binário e defendendo uma prótese como um membro integrante do corpo humano.

###### Ficha Artística
Conceito & Performance
Beatriz Dias
Criação Sonora 
Miguel Lucas Mendes
Obra Cenográfica
André de Campos & Miguel Justino
Figurinos
Beatriz Dias & Miguel Justino
Apoio à Dramaturgia & Desenho de Luz 
André de Campos
Produção e Difusão 
Filipe Metelo e Patrícia Soares
Casa de Produção 
Produção d’Fusão
Coprodução 
Centro Cultural de Belém, Cine-Teatro Louletano e Companhia Olga Roriz 
Apoio à criação 
Estúdios Victor Córdon, Fundação GDA, O Espaço do Tempo

NEON 80

_Violência das coisas insensíveis_ é a nova criação do coreógrafo Nuno Labau em residência nos EVC. A peça parte da ideia do cansaço e das rotinas inerentes  às dinâmicas das grandes cidades. Representativo da rotina, o trabalho foca-se na pressa, na impermeabilidade ao próximo, na repetição de gestos e, sobretudo, no cansaço que esta origina. 
Nuno Labau, formou-se na Escola Profissional  de Artes e Ofícios do Espectáculo (Chapitô) e licenciou-se em Dança, na Escola Superior de Dança. Estagiou na Companhia Portuguesa de  Bailado Contemporâneo, onde trabalhou com Benvindo Fonseca, André Mesquita e Vasco Vallencamp. Atualmente é presidente da associação cultural Vaca Magra.

 

Violência das coisas insensíveis

O simbolismo do gigante _Adamastor_, criado por Sidónio Apolinário e famoso por Camões em "Os Lusíadas", é o ponto de partida para a nova criação de Ricardo Ambrozio. Neste trabalho, _Adamastor_ é representativo da luta individual de cada artista que é confrontado com os medos e dúvidas. À medida que cada intérprete luta a sua própria batalha, o público é convidado a mergulhar nas histórias de resistência, vencendo desafios e aceitar a mudança, pois o trabalho encoraja-nos a mudar o curso do navio que navegamos todos os dias.

###### Conceito, direcção
Ricardo Ambrózio & Goncalo Ferreira

###### Interpretação, Performance
António Bollaño, Clémence Peytoureau, Emilio Bagnasco, Francisca Rodrigues, Teodora Vuijkov

###### Dramaturgia
Ali Clarke

###### Desenho de luz
Goncalo Ferreira & Clémence Peytoureau

###### Produção e Administração
Martina R. Ambrózio, Bernarda Bernardo

###### Coprodução
Associação Ilú, Untamed Produções 

###### Apoio
Câmara Municipal de Torres Vedras

Adamastor ⎯ Ricardo Ambrozio

_Chance It_ é um projeto europeu de pesquisa e criação, promovido pela estrutura de dança italiana "e.artES cum panis” (San Benedetto del Tronto) em parceria com o projeto "Dançar com Parkinson/Dance for PD Portugal e com a estrutura de dança contemporânea BODYBUILDERS  com duração artística de Rafael Alvarez. O projeto conta com o apoio do programa europeu Erasmus Plus._ Chance It_ nasce da motivação para oferecer suporte metodológico a artistas das áreas da dança/movimento, afetados por doenças crónicas e autoimunes (PCA), afim de poder contribuir para a sua reinserção profissional no sector artístico.

Chance It

Paralelamente ao percurso artístico individual de cada um, os artistas Marta Cerqueira e Simão Costa são uma dupla de criação desde 2016. Marta Cerqueira é bailarina e coreógrafa e Simão Costa é pianista e compositor.
A sua coleção Dança de Materiais Inertes parte do corpo em palco, abrindo-se ao campo expandido da dança e da música num espetro transdisciplinar, e desdobrando-se também no formato de instalação / exposição. Assim, esta coleção de peças (espetáculos e/ou instalações) propõe um olhar coreográfico, cinético e musical sobre coisas inertes. As peças que a compõem procuram explorar e investigar as dimensões em que o Som é Movimento e o Movimento é Som.

A coleção é composta pelas obras _#1Vento_, _#2PlacasTetónicas_, _#3Movediço_, _#4Ar_, _#5Balancé_, _#6Propagação_ e _#7Untitled_. 


Marta Cerqueira e Simão Costa

O ATLAS deste atlas, o titã que carrega o mundo e os seus mapas, o artista
ATLAS que coleciona cargos. Três performers carregarão todas as funções
cénicas que uma performance envolve, a resistência como fôlego de vida, a
manifestação sociopolítica através da performance. 

Em _ATLAS/DIY_, abordamos o tema da resistência através da saturação da tarefa, o incorporar da pressão sistémica, o desequilíbrio resultante da acumulação de funções cénicas. Propomos um objeto artístico focado na manipulação dos elementos técnicos, como a mesa de luz, projetores de luz e mesa de som, e no malabarismo contínuo inerente.

É a primeira colaboração entre Duarte Valadares e Maria Antunes em processos de criação artística. Ambos formados pela Escola Superior de Dança e com um _background_ em danças de rua e clubbing, os dois artistas desenvolvem a sua carreira nas artes performativas e colaboraram, como  intérpretes, em vários projetos, nomeadamente em _BROTHER_, de Marco da Silva Ferreira.


Duarte Valadares e Maria Antunes

_Casanova em Lisboa_ é uma adaptação teatral do romance epistolar _Cartas de Casanova Lisboa 1757_, de António Mega Ferreira. 

Dois anos após o terramoto, Casanova visita Lisboa. Descobre uma capital ainda em ruínas e cujos habitantes, estranhamente, parecem acomodados às adversidades causadas pelo terramoto. Surpreendido pela demora das obras de reconstrução e pelas faustosas tendas da corte montadas em Belém, Casanova escreve cartas a vários amigos, amantes e familiares, onde descreve o cenário terrífico que se vive em Lisboa, assim como as idiossincrasias de um povo e de uma burguesia em ascensão. E, inevitavelmente, descreve também as suas aventuras amorosas – que o levaram a Ranholas e ao Convento de Odivelas.

O espectáculo agora em criação assenta no cruzamento de várias linguagens e artes de palco: a música do século XVIII interpretada pela Orquestra Metropolitana de Lisboa e conduzida pelo maestro Marcos Magalhães; o canto, pela voz da inefável Ana Quintans; a dança, com uma coreografia de Kimberley Ribeiro dançada por alunos da Escola Superior de Dança; e o teatro, com os atores André Gomes e Marcello Urgeghe, que conduzem a narrativa da incursão de Casanova à capital portuguesa.

_Rien ne pourra faire que je me sois amusé_ – é a máxima de Casanova e também o mote deste espectáculo. 

**Ficha artística**

**Adaptação e encenação**: Carla Bolito
**A partir de**: _Cartas de Casanova 1757_, de António Mega Ferreira
**Direção musical e cravista**: Marcos Magalhães 
**Com**: Ana Quintans, André Gomes, Marcello Urghege, estudantes da ESD (a selecionar) e Orquestra Metropolitana de Lisboa
**Coreografias**: Kimberley Ribeiro
**Desenho de luz**: Daniel Worm
**Figurinos**: Ricardo Preto
**Fotografia**: Alípio Padilha
**Produtor executivo**: Bernardo Vilhena - Estado Zero 


Casanova em Lisboa ⎯ Carla Bolito

Com formação em teatro, filosofia e movimento, Joana Pupo tem um percurso como atriz e criadora, ligada à investigação do movimento e das novas dramaturgias. Segue o treino com os métodos Suzuki e Viewpoints, com a SITI Company  de Anne Bogart (EUA) e com a Suzuki Company of Toga (Japão), desde 2010, que aplica à criação e à pedagogia. Colabora com diversas companhias em Portugal, Espanha e Itália. Em 2020 criou a Companhia Mente de Cão com Pepa Macua e Catarina Sobral, com as quais desenvolve vários projetos transdisciplinares, com um compromisso de investigação e relação com os públicos.

_O Corpo Inominável_ é uma proposta de investigação a partir de uma leitura coreográfica de _O Inominável_ de Samuel Beckett. Conta com um elenco de dança, teatro e circo contemporâneo e apoia-se na linguagem _Viewpoints_. A residência nos EVC servirá de incubadora para um novo projeto de criação dirigido por Joana Pupo, com a colaboração artística da	
coreógrafa Maria Ramos.

O Inominável pode também ser o próprio espaço e todos os elementos com que o performer	trabalha. Nesta linguagem de resposta, tenta-se	inverter	a ideia de um criador "in control”, mas o criador tenta transformar-se num “médium”, como se através dele o Espaço, o Tempo, uma cadeira, uma folha, ou outro elemento pudessem falar. Tal como o orador do Inominável que parece ser conduzido pela coisa em si, que não se deixa revelar. Abrem-se questões para a pesquisa: pode o espaço ser o criador? Pode o texto de Beckett ser o coreógrafo e o encenador desta peça? Como se exprime a tensão entre a manipulação e a resposta livre?

O Corpo Inominável ⏤ Joana Pupo

Estabelecendo uma relação entre a obra literária mitológica de Ovídio, a dança e a composição sonora eletrónica, Pedro Ramos parte do mito de Orpheu para a criação de uma peça operática. 

Num encontro de diversas personagens órficas, reflete-se sobre a dicotomia entre o tangível e o intangível, o tempo presente e o ausente, o individual e o coletivo, explorando novas contraposições estéticas e linguagens corporais.

Orpheu ⏤ Pedro Ramos

Vera Mantero estudou dança clássica com Anna Mascolo e integrou o Ballet Gulbenkian. Tornou-se um dos nomes centrais da Nova Dança Portuguesa, tendo iniciado a sua carreira coreográfica em 1987 e mostrado o seu trabalho por toda a Europa, Argentina, Uruguai, Brasil, Chile, Canadá, Coreia do Sul, EUA e Singapura.

_Tenho por hábito não fazer peças de maior envergadura todos os anos, como um escritor não escreve um romance todos os anos, como um cineasta não faz um filme todos os anos. Nesta micro-peça pretendo continuar o trabalho das últimas peças de grupo, num formato de “câmara”._

Vera Mantero

MICRO-PEÇA ⎯ Vera Mantero

Seremos em tríptico para que se criem as extremidades e se encontre um núcleo flutuante. Um tríptico onde a construção da beleza é também a alusão do desastre. Este êxtase leva ao desejo pela contemplação, pelo corpo, pela existência por via do desastre. Há, assim, um desejo que se reflete numa tentativa de despojar o corpo dos seus movimentos, das suas vestes «para o fazer existir como pura carne; é uma tentativa de encarnação do corpo do outro» (Giorgio Agamben).

A bailarina e coreógrafa luso-suíça Mélanie Ferreira junta-se ao ator e encenador Tiago Vieira e ao fotógrafo e ator Bruno Simão para a criação de _Do Êxtase_, peça onde se encontram os três corpos em conversação verbal e corporal.

**Ficha técnica**

**Direção artística** | Mélanie Ferreira
**Encenação** | Tiago Vieira
**Interpretação** | Bruno Simão, Mélanie Ferreira e Tiago Vieira
**Cenografia, figurinos, som e luz** | Tiago Vieira
**Registo fotográfico e de vídeo e vídeo de cena** | Bruno Simão
**Produção** | Mélanie Ferreira e Self-Mistake
**Apoio** | Fundação GDA
**Apoio a Residências Artísticas** | Latoaria (Lisboa), c.e.m. (Lisboa), Estúdios Victor Córdon (Lisboa), Oficinas do Convento (Montemor-o-Novo)




Do Êxtase ⏤ Mélanie Ferreira

_O Ser Inumano_ é uma performance para dois corpos, dois animais e dois pedaços de carne, onde se trabalha a morte do Sol como ideia de livro de memórias sobre a humanidade e dos seus _erros_ ou fatalidades.

>A morte, se bem que limite, é  por excelência aquilo que se oculta e se adia e por isso ocupa tantas vezes o pensamento, esta morte que afinal é ́ a vida do espírito. Mas a morte do Sol, implica a morte do espírito, pois é  a morte da morte como vida do espírito. Nada há a substituir nem a diferenciar se nada sobreviver. (Jean-François Lyotard, 1991)

_O Ser Inumano_ é um espaço de desmaterialização infinita do nosso interior e do nosso pensamento, lugar onde se desconstroem ideias e se constroem conceitos à volta da morte física/vida do espírito e morte do espírito/morte da memória e do eco e da desmaterialização do corpo e do pensamento, criando assim a matéria inumana.

O corpo humano é um corpo de luz que carrega o universo consigo e está constantemente numa procura interna pela memória e pelos acidentes/acasos que criam um cordão umbilical emocional e familiar entre dois ou mais corpos. Cria-se o imaginário da passagem de tempo e de como o corpo se transforma em paisagem imaterial e reclama o tempo que nunca foi dele, através do cansaço. 

A performance cria um portal do mundo das formas (realidade) para o mundo Imaterial - um mundo transcendente que deixa em aberto um lugar livre de tudo o que a sociedade nos instala sobre como se deve viver e como se deve morrer, um porto de abrigo empático e solidário para qualquer espécie - um lugar onírico e distópico, que no fim procura dilatar o tempo numa forma de nos obrigar a observar a sentir. 


###### Equipa técnica
##### Direção e conceção artística | Hugo Cabral Mendes 
##### Colaboração Artística | Romeu Runa 
##### Co-Criação e interpretação | Hugo Cabral Mendes e Guilherme Barroso
##### Apoio à dramaturgia | Adriana Xavier
##### Apoio ao texto | Guilherme Filipe
##### Vídeo e Fotografia | Guilherme Gouveia
##### Vídeo promocional | Hugo Pedro e Hugo Cabral Mendes
##### Sonoplastia | David Taylor
##### Figurinos | Samuel Arguinzones
##### Direção Técnica e Desenho de Luz | Jorge Rosado
##### Olhares Externos | Miguel Moreira, Xandro Alvarez, Maria Inês Roque
##### Produção e Difusão | Hugo Cabral Mendes
##### Gestão Administrativa | Teatro Levantado a 2 - Associação Cultural
##### Co-Produção | Teatro Cine Torres Vedras
##### Apoio à residência | Estúdios Victor Córdon, A Bela Associação- Belalab
##### Espaço de Acolhimento | Festival Cumplicidades-Largo das Residências, Instituto da Vinha e do Vinho

O Ser Inumano ⎯ Hugo Cabral Mendes

PARA UMA TIMELINE A HAVER é um exercício coletivo de sinalização de marcos relativos ao desenvolvimento e disseminação da dança como prática artística em Portugal nos séc. XX e XXI. Levado a cabo intermitentemente desde 2016 e assumindo o presente como lugar de enunciação, visa permitir uma sinalização cruzada, relacionando eventos de matriz social, política, cultural, biográfica e artística. Exercício aberto e em processo, a cada edição sofre distintas mutações que levam frequentemente a uma reconfiguração física e metodológica do próprio projecto, que é obrigado a repensar-se.
Assumindo o presente como lugar de enunciação, assenta na construção singular de uma série de cronologias para a dança contemporânea em Portugal - dispondo no mesmo plano visual eventos de matriz social, política, cultural, biográfica e artística. Com este exercício trata-se de sinalizar episódios que - influenciando autores, práticas e instituições-se inserem numa perspetiva alargada tanto das transformações pelas quais a sociedade portuguesa passa como do discurso sobre o coreográfico (e o que é ou pode ser a dança como prática artística), criando uma ferramenta de estudo com ênfase não apenas na possibilidade de acreção, correção e remoção de informação, mas sobretudo na capacidade de multiplicação e desmultiplicação de ligações e narrativas.
Aproximando-se de estudos que procuram entender como disputados e operativos (e não fixos e imutáveis) os adjetivos 'novo', 'velho' e 'clássico' mas também a tríade 'moderno', 'modernização' e 'modernismo' – o dispositivo performativo de PARA UMA TIMELINE A HAVER permite provocar e construir memória, contribuindo para a elaboração de uma historiografia multivocal e descentrada.

Em 2023 realiza-se a edição VII da Timeline e será a última no seu formato de exposição, encerrando um ciclo no projeto iniciado em 2016. Se as edições anteriores se caracterizaram sobretudo por exposições em que foi dada a ver a investigação, esta edição da Timeline tem a particularidade de se focar principalmente nas obras, documentos e arquivos que constituem essa história — e que foram sendo encontrados no decorrer das anteriores edições.

##### Curadoria: Ana Bigotte Vieira, João dos Santos Martins
##### Co-curadoria, investigação e edição: Ana Dinger, Carlos Manuel Oliveira
##### Coordenação editorial do catálogo: Ana Dinger
##### Consultores gerais: André Lepecki, Vera Mantero, Miguel Wandschneider
##### Consultores por década: Daniel Tércio, Alice Samara, Júlia Leitão de Barros, Manuel Deniz Silva, Luís Trindade, Rahul Kumar, Luísa Roubaud, Paula Rocha e Ana Dinger, Stephanie Gonçalves, Luiz Antunes e Fernanda Rollo, José Sasportes, Maria de Assis, Margarida Bettencourt, Rui Horta, António Pinto Ribeiro, André Lepecki, Maria José Fazenda, João Fiadeiro, Sílvia Tengner, Alexandra Balona.
##### Contribuidores (2016-19): Alexandra Balona, Ana Cristina Vicente, Ana Dinger, Ana Mira, André e. Teodósio, António Cascais, Cristiana Rocha, Cristina Grande, Cristina Santos, Daniel Tércio, Duarte Bénard da Costa, Elisabete Paiva, Ezequiel Santos, Gil Mendo, Joclécio Azevedo, Luísa Roubaud, Magda Henriques, Margarida Bettencourt, Maria José Fazenda, Mariana Brandão, Mariana Pinto dos Santos, Mónica Guerreiro, Paula Caspão, Paula Garcia, Pedro Cerejo, Rita Luís, Rita Natálio, Rahul Kumar, Rogério Nuno Costa, Sílvia Pinto Coelho, Tiago Bartolomeu Costa.

##### Produção: Associação Parasita
##### Co-produção: (2019) Alkantara Festival, Centre National de la Danse — Aide à la recherche et au patrimoine en danse (Pantin, FR), Materiais Diversos; (2016) República Portuguesa: Cultura/ DGArtes Direção-Geral das Artes, Fundação Calouste Gulbenkian
##### Apoios: Centro de Estudos de Teatro, Instituto de História Contemporânea, Livraria Tigre de Papel (2016), Teatro Sá da Bandeira (Santarém, 2016), Teatro Viriato (2017).
##### Agradecimentos: ACCCA, Ana Pais, António Laginha/Centro Dança de Oeiras, António Liberato, Bernardino Aranda, Daniel Tércio, David Guéniot, Escola Superior de Dança, Ezequiel Santos, Emília Rosa, Francisco Camacho, Gil Mendo, Joana Patita, João Fiadeiro/RE.AL, José Sasportes, Júlia Bigotte Aranda, Leonor Lopes, Leonor Mendes, Liliana Coutinho, Luísa Roubaud, Madalena Victorino, Maria João Brilhante, Maria Filomena Molder, Maria João Guardão, Maria José Fazenda, Margarida Franco, Peter Schau, Rui Lopes, Sílvia Pinto Coelho, Susana Neves.

Para uma Timeline a Haver : genealogias da dança enquanto prática artística em Portugal

_Call Me Three Times_ é uma peça que explora o erotismo como um território ambíguo através da construção de estados de sonho, fantasia e ilusão. Estes elementos são abordados com a vida ficional de Clarissa Genosis, uma bailarina contemporânea transformada em artista de cabaré cuja história serve como estrutura de base para a peça. A peça é uma acumulação de imagens, fantasias e histórias fragmentadas que levam o público a confrontar os seus próprios mecanismos de desejo e repugnância em relação ao retrato social de Clarissa.
É uma exploração de imagem autoproduzida, dança erótica e a auto-fabricação do desejo através da lente de música-vídeos, pop stars e trabalho em vídeo. Através de segmentos articulados com projecção de vídeo ao vivo, vídeo pré-gravado e acção ao vivo, convido o público a explorar as múltiplas facetas das minhas perguntas individuais, vulnerabilidades e a sua falsificação.
Com uso de poética, alegria e humor, _Call Me Three Times_ pretende ser, em última instância, um encontro entre uma pessoa e uma câmera. Entre as diferentes facetas do corpo dançante. Entre um filme e um palco, uma bailarina e seu cliente. No contexto da dança contemporânea, este trabalho introduz elementos cinematográficos como diálogos simples, ação e decoração para definir uma série de cenas que pintam realidades sociais e também fantasias impossíveis. 

Call Me Three Times

Que som é este que faz uma língua e que tantos sentidos lhe dá? Poderá uma paisagem sonora definir o fundo das nossas vidas? _ÃO_, ditongo nasal específico da língua portuguesa, é um espectáculo que une a coreógrafa Ana Rita Teodoro, o músico João Neves e o performer e escritor André e. Teodósio.
O ponto de partida, na senda de artistas tão diversas como Meredith Monk ou Fátima Miranda, é a construção de uma experiência sensorial onde a narrativa e a estética visual não se sobrepõem à construção sonora. A sonoridade resulta de composições musicais originais que trabalhem com esse ditongo de tão difícil elocução para quem não domine a língua portuguesa. O som e as palavras, que implicam a língua, os pulmões, o esqueleto e a relação com o meio envolvente, materializam-se em ideias, idiomas, impelindo para a ordem e o recreativo. _ÃO_ é um espectáculo coreográfico, musical e, de certa forma etnográfico, que inscreve no presente os sentidos gerados a partir de uma experiência sonora do passado, quando alguém disse: _ÃO_.


###### -ÃO (título provisório)
(terminação latina -o, -onis ou -anus, -a, -um)

###### sufixo
1. Indica valor aumentativo (ex.: mulherão; paredão; salão).
2. Indica valor diminutivo, com uso pouco frequente (ex.:
calção; caravelão; escotilhão).
3. Indica origem ou proveniência (ex.: aldeão; cidadão;
coimbrão).
4. Indica acção ou resultado da acção (ex.: puxão;
rasgão; repelão).
5. Indica agente da acção (ex.: berrão; mandão; saltitão).
6. Indica idade (ex.: quatrocentão; trintão).
7. Indica recipiente (ex.: embalão; papelão; vidrão).
8. Indica instrumento (ex.: esfregão; picão; segão).




-ÃO ⏤ Teatro Praga

_GRACELESS_ é uma performance a solo que recorre à dança, à partilha de histórias e à música folclórica feminista para corporizar e narrar a experiência de ser lésbica queer numa comunidade pequena. Este solo interbiográfico dialoga com as histórias de artistas e ativistas lésbicas ao longo do século passado, ao mesmo tempo que reflete sobre as minhas próprias raízes, migração, e o conflito de sentir saudades da própria cultura enquanto esta nos oprime.





Graceless ⏤ Rachel Mauney

Criação original em dança contemporânea, _A Flor da Liberdade_ inspira-se em poesias e músicas utilizadas como senhas na Revolução dos Cravos, numa simbiose artística onde a narrativa evoca o valor da Liberdade e da Democracia. Neste espetáculo dança-se a poesia, toca-se a dança e declama-se a música, numa saudação à Liberdade conquistada na Revolução de abril.
##### Durante a sua carreia de bailarina, Nilsen Jorge trabalhou com coreógrafos de renome internacional, como Rudy vanDantzing, Hans van Mannen, Toer van Shaik, Jorge Trincheira, Armando Jorge, Dalal Achar, entre outros. Como professora de Dança, leciona em vários estabelecimentos de ensino, sendo responsável pela Escola Municipal de Ballet de Portimão, cargo que ocupa desde 1986. Em 2007, obteve o grau de Mestre em Linguística pela UALG. Atualmente, é doutoranda em Relações Internacionais na Universidade Nova de Lisboa.


###### Ficha técnica

##### Direção artística, conceito e coreografia | Nilsen Jorge
##### Assistente de coreografia | Thora Nadeshka
##### Intérpretes criadores | Thora Nadeshka, Miguel Querido, Catarina Marques, Tiffanie Millenka
##### Ator | Rafael Couto
##### Bailarinos estagiários | Daniela Afonso, Maria João Barata, Mariana Justino, Sofia Afonso
##### Guitarrista, cantor | Paulo Viegas
##### Guitarrista | Martim Marreiros
##### Direção técnica | Jorge Fonseca
##### Desenho de luz | Nilsen Jorge
##### Figurinos | Associação Cultural Dancenema
##### Produção | Associação Cultural Dancenema
##### Co-produção | Teatro Municipal de Portimão, Município de Portimão
##### Residências Artísticas | Centro de Artes de Lisboa, OPART - Estúdios Victor Córdon, Pólo Cultural Gaivotas | Boavista, Casa das Artes de Portimão


A Flor da Liberdade ⏤ Nilsen Jorge

_H_ é uma peça de dança contemporânea criada por um coletivo de artistas recém licenciados pela Escola Superior de Dança, do qual fazem parte Amélia Caldas, Ana P. Silva, Francisca Poças, Luís de Oliveira e Mariana Tiago, e surge da sua necessidade de se expressarem e se apresentarem enquanto novos artistas.

###### Sinopse

1. Não use nenhum outro recipiente de contenção, exceto o naturalmente fornecido.  
2. Selecione a tensão de entrada correta que corresponda à sua rede local: 
8 a 80V.  
3. Antes de usar filamentos padrão, sugerimos o uso de fios experimentais,  
tais como: LUZA ROCELINA, A NAMORADA DO MANUEL, LEU NA MODA DA ROMANA:  ANIL É COR AZUL. ÓDIO DO DOIDO. A MALA NADA NA LAMA. A TORRE DA DERROTA. 
4. Mantenha longe do alcance mor(t)al.

###### Ficha técnica

##### Cocriação e interpretação | Amélia Caldas, Ana P. Silva, Francisca Poças, Luís de Oliveira e Mariana Tiago
##### Direção de cena | Miguel Querido 
##### Assistência artística | Camila Poças 

H ⏤ Após a sopa

A obra em criação durante a residência, intitulada _Letters from Isadora_, é inspirada no livro _The Art of the Dance_, uma compilação de ensaios escritos por Isadora Duncan sobre arte, poesia, filosofia, transportando a dança para o mundo moderno. Esta peça procura honrar o legado de Isadora, concedendo a cada intérprete o espaço para se expressar de forma genuína, enquanto reflete sobre os escritos de Duncan e tenta responder às perguntas que procuram desvendar o que é a dança, o que é que esta traz para as nossas vidas, e porque é que a sua existência é importante.  

A peça é co-coreografada por Mary Sano em colaboração contínua com as bailarinas Alexandra Zeidan, Julie Dubois e outras. A música que acompanha a obra, uma peça contemporânea para piano especificamente composta para o projeto, é de Tony Chapman.

Letters from Isadora ⏤ Mary Sano

É do desconhecimento quase generalizado o facto de que o Fado foi dançado durante quase metade da sua existência. Na Lisboa oitocentista, esta dança com forte expressão social denominava-se “Fado Batido”, nome que advém do ato de sapatear, de bater com o pé no chão ao som do fado.

_Maçã de Adão_ assume-se desta forma como um forte contributo para a reconstrução de um episódio da nossa história que padece de um apagão da memória coletiva. Estará o fado triste dos nossos dias, que é tão distante do fado boémio oitocentista, a chorar a saudade da sua dança? 

Este é um projeto que tem o potencial de re-acordar e trazer de novo à luz uma das peças que compõem o puzzle tão rico e complexo da nossa identidade portuguesa. Contando com a edição de um álbum composto inteiramente por Jonas com temáticas que reacendem o Fado dançado, de _Maçã de Adão_ faz também parte um espectáculo ao vivo, a ser apresentado em digressão, com quatro músicos, dois bailarinos e o próprio fadista. O concerto levará o público a revisitar as origens do Fado com olhar posto na contemporaneidade que caracteriza a carreira de Jonas.

###### Ficha artística e técnica

##### Direção Artística | Jonas 
##### Apoio Dramatúrgico | Lander Patrick 
##### Coreografia | Jonas&Lander 
##### Interpretação | Acácio Barbosa, Bernardo Romão, Jonas, Lander Patrick, Lewis Seivwright, Tiago Valentim, Yami Aloelela 
##### Direção Técnica e Desenho de Luz | Rui Daniel 
##### Operação de Som | João Pedreira 
##### Adereços | Rita Torrão 
##### Figurinos | Fábio Rocha de Carvalho 
##### Casa de Produção | Associação Cultural Sinistra 
##### Direção de Produção e Difusão | Inês Le Gué 
##### Gestão Administrativa e Financeira | Gabriel Lapas 
##### Coprodução | Teatro José Lúcio da Silva, Município de Alcanena, Cineteatro Louletano 
##### Apoio  à  Criação | Casa  Varela  -  Município  de  Pombal,  Estúdios  CAB, Largo Residências, OPART | Estúdios Victor Córdon, O Espaço do Tempo 
##### Projeto apoiado pela República Portuguesa – Direção-Geral das Artes.

Maçã de Adão ⎯ Jonas&Lander 

_Roda-viva (a menina e o círculo)_ é um espetáculo que combina circo, dança, desenho e música.

A relação da dança e do circo com a Geometria é forte e intrínseca. Corpo e espaço estão sempre intimamente ligados, num desenho imaginário de linhas que ficam a pairar no espaço, largadas pelo corpo à medida que este se move.  Como é que a geometria pode ser apreendida a partir do corpo, pensando e imaginando histórias que se liguem com o sentir? 

Surgiu, assim, a ideia de criar um espetáculo do qual resulte um livro, que contará a história de uma menina e de um círculo. 

_Cada volta, uma página em branco, um recomeço, a frescura da novidade, a primeira vez._

_A Carolina gosta de andar em círculos. Enquanto anda, pensa. Pensa melhor se andar, ainda melhor se rodopiar. E sonha, sonha que dá a volta ao mundo em cambalhotas e saltos mortais, sonha com pássaros que voam em círculos e com vulcões que aceleram o coração, com o sangue que corre no seu corpo e com a água que corre em turbilhões. Pensa, sonha e roda._

_O círculo como forma perfeita, a menina fazendo parte desse círculo, introduzindo-se, fundindo-se nele._

_Histórias sem fim, novos recomeços. Ideias que geram ideias, o pensamento como uma linha contínua que sofre mutações constantes. Uma só volta quantos pensamentos gera? Pensamento e imaginação, as possibilidades infinitas que o pensamento nos traz._

_Uma menina do mundo, a cada volta um novo lugar, novos encontros, diferentes amigos, novos sentimentos._

Espetáculo e livro nascerão em simultâneo, resultantes de um trabalho de experimentação prática em comum.
 

 ###### Ficha técnica
 
 ##### Ideia original e Direção Artística | Cláudia Nóvoa 
 ##### Interpretação | Carolina Vasconcelos   
 ##### Interpretação e Desenho ao vivo | Rachel Caiano 
 ##### Música original e Interpretação  | Sílvio Rosado 
 ##### Texto | Sandro William Junqueira 
 ##### Coreografia | Cláudia Nóvoa
 ##### Cenografia | Joana da Matta
 ##### Figurinos | Rachel Caiano  
 ##### Execução de Figurinos | Isabel Telinhos 
 ##### Desenho de Luz | Tasso Adamopoulos 
 ##### Registo Fotográfico e Vídeo | Susana Chicó
 ##### Design Gráfico | Sebastião Rebolo (a partir de imagem de Rachel Caiano)
 ##### Produção | Hipótese Contínua, Associação Cultural



Roda-viva  ⏤ Cláudia Nóvoa

_A Morfia_ é um projeto de dança que recorre a conceitos científicos para fundir arte com uma ficção onírica. Partindo da narrativa de uma criatura sem forma que se encontra num ambiente extremamente inóspito, pretende-se confrontar o real e o ficcional, colocando o presente diante duma aporia, quando pela plasticidade performática se especula sobre a evolução e transformação da matéria.

Um ser indefinido, extremófilo, que se adapta a vários ambientes extremos e cuja morfologia se transforma ao passar por cada um destes habitats, sofre mutações que permitem que sobreviva a cada um deles. Inspirámo-nos, assim, em desertos reais, como Danakil, na Etiópia, ou Vostok, na Antártida, onde podemos encontrar formas de vida - organismos extremófilos - a que esta nossa criatura se pode assemelhar, assim como morfologias que num ambiente mais afável podem permitir que a criatura se expanda e se torne mais vulnerável.

Pretende-se, com base na pesquisa e análise de determinados elementos naturais, construir uma especulação em torno de evoluções organicistas, numa alienação biológica de ecossistemas e criaturas, para se experimentar no corpo performático uma investigação em torno dos sistemas naturais e a sua transformação pós-humana. Apresentamos uma realidade distópica para provocar espaços de reflexão e diálogo sobre o impacto dos humanos nos ecossistemas. 


###### Ficha técnica

##### Concepção artística e espaço cénico | Mariana Ramos e Pedro Ramos
##### Interpretação | Pedro Ramos
##### Assistência artística | Sandra Rosado
##### Composição musical | Pedro Carneiro
##### Desenho de luz | Zé Rui
##### Construção dos objetos cénicos | Silveira Cabral
##### Comunicação e Design | Nádia Carmo
##### Produção Executiva | Matilde Anjos
##### Gestão e Produção | Bruno Esteves
##### Acompanhamento e registo documental | David Cachopo e Luís Margalhau
##### Apoio à criação | Estúdios Victor Córdon
##### Apoios | CML, Performact, Trilhos Verdes, J.F .de Av. Novas 


A Morfia ⎯ Ordem do Ó

Na temporada de 2022/2023 do projeto IMERSÃO, Marco da Silva Ferreira é um dos artistas convidados pelo Queer Art LAb, e estará toda a semana nos EVC a desenvolver uma residência artística neste contexto.

IMERSÃO - Laboratórios artísticos é um projeto anual interdisciplinar, criado pelo Queer Art LAb, que se apresenta como um laboratório de criação artística, com diferentes salas e vários focos de expressão artística. Têm como objetivo a compreensão de diferentes formas de utilização do campo da arte como meio de produção do debate social sobre temas contemporâneos. 

O convite para IMERSÃO é dirigido a artistas cuír emergentes que terão acesso a uma bolsa e apoio / mentoria de artistas mais experientes. Marco da Silva Ferreira é um dos convidados que integram o projeto durante este ano.





Queer Art Lab ⏤ Marco da Silva Ferreira

_Temos pressa para ser e o que sou grita aqui e agora. É hora de meter os sonhos à boca, de correr por todos os meus desvios, catapultar-me. Ser outro lugar de mim. Frenético, um tanto ingénuo, um corpo refém de sonhos tortos, duros de roer._ 
_Temos pressa para ser, quero pendurar-me nos meus devaneios e não ser um mero alguém, um mar de imposições, dogmas e apenas o tempo que sobra. A minha idade é  oca, oco o que ela me traz, e por saber o que quero anseio por ver a hora de ser._ _(do diário de Marco Olival)_

Partindo da questão “O que é ser jovem?” e da ideia de “ter pressa para ser”, 
_Indomado_ nasce da ânsia de querer fazer tudo instantaneamente e do confronto com a perigosa inconstância das expectativas. Imaginemos um lugar onde a luta contra o tempo é constante, onde os sonhos são catapultas ou armadilhas e onde todas as decisões a ser tomadas são incertas. Um lugar onde a vontade e a realidade colidem e o corpo e a voz emancipam este embate.

_Indomado_  insere-se  na  1ª  Edição  do  programa  IMPULSO,  um  projeto  apoiado  pela Câmara Municipal do Funchal, empenhado em dar a oportunidade a jovens artistas de desenvolverem os seus primeiros projetos no Teatro Municipal Baltazar Dias, e que visa criar num público jovem um sentimento de identidade, pertença e afinidade. 

###### Ficha Artística
##### Criação e Interpretação | Marco Olival
##### Criação Musical | Pedro Joaquim Borges
##### Espaço Cénico | Rodrigo Costa
##### Desenho de Luz | Teresa Antunes
##### Dramaturgia de Movimento | Luiz Antunes
##### Figurino | Henrique Teixeira
##### Fotografia de cartaz | João Hasselberg
##### Fotografia de Cena e Video | Ângelo Sousa
##### Coprodução | Teatro Municipal Baltazar Dias, Câmara Municipal do Funchal
##### Produção | Heurtebise Associação Cultural
##### Apoio à criação | Estúdios Victor Córdon
##### Apoios | Casey’s Dance Studio, Teatro Feiticeiro do Norte, Rede Ex Aequo

INDOMADO ⏤ Marco Olival

HIPER ⎯ Sara Silva

Vära é um objeto coreográfico que surge na urgência do encontro entre corpos. Em palco, sete corpos habitam um espaço cercado por plásticos, aludindo à exposição da carne num talho. É aqui que procuram e potenciam a tentativa de diálogo através da repetição, acumulando erros e ampliando o confronto com a realidade de cada um.

Vära convoca o corpo como este campo sensível de possibilidades. Ecoando a referências como a _Odisseia_, de Homero, e o _O Teatro e o seu Duplo_, de Antonin Artaud, o corpo inscreve-se enquanto lugar primitivo, como matéria base transformadora do ser e da sua construção do real. Este corpo naturalizado, subjectivo e solitário reverbera a sua potência transformadora na voz coletiva da coreografia. VÄRA é um trabalho sobre a carne.

_Estou à procura de um laboratório daqueles muito brancos e frios e azuis, parecidos a um talho no momento em que se acendem as luzes da cozinha, onde possamos pendurar a pele. Um sítio onde nos beijemos e toquemos violino juntos, dentro de carcaças, descalços, a vindimar o fígado... Onde passe um techno cool a meio de uma música coral ortodoxa e muitas flores, muitas muitas flores azuis, para ser bonito e para podermos ser felizes._



###### Ficha artística

##### Direção Artística, Coreografia e Conceito | Daniel Matos 
##### Performers e Co.criadores | Adriana Xavier, Sofia Kafol, Joana Pinto, Jean-loup Gayrard, Lia Vohlgemuth, Mélanie Ferreira & Marco Olival 
##### Colaboração Artística e Assistência de Ensaio | Beatriz Marques Dias 
##### Desenho de Luz | Manuel Abrantes 
##### Direção Técnica | Raúl Seguro 
##### Banda Sonora Original | João Galante aka Coolgate 
##### Espaço | Daniel Matos & Diogo Silva 
##### Fotografia | Rui Palma 
##### Fotografia de Cena | Bruno Simão 
##### Adereços Têxteis | Marina Tabuado 
##### Comunicação | Maria Tsukamoto 
##### Direção de Produção e Administração | Joana Flor Duarte 
##### Assistência de Produção | Filipa Garcez  
##### Grafismo | Sergiu Toma
##### Produção | CAMA a.c.  
##### Coprodução | Câmara Municipal de Lagos, Teatro das Figuras. 
##### Residências Artísticas de Coprodução | O Espaço do Tempo, Verão Azul - Festival Internacional de Artes, CAMADA - Centro Coreográfico 
##### Apoio | Estúdios Victor Córdon / OPART, Musibéria, Companhia Olga Roriz, Teatro Experimental de Lagos, Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo, Pro.Dança, Estúdio CAB, Casa da Dança de Almada, Casa das Laranjeiras, Herdade do Freixo do Meio, Escola de Dança de Lagos 
##### Agradecimentos | Sofia Soromenho, Francisco Pedro, Rui Horta, Mariana Malheiro, Hugo Cabral Mendes, Martim Alvarez. 
##### Apoio à Circulação | Fundação GDA 

VÄRA é um projeto financiado pela República Portuguesa - Ministério da Cultura / DGARTES e pelo programa Garantir Cultura. 


VÄRA ⎯ Daniel Matos

No conto _Meu tio o Iauaretê_, Guimarães Rosa convida-nos a navegar numa narrativa onde um homem, em isolamento, ao receber a visita de um forasteiro e sentir-se ameaçado, se transmuta em onça, devorando o visitante. É sobre uma natureza forte, primitiva, furiosa, selvagem, implacável, vingativa, encantada.

Neste estudo performativo, Francisco e Francisca investigam gestos inacabados, modulações tónicas e ativações da presença dentro de uma ficção onde habitamos uma floresta de seres mágicos que são onça, que são gente, que são onça, que são gente. Nesse espaço de imaginação, onde público e performers estão muito perto, morreremos ao som de cigarras.


###### Ficha técnica

##### Criação e Performance | Francisca Pinto e Francisco Thiago Cavalcanti 
##### Músicos | Domenico Lancelotti e Ricardo Dias Gomes  
##### Colaboração na criação | Bárbara Cordeiro e Clara Kutner  
##### Videoinstalação | Clara Kutner 
##### Desenho de luz | Santiago Tricot  
##### Assistência técnica | Bárbara Cordeiro  
##### Apoio à criação | Fórum Dança e Casa da Dança 
 

Quando eu morrer me enterrem na floresta

O café é muitas vezes associado à pausa e o efeito aromático do seu uso em palco gera um ambiente que convida a esta sensação. Ao adicionar música e narrativa aprofunda-se esta sensação e, assim, o dueto acaba quando a sensação domina e o vazio se torna num lugar de entusiasmo. 

Dando continuidade ao desenvolvimento da sua linguagem coreográfica em conjunto, este dueto está de momento a ser revisitado e terá a sua estreia no Blois Dance Festival, em julho de 2023.

Beatriz Mira e Tiago Barreiros iniciaram a sua colaboração como dupla coreográfica com o dueto _Corrente_, que nasceu das residências na Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo e nos EVC.A primeira apresentação do trabalhou aconteceu em Viseu, no Festival Lugar Futuro (2021), e este foi depois integrado no repertório da CPBC, no contexto da qual estreou em fevereiro de 2022. A peça foi também apresentada em Seteais, na Quinzena de Dança de Almada, no RIDCC (Amesterdão), e recebeu o “Partner Award” do Dutch National Ballet – o que lhes deu a oportunidade de criar para a companhia júnior da mesma instituição, em agosto de 2023. 

###### Sinopse
##### café é um lugar.
##### um lugar escuro. um lugar quente.
##### um lugar de retorno.
##### não começa nem acaba, existe pela repetição, 
##### na repetição, gera uma sensação.
##### vive apenas enquanto sensação.
##### café é um dueto de procura de algo novo.
##### e encontra algo novo naquilo que já conhecemos.


###### Ficha artística
##### Coreografia e Interpretação | Beatriz Mira & Tiago Barreiros
##### Música original | João Caldas
##### Música | Sonoplastia sob o tema 'Concerto in B minor, BWV 979: V Andante', de Johann Sebastian Bach

Café ⏤ Beatriz Mira & Tiago Barreiros

_Nota imperfeita à criação_
Atopos é a figura que o ser apaixonado faz do ser que ama. Pela distinção que lhe é atribuída, o ser amado é inqualificável. Por na sua singularidade responder tão completamente à especialidade do desejo daquele que se deixa enfeitiçar por ele, a atopia é o estado elevado do ser humano. Como no amor, qualquer parecer que fazemos do outro é sempre um reflexo de nós próprios, uma extensão das nossas crenças e particularidades de gosto.

_Atopos_, a peça, nasce do encontro de dois jovens coreógrafos com intenção de pensar o olhar que dedicamos aos corpos e o seu valor enquanto parte e expressão de cada ser, e cresce como vontade artística quando esse interesse se cruza com a perspetiva poética de o fazer sobre o suprassumo da nossa admiração. Apesar da sua pesada valorização, o ser amado é mais do que o lugar que criaram para ele, é sempre também o recôndito, é sempre a relação entre o recôndito e o espaço iluminado.


###### Ficha Artística
##### Direção e Coreografia | Beatriz Mira, Miguel Santos
##### Interpretação | Beatriz Mira, Miguel Santos
##### Composição Musical | Beatriz Mira, Miguel Santos
##### Espaço Cénico e Figurinos | Luísa Cortez, Rafaela Santos Graça
##### Desenho de Luz | Ângela Bismark


Atopos ⎯ Beatriz Mira & Miguel Santos

_Perpetuam e reproduzem-se estereótipos gerados por uma ignorância obsoleta. Mas existirá um denominador comum? O que é o eu por baixo de todas essas construções? Existirá algo por baixo de todas essas colonizações sociais? Ou o indivíduo está condenado a existir como uma amalgama de pré-construções?  Quantas estruturas habitam o corpo que tomo como meu?_

«A  experiência  de  que  parto  é  pessoal,  de  um  corpo  e  de  uma identidade  em  confronto  entre múltiplas pressões para ser e a lutar por uma possibilidade de permanência, de uma interioridade em sintonia com uma exterioridade. Como numa visita a um Candomblé, como quem mergulha no mistério e na magia da existência humana e quer ir mais a fundo, parto da certeza do muito que não sei. Não sei como muitos corpos acontecem num mundo que, para mim, é um dado adquirido. O meu mundo como dado adquirido é a minha experiência: cresci em  Odivelas, sou  afrodescendente,  filha  de  pais  angolanos,  estudei  num  colégio privado – a minha experiência é limitada. Quero pesquisar intensiva e exaustivamente os corpos que não conheço, que têm contextos, identidades, e experiências distintas do meu corpo.»  

«No  meu  imaginário  sonhador,  vejo  o  projeto  como    um  oceano  – cheio  de  curiosidade  e necessidade  de  reflexão  sobre  estas  narrativas  – que  se  expande  em  diferentes  canais  que alcançam os vários sentidos comunicando: procurarei em conjunto com outros a palavra que  dê poder a quem se queira fazer escutar; as imagens que abrem as linhas, portas e janelas num horizonte tendencialmente mais fechado; e o movimento que toque o ar que o rodeia, agitando-o.»


###### Ficha Técnica

##### Conceção e interpretação | Natacha Campos  
##### Sonoplastia | Diogo Melo
##### Apoio à dramaturgia | Rui Catalão 
##### Luzes | João Chicó (a confirmar)  
##### Olhar Externo e Apoio à criação | Joana Pinto  
##### Apoio | Self-Mistake, Espaço do Tempo e Rua das Gaivotas 6

ÍLA ⏤ NATACHA CAMPOS

_ESTUDOS DA VOZ – dissociação, êxtase, fantasmas e outras ficções sónicas_ é um projeto expandido de investigação em dança que parte da voz como tecnologia ancestral de encantamento, oralidade e memória. Estuda os espaços limiares entre linguagem, som, respiração, vibração, fabulação, aspetos sensoriais das palavras e anatomias alucinadas e situa-se na experiência de ser um corpo trans não binário enquanto estratégia para questionar alguns dos paradigmas históricos da visualidade, fundados em discursos normativos de captura e evidência.

O projeto é composto por uma série de estudos (estudos da dissociação, estudos da alucinação e estudos-fantasma) com os quais Alina Ruiz Folini aborda diferentes estratégias de prática física, escrita e arquivo, assim como colaborações específicas, de forma simultânea - e emaranhada com o processo de criação. 


###### Ficha Técnica

##### Criação e colaboração artística | Alina Ruiz Folini, Juli Frodermann, Rita Natálio, Maura Grimaldi, Isis Andreatta, Aline Belfort 
##### Direção Geral | Alina Ruiz Folini


ESTUDOS DA VOZ ⏤ ALINA RUIZ FOLINI

O _Mestrado em Criação Coreográfica e Práticas Profissionais_, da Escola Superior de Dança, proporciona, como o nome indica, o aprofundamento de competências de criação coreográfica. Assim, foca-se nas especialidades de coreografia, interpretação e mediação artística em dança, ampliando e valorizando a formação no âmbito das artes performativas. Promovendo a investigação pela prática, pretende fortalecer a relação desta com a dimensão conceptual da criação e estimular, em termos gerais, a produção de conhecimento.

No ano letivo 2022/2023, os EVC recebem duas fases do programa intensivo deste curso. O Programa Intensivo 3 decorreu em janeiro e contou com a presença da professora Eva Lopez Crevillén em Interpretação de Obras Coreográficas, Victor Hugo Pontes em Métodos e Processos de Criação e Raquel Ribeiro dos Santos em Mediação Artística em Dança. 

O Programa Intensivo 6, a acontecer também nos Estúdios, decorre entre junho e julho de 2023 e tem como formadoras Clara Andermatt, Amélia Bentes e Ana Trincão. 

Mestrado em Criação Coreográfica e Práticas Profissionais

_Homenagem_ é um espetáculo de teatro-dança que põe em cena a problemática da extinção de espécies (flora e fauna), cuja ausência antevê silenciosas porém duras repercussões na vida do planeta. Emergindo da linha ténue entre o trágico e o cómico, revelará contradições do comportamento humano na sua interação com o planeta Terra. A investigação, apesar de exaustiva, será́ infinda, procurando sensibilizar para a existência de espécies que também aqui devem ter lugar. 

###### Ficha Artística
##### Criação e interpretação | Yael Karavan e Naomi Silman
##### Apoio à fisicalidade | Vânia Rovisco
##### Dramaturgia | Andresa Soares
##### Figurinos | Carlota Lagido
##### Objetos e cenografia | João Ferro Martins
##### Banda sonora e sonoplastia | Diogo Alvim
##### Desenho de luz | Luís Moreira
##### Assessoria artística | Ana Cristina Colla e Raquel Scotti Hirson (LUME Teatro)
##### Consultoria científica | Prof Dr Carlos Joly, Prof Andre Lucci Freitas e Prof Dr Thomas Lewinsohn (UNICAMP, Brasil)
##### Pesquisa de campo | aldeias Guarani Itakupé e Kalipety (região metropolitana de São Paulo, Brasil)
##### Produção executiva | Academia de Produtores Culturais 
##### Co-produção | Teatro das Figuras (Faro) e LUME teatro (Brasil)
##### Financiamento | Fundação Calouste Gulbenkian, GDA, Iberescena
##### Apoios | Estúdios Victor Córdon, Companhia Olga Roriz, Penhasco

Homenagem ⎯ Yael Karavan

_CAUSA MAIOR_ é um projeto desenvolvido pela Companhia Maior (2021-2023) e apoiado pelo programa PARTIS da Fundação Calouste Gulbenkian e Fundação “la Caixa”. Tem como objetivo avaliar e refletir sobre o “valor social” da Companhia Maior com a intenção de o demonstrar publicamente e ampliar as vozes das pessoas e do trabalho artístico e crítico da companhia. Pretende-se explorar outras leituras e outros lugares do envelhecimento e contribuir para o debate de políticas públicas mais adequadas para a saúde e bem-estar dos mais velhos, através do exemplo da Companhia. 

Depois das criações de Sofia Dias e Vítor Roriz e Ricardo Neves-Neves, em 2023 a Companhia inicia uma nova criação com Aldara Bizarro.
Para além da componente coreográfica, _CAUSA MAIOR_ desenvolve uma
vertente retrospetiva da avaliação de impactes do projeto na qualidade de vida dos seus participantes, complementada por uma vertente prospetiva, assente num estudo longitudinal ao longo dos três anos.

O projeto termina com uma nova criação de Aldara Bizarro, coreógrafa que reúne uma experiência sólida no diálogo inter-geracional e na atenção da
comunidade não profissional, neste caso em particular, as pessoas de idade mais avançada e de menor protagonismo na sociedade.

Companhia Maior ⎯ Aldara Bizarro

Em _A Pedra, a Mágoa_ coloca-se a entidade família como objeto de estudo, debruçando-se sobre construções hierárquicas que a compõem, alicerçadas numa mentalidade tradicionalista em que a parentalidade assume um papel mitológico como espaço heróico intocável. Questionando o limbo entre o público e o privado, assume-se o corpo como uma escavação a céu aberto, um corpo deixado, um corpo de abandono, um corpo animal de carga semelhante às 1750 pedreiras inativas em Portugal. 
Nesta nova criação, Daniel Matos propõe-se a revisitar e recompor o _Prélude à l'après-midi d'un Faune_ de Claude Debussy, relacionando os conceitos de destruição, mito e romantismo numa obra dedicada aos seus pais.”


###### Ficha Artística
##### Direção Artística, Criação e Concepção Plástica | Daniel Matos
##### Performers e Co-criadores | Lia Vohlgemuth e 3 intérpretes a definir após-audição
##### Colaboração Artística e Assistência de Ensaio | Beatriz Marques Dias
##### Apoio à Pesquisa | Sofia Soromenho
##### Banda Sonora Original (a partir de Debussy) | João Galante aka Coolgate e José Cruz
##### Desenho de Luz | Manuel Abrantes
##### Direção Técnica | Raúl Seguro
##### Cenografia | Daniel Matos & Manuel Abrantes
##### Fotografia | Rui Palma e Bruno Simão
##### Vídeo | João Catarino
##### Comunicação | Maria Tsukamoto
##### Assessoria de Imprensa | Tiago Mansilha
##### Direção de Produção | Joana Flor Duarte
##### Produção | CAMA a.c.
##### Co.Produção | Teatro das Figuras, Teatro Municipal Baltazar Dias, Cine-Teatro Louletano, Casa Varela/Cine-Teatro de Pombal - Município de Pombal, Município de Lagos
##### Residência de Co.Produção | O Espaço do Tempo, Musibéria
##### Apoio à residência | OPART|Estúdios Victor Córdon
##### Apoios | ESTUFA - Plataforma Cultural, Espaço Alkantara, Companhia Portuguesa de Bailado Contemporâneo, CAMADA - Centro Coreográfico, Associação de Dança de Lagos, Teatro Experimental de Lagos

Audição ⎯ "A Pedra, A Mágoa" de Daniel Matos

_Raio de ti_ é uma performance-instalação que busca reflectir sobre a apropriação artística e levantar questões relacionadas com a experiência, a memória e a representação que são próprias deste projecto: a história de vida e o lugar de fala. O projeto revela a emancipação e poder da criação artística da mulher, apropriando-se do filme, nunca concluído, _Nether Ballerina of Rottingdam_ que teve como móbil criativo trocas e tensões entre dois mundos, o do cineasta Demetri Estdelacropolis e o da performer/bailarina contemporânea Rita Vilhena. As lentes da câmera do cineasta exploraram a imagem da jovem altamente erotizada, em tarefas mundanas e em trabalhos precários, a fim de sobreviver na sua condição de artista. A partir do acervo de 150h, Rita vai reeditar esse período de vida para dar lugar a uma nova leitura dos raios que o cineasta deixou em si. Criar _Raio de ti_ é mais que um ajuste de contas com o passado, é criar um novo discurso poético-sensível sobre o que pode ser a construção de memória e, sucessivamente, a possibilidade de contaminar um futuro mais livre e inclusivo.

##### Ficha Artística
concepção, criação e interpretação | **Rita Vilhena**
vídeo | **Demetri Estdelacropolis**
edição-montagem vídeo | **Lisa Nelson e Rita Vilhena**
dramaturgia | **Ana Vitória e Rita Vilhena**
sonoplastia | **Mariana Camacho e Rita Vilhena**
figurino | **Carlota Lagido**
desenho luz | **Nuno Patinho**
design e registo fotográfico | **Josefa Searle**
produção | **Partícula Extravagante e Inês Achando**

"Raio de ti" ⎯ Rita Vilhena

This program supports independent artistic creation, welcoming Portuguese and international dance artists and creators from other artistic areas, for a maximum period of two weeks. Since its inception, EVC is a space of cohabitation of multiple languages, acting in direct response to the needs of the artistic community.


Artistic Residencies

Neste programa de residências direcionadas especificamente para a fotografia, os EVC recebem artistas deste campo que se interessem pelas artes do palco e procurem fixar o movimento através do seu médium de eleição. Em residência no nosso espaço por um período de tempo determinado, a cada fotógrafo ou fotógrafa é dada a liberdade de captar o que desejar quando desejar, no sentido de estimular ao máximo a relação destes artistas com o movimento constante e a rotina dinâmica dos Estúdios. 

Com o objetivo de valorizar a fotografia como forma de arte, mas também de a tomar em consideração, de um modo mais livre e abrangente, como forma de expressão e comunicação, estas residências proporcionam um espaço de liberdade para experimentar e desenvolver um olhar artístico próprio. Ao mesmo tempo que o artista em residência se desafia e se empenha no trabalho autoral, este é exposto às artes performativas em ebulição constante nos EVC e aos vários projetos de movimento e dança que ali se desenvolvem, o que constitui uma aprendizagem única e significativa sobre estas artes, as suas características e as suas dinâmicas próprias. Perante a cena, o fotógrafo ocupa uma posição muito particular, onde terá de lidar com desafios como iluminação, espaço cénico, contexto de ensaio e – igualmente essencial – como se relacionar com os intérpretes.


Residências Artísticas de Fotografia

Residências Artísticas 

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1º Ciclo

_1º Ciclo_ é um programa dedicado a jovens criadores recém-formados, com o objetivo de apoiar a criação das suas primeiras obras. Nesta temporada, os EVC darão apoio à criação a nível nacional, promovendo parcerias com várias estruturas do ensino ligadas às artes performativas, a saber, a Escola Superior de Dança (ESD), a Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), a Faculdade de Motricidade Humana (FMH) e o Fórum Dança.

_1st Stage_ is a program dedicated to young, recently graduated artists, with the aim of supporting the creation of their first works. This season, the EVC will support artistic creation at a national level, promoting partnerships with various educational structures linked to the performing arts, namely, Escola Superior de Dança (ESD), Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), Faculdade de Motricidade Humana (FMH) and Fórum Dança.


1st Stage

_1º Ciclo _é um programa dedicado a jovens criadores recém-formados, com o objetivo de apoiar a criação das suas primeiras obras. Nesta temporada, os EVC darão apoio à criação a nível nacional, promovendo parcerias com várias estruturas do ensino ligadas às artes performativas, a saber, a Escola Superior de Dança (ESD), a Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo (ESMAE), a Faculdade de Motricidade Humana (FMH) e o Fórum Dança.


1º Ciclo 2022

Parceiros

Apoio à criação - residências artísticas

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Apoio às audições

O programa de Apoio a Audições continua a dar condições a artistas para que tenham a oportunidade de participar em processos de seleção para formações ou elencos. Assim, os EVC abrem as portas tanto a intérpretes que precisem de um espaço para ensaiar ou gravar vídeos para audições, quanto a estruturas ou coreógrafos que precisem de levar a cabo um processo de seleção para uma nova criação. 


The _Support for Auditions_ program continues to provide conditions for artists to have the opportunity to participate in selection processes for training or casts. Thus, the EVC opens its doors both to performers who need a space to rehearse or record videos for auditions, and to structures or choreographers who need to carry out a selection process for a new work. 

Support for Auditions

Apoio a Audições

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Área

A entrada dos EVC transformar-se-á num espaço expositivo que receberá exposições e instalações de artistas cujo trabalho tem uma ligação às artes performativas.


###### _POR UMA FELICIDADE ASSIM_ 
VICTOR HUGO PONTES, IMAGENS DE 20 ANOS DE CRIAÇÃO ARTÍSTICA 

###### _3 ANOS DE ITINERÁRIOS_ 
Ágata Xavier, Tamara Seilman e fotógrafo a anunciar 



S. SAND (n.1946) é historiador e Professor Emérito da Universidade de Telavive, onde lecionou História Contemporânea. Filho de pais polacos, de cultura iídiche e sobreviventes do Holocausto, nasceu e passou os dois primeiros anos de vida num «campo para pessoas deslocadas» antes da família emigrar para Israel, onde efetuou o serviço militar obrigatório e combateu na Guerra dos Seis Dias (1967). Doutorou-se em 1982 pela École des hautes études en sciences sociales, em Paris. A sua investigação tem incidido sobre a história cultural moderna, o movimento sionista e a construção de Israel. Com tradução em mais de 30 países, Como o Povo Judeu foi Inventado (2008), Como a «Terra de Israel» foi Inventada (KKYM+P.OR.K, 2021) e Como Deixei de ser Judeu (2013) propiciam-lhe projeção mundial. É ainda autor de Le XXe siècle à l'écran (2002), dedicado ao cinema.

Shlomo Sand encara Israel como fait accompli, mas reclama a transformação do Estado judaico num Estado de todos os seus cidadãos, independentemente das etnias ou religiões.

O livro na base desta conferência - _Como uma Raça foi Imaginada_ - remonta às bases da judeofobia ocidental e desafia a ideia segundo a qual o cristianismo se teria edificado após e em oposição ao judaísmo. Bem pelo contrário, considera que o judaísmo se formou sob pressão do cristianismo, adaptando-se aos termos do processo que ao longo dos séculos foi movido pelos seus inimigos.
O livro torna assim caduca a equívoca querela que assimila antissionismo e antissemitismo, alimentando o centro de certos debates contemporâneos. Até que ponto o sionismo, que emergiu como uma resposta de emergência à moderna judeofobia, se tornou no seu espelho? E, até que ponto herdou os fundamentos ideológicos que desde sempre caracterizaram a perseguição dos judeus?



Conferência ⏤ Antissemitismo e a Imaginação de um Povo-Raça 

A pesquisa histórica que Shlomo Sand apresenta vem refutar a ideia de que a «Terra de Israel» constitui a origem, o centro ou horizonte da existência judaica. Pelo contrário, durante milénios, as grandes figuras do judaísmo encararam Jerusalém como o metafísico lugar da redenção messiânica, não um destino terrestre. Assim, no final do século XVIII habitavam na Palestina menos de 5000 judeus entre 250.000 muçulmanos e cristãos. Mas, em 1881, têm início os grandes pogroms na Europa oriental, e até 1918, 2,5 milhões de judeus tiveram que abandonar o Império Russo, rumando à Europa central, ocidental e EUA, dando um fundamental impulso aos sionismos alemão e britânico. Foram os terríveis golpes que se abateram sobre os judeus durante a Segunda Grande Guerra, o encerramento das fronteiras a Ocidente e, sobretudo, o projecto fundamental do sionismo que acabaram por impulsionar a colonização judaica da Palestina e a criação do Estado de Israel.

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SHLOMO SAND

S. SAND (n.1946) é historiador e Professor Emérito da Universidade de Telavive, onde lecionou História Contemporânea. Filho de pais polacos, de cultura iídiche e sobreviventes do Holocausto, passou os dois primeiros anos de vida num «campo para pessoas deslocadas» antes da família emigrar para Israel, onde efetuou o serviço militar obrigatório e combateu na Guerra dos Seis Dias (1967), experiência de que dá conta neste livro. Doutorou-se em 1982 pela École des hautes études en sciences sociales, em Paris. A sua investigação tem incidido sobre a história cultural moderna, o movimento sionista e a construção de Israel. A sua investigação tem incidido sobre a história cultural moderna, o movimento sionista e a construção de Israel. Com tradução em mais de 30 países, Como o Povo Judeu foi Inventado (2008), Como a «Terra de Israel» foi inventada (2012) e Como Deixei de ser Judeu (2013) propiciam-lhe projeção mundial. É ainda autor de Le XXe siècle à l’écran (2004), dedicado ao cinema. Mais recentemente publicou Como uma Raça foi Inventada (2020), descrevendo o processo de racialização dos judeus, decorrendo entre a Europa judeófoba e o Israel nacionalista, denunciando em ambos os casos a fobia em relação ao «outro», que já foi judeu e com inquietante frequência tende agora a ser árabe.

Shlomo Sand encara Israel como fait accompli, mas reclama a transformação do Estado judaico num Estado de todos os seus cidadãos, independentemente das etnias ou religiões.

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